Полезная информация

Пещеры и наскальные рисунки

Некоторым из самых известных в мире наскальных рисунков уже десятки тысяч лет. Несмотря на то, что людей, живших в эти эпохи, считали «доисторическими» или же попросту «пещерными людьми», многие из этих набросков демонстрируют впечатляющее творчество и мастерство тогдашних обитателей планеты Земля. Конкретных, универсальных теорий о предназначении всех этих древних рисунков не существует. Было ли у доисторических людей стремление к самовыражению? Хотели ли они сделать исторические зарисовки для будущих поколений? Или же они просто пытались общаться с другими такими же людьми, использовавшими данные пещеры в качестве убежища?

Из-за защищённой подземной среды многие наскальные рисунки находятся в удивительно хорошем состоянии. К великому сожалению, некоторые из наиболее популярных пещер пришлось закрыть, потому как большое количество посетителей изменило условия внутри пещер, что привело к выцветанию рисунков или росту плесени. Тем не менее, десятка нижеприведённых подобных мест всё ещё пытается предлагать посетителям увидеть воочию эти реликвии древней человеческой жизни.

Пещера Ласко

Рисунки в пещере Ласко на юго-западе Франции старейшими образцами искусства в мире не являются, но считаются одними из самых потрясающих. На картинах, написанных примерно 17 000 лет назад, изображаются крупные животные, такие как быки и лошади, обитавшие в этой части Европы в эпоху палеолита. Изображения были обнаружены группой подростков в 1940 году, а в 1979 пещера была внесена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Пещера Ласко

К сожалению, в настоящее время Ласко закрыта для широкой публики, наскальные рисунки стали неумолимо выцветать, а внутри самой пещеры была обнаружена плесень. Любопытным путешественникам придётся довольствоваться копией самого большого пещерного зала, имеющего название «Ласко II», она находится примерно в 200 метрах от настоящей пещеры. В наши дни предпринимаются серьёзные усилия по защите оригинальных картин от их дальнейшего выцветания.

Пещера Пловцов

Туристы могут увидеть оригинальные наскальные рисунки в другом известном месте – пещере Пловцов. На этих картинах изображаются плавающие люди, но сама пещера располагается в одном из последних мест на планете Земля, которые вы могли бы ассоциировать с водной деятельностью – она находится в пустыне Сахара в Египте, неподалёку от границы с Ливией. Некоторые учёные предполагают, что в доисторические времена в этом районе располагалось большое озеро или река, но в дальнейшем регион подвергся опустыниванию.

Пещера Пловцов

Многие люди могут быть знакомы с этой пещерой не понаслышке, дело в том, что она была показана в художественном фильме «Английский Пациент» (1996 год). Некоторые части пещеры всё же были повреждены посетителями, но местные власти приложили серьёзные усилия для обучения гидов, дабы те могли удерживать туристов от продолжения роста дальнейшего ущерба. Из-за своей удалённости небольшое количество людей действительно может посещать эту пещеру. К слову сказать, она является одной из многих в этом районе, где есть древние рисунки.

Пещера Альтамира

Наскальные рисунки были найдены по всей длине пещеры Альтамира, располагающейся в северной части Испании – примерно в 32 километрах от города Сантандер, автономное сообщество Кантабрия. Учёные полагают, что картины, выстроившиеся вдоль километровых проходов, создавались на протяжении долгих 20 000 лет, а некоторые исследователи и вовсе считают, что самые древние изображения были сделаны самими неандертальцами.

Пещера Альтамира

По всей видимости, пещера была запечатана камнепадом, поэтому все рисунки так идеально и сохранились. Раскупорили пещеру лишь в 1880-ых годах. Потребовались целые десятилетия, чтобы убедить скептиков, считавших, что древние люди не были достаточно изощрёнными, чтобы создавать подобные картины, что изображения действительно относятся к доисторическим временам. Из-за выделяемого при дыхании посетителей углекислого газа, картины Альтамиры начали тускнеть. В наши дни большинство людей бродят по точной копии пещеры, однако совсем недавно попечители Альтамиры стали впускать ограниченное число туристов и в настоящую каменную галерею. Их не смутили опасения некоторых экспертов, которые считают, что даже ограниченное еженедельное посещение может испортить все художества древних людей.

Наскальное Искусство Национального Парка «Какаду»

Национальный парк «Какаду» в малонаселённой Северной части Австралии содержит в себе одни из лучших сохранившихся образцов наскального искусства, созданных коренными народами Австралии. Картины находятся под выступами скал, где, скорее всего, люди прошлого укрывались от непогоды. Считается, что некоторым изображениям не менее 20 000 лет.

Наскальное Искусство Национального Парка «Какаду»

Эти картины рассказывают историю жизни человека в Австралии ещё с доисторических времён и вплоть до первого контакта с некоренными поселенцами и исследователями. Для многих из этих древних художников акт рисования считался более важным, чем само полученное изображение. Именно по этой причине некоторые из старых картин парка позднее были закрашены новыми эскизами.

Пещера Магура

Пещера Магура в Болгарии содержит в себе картины, сделанные между 8 000 и 10 000 лет назад. Считается, что на этих изображениях можно увидеть фестивали, другие важные события и божеств, уникальных для древних Балкан. Есть также свидетельства существования солнечного календаря – одного из старейших из когда-либо обнаруженных на нашей планете. Изучив все рисунки, учёные обнаружили, что они были нарисованы при помощи гуано летучих мышей, иными словами – из частично разложившихся остатков их помёта.

Пещера Магура

В настоящее время посетители могут увидеть некоторые из картин во время посещения пещеры, хотя для этого необходимо заранее заказать экскурсию и заплатить дополнительный взнос. Только таким образом можно увидеть все камеры, в которых находятся эти рисунки.

Пещера Рук

Один из самых интересных образцов доисторического искусства можно разыскать в Аргентине, а точнее в одном из регионов страны под названием Патагония. Метко названная Куэва-де-лас-Манос (она же Пещера Рук) имеет очертания нескольких человеческих рук, которые были нанесены на каменную стену при помощи трафарета. В пещере имеются и другие картины, большинство из которых изображают диких животных и охоту на них.

Пещера Рук

Отпечатки ладоней и другие изображения были сделаны более 9 000 лет назад. Большинство трафаретов сделаны левой рукой, что может рассказать нам о том, что художники сами делали все эти рисунки, используя какую-то трубку для краски, которую держали в правой руке. Из устройства краска выдувалась на левую руку и растекалась вокруг неё. Экскурсии по пещере доступны для всех, главное, это добраться до данного отдалённого места.

Скальные Жилища Бхимбетка

Скальные жилища Бхимбетка в штате Мадхья-Прадеш, Индия, содержат в себе одни из старейших наскальных рисунков на территории Южной Азии. Несмотря на огромное количество прошедших лет, все изображения прекрасно сохранились. По оценкам специалистов, самые старые экземпляры были нарисованы примерно 30 000 лет тому назад.

Скальные Жилища Бхимбетка

Некоторые из изображений намного моложе, а самые новые из них были созданы буквально недавно – в эпоху Средневековья. Собрать воедино произведения искусства от доисторических эпох до средних веков в одном месте – это большая редкость и действительно огромная удача. Жилища, являющиеся частью списка Всемирного наследия ЮНЕСКО, открыты для посещений ежедневно.

Карстовые Пещеры в Маросе и Панкепе

Карстовые пещеры в Маросе и Панкепе располагаются на острове Сулавеси, что в Индонезии, и привлекают к себе большое внимание, поскольку по оценкам, основанном на недавнем углеродном анализе, найденным здесь изображениям примерно 40 000 лет. Если датировка верна, то это будет означать, что местные художники делали свои картины раньше, чем европейские пещерные жители.

Карстовые Пещеры в Маросе и Панкепе

В карстовых пещерах имеются изображения рук, подобные тем, что можно встретить в аргентинской пещере, о которой написано выше. Также тут присутствуют фигурки животных. Люди могут посетить пещеру в рамках тура, который также включает в себя остановки у интересных скальных образований, найденных в окрестностях пещер.

Педра-Фурада / Камень с Отверстием

Вокруг Педра-Фурада, что на северо-востоке Бразилии, было обнаружено более 1 000 рисунков. У учёных эти места вызывают споры, некоторые из них считают, что люди, которые там проживали, пришли в этот регион ещё до так называемого племени Кловис. Большинство экспертов по предыстории считают, что именно члены племени Кловис стали самыми первыми людьми, поселившимися в Америке.

Педра-Фурада / Камень с Отверстием

В районе Педра-Фурада, который является частью Национального парка Серра-да-Капивара, находятся сотни археологических памятников. Более полутора сотен из них, в том числе некоторые места с наскальными рисунками, открыты для широкой аудитории.

Пещерный Комплекс Лас-Гель

Произведения искусства на скальных стенах пещерного комплекса Лас-Гель находятся за пределами Харгейсы – столицы автономного региона под названием Сомалиленд. При этом они уже очень давно известны местным жителям. Однако весь мир обратил на них своё внимание только после того, как в начале 2000-ых годов этот комплекс начали изучать французские археологи.

Пещерный Комплекс Лас-Гель

Картины, и по сей день остающиеся довольно яркими из-за местного засушливого климата, имеют возраст от 5 000 до 11 000 лет. На рисунках изображаются как люди, так и животные. Сомалиленд, расположенный к северу от нестабильного государства Сомали, относительно безопасен для посещения, хотя его туристическая индустрия находится только на самых ранних этапах развития.

Пещеры и наскальные рисунки Читать дальше »

Эпоха бронзового литья в России: А. Герен, Феликс Шопен и Карл Берто

Эпоха расцвета бронзового литья в России связана с фабрикой Феликса Шопена в Петербурге и с именами трех французов А. Герена, Ф. Шопена и К. Берто.
В 1805 году, во время царствования Александра I, в Петербург приехал Александр Герен и на Васильевском острове основал собственное дело: бронзолитейную мастерскую, которая впоследствии стала крупным производством, сыгравшим значительную роль в развитии художественной промышленности и декоративно-прикладного искусства России.
А. Герен был тесно связан с кругами парижских бронзовщиков. Одним из его французских компаньонов был мастер Жюльен Шопен. В начале 1810-х годов по запросу А. Герена Ж. Шопен прислал из Франции мастеров (литейщиков, чеканщиков, позолотчиков), необходимое оборудование и инструменты, благодаря чему мастерская была прекрасно оснащена и стала образцом для других предпринимателей в этой области.
Ж. Шопен в Россию для мастерской А. Герена поставлял модели известных скульпторов того времени, например, Томира. На Первую российскую мануфактурную выставку 1829 года А. Герен представил чисто французскую ампирную бронзу с аллегориями, мифологическими фигурами и вакханками и изготовил бронзовую оправу для стеклянной вазы работы Императорского стеклянного завода.
Уже в середине 1820-х годов А. Герен смог открыть собственные магазины в Петербурге на Большой Морской, а позже и в Москве на Тверской улице. В магазинах продавалось небольшое количество уже готовых изделий, которые можно было приобрести сразу, но основная часть работ выполнялась под заказ.


А. Герен выпускал в России дорогостоящую бронзу, взяв за пример практику, сложившуюся во Франции: о запущенных в производство моделях сообщалось в прейскуранте мастерской или фабрики и клиент мог заказать понравившийся образец. Прейскурант 1831 года предлагал настольные лампы, канделябры с экранами, люстры и часы, в том числе и часы с композицией «Кориолан и Волумния», по известной модели Томира.В 1838 году на должность управляющего мастерской А. Герен пригласил сына его парижского компаньона Феликса Шопена, которого в России называли Феликсом Юльяновичем. И уже в 1841–1842 годах мастерская вместе с магазинами перешла во владения Ф. Шопена. С Васильевского острова мастерская была переведена в центр Петербурга на Большую Морскую. Наследник А. Герена — Ф. Шопен, обученный на опыте парижских бронзовщиков, получив процветающую, хорошо оснащенную мастерскую, быстро расширил ее и превратил в фабрику.
В отличие от А. Герена Ф. Шопен сразу понял, какую пользу делу приносят всероссийские мануфактурные выставки, и с самого начала своей деятельности участвовал практически во всех выставках XIX века.
24 мая 1843 года в Москве открылась 7-я выставка Российских мануфактурных изделий, на которой отдельно были выделены изделия из металла: в 11 зале выставки экспонировались «все металлические, мебель, музыкальные изделия, физические и математические инструменты и все предметы высшей роскоши». На этой выставке фабрика Ф. Шопена получила золотую медаль за высокое качество интерьерной бронзы. Среди образцов работ был представлен бюст, демонстрировавший первый в России самостоятельный опыт использования метода гальванического золочения. Скорее всего, первый опыт использования метода гальванического золочения был еще несовершенным, поэтому в 1844 году этот процесс повторили вновь в присутствии самого изобретателя, профессора Б. С. Якоби. Вызолоченная новым методом крупная фигура Ники впоследствии вновь экспонировалась на Лондонской выставке промышленных работ 1851 года. Ф. Шопен первым из русских бронзовщиков освоил метод гальванозолочения и с конца 1840-х годов широко применял его в своей практике.
В 1847 году мастер серебряных и бронзовых дел фабрикант Ф. Шопен присовокупил к бронзовому заведению чугунно-литейный завод со слесарными мастерскими для изготовления чугунных и железных украшений, преимущественно для строений, как то: подъездов, балконов, решеток и каминов, а также для отливки разных машин и снарядов.
Фабрика Ф. Шопена выполнила ряд работ и список ее заказов весьма внушителен: работы для интерьеров Зимнего дворца, гигантские монументальные двери для Исаакиевского собора в Петербурге и храма Христа Спасителя в Москве, осветительные приборы и интерьерная бронза для Большого Кремлевского дворца (1845–1849), люстры, часы, канделябры для Мраморного дворца (1849), бронза для Собственного дворца цесаревича в Петергофе (1850), люстра для Гатчинского дворца (1851), различные бронзовые оправы для изделий Императорских фарфорового и стеклянного заводов и Петергофской гранильной фабрики (1843–1886), часы с фарфором для Царскосельского дворца (1857). Кроме того, наряду с другими придворными фабрикантами Ф. Шопен занимался такими мелкими работами для императорского двора, как оконная и дверная фурнитура, доделывал вещи из других материалов, ремонтировал старые изделия, изготавливал всякого рода украшения из бронзы, цинка и серебра, памятники, столовые приборы и церковную утварь.


На Всероссийской промышленной (мануфактурной) выставке 1849 года в Петербурге фабрика Ф. Шопена представила большую серию из 63, выполненных в натуральную величину, бюстов русских князей, царей и императоров от Рюрика до Павла I. Обнаруженные Ф. Шопеном в 1840 году мраморные бюсты были весьма далеки от исторических прототипов, поскольку в конце XVIII века, по заказу генерала Корсакова, их сделал довольно известный итальянский скульптор Агостино Пенна (ум. в 1800 г.). Агостино Пенна работал в Риме над оформлением церквей и в России никогда не бывал. Ф. Шопен добавил к этой серии бюст Александра I, которого не было у А. Пенны.
Какими бы ни были художественные достоинства этих бюстов, в данном случае они отразили становление эпохи историзма в рамках русско-византийских сюжетов и даже зарождение основ будущего «русского стиля». Бюсты вообще играли значительную роль в скульптурном убранстве интерьеров середины второй половины XIX столетия, поэтому Ф. Шопен обращался к этому жанру и позже, отливая бюсты Екатерины II, Николая I и Александра III.
После Крымской войны (1853–1856 гг.) у фабрики Ф. Шопена возникли значительные торговые и финансовые сложности, связаны с общим экономическим положением в стране. С июля по ноябрь 1867 года он писал прошения, в том числе и на Высочайшее имя, чтобы либо ему предоставили правительственную ссуду в размере 100 тысяч рублей, либо у него приобрели фабрику за 160 тысяч для устройства в ее высоких и просторных зданиях городского госпиталя на 300 мест (что предлагала специальная медицинская комиссия еще в 1864 году). Несмотря на все его хлопоты, Министерство финансов отказало Ф. Шопену из-за дефицита государственного бюджета и дабы не создавать прецедентов «подобных же домогательств» со стороны других фабрикантов. Министерство Императорского двора не ответило на прошения Ф. Шопена, но, возможно сделало очередной заказ, который поддержал фабриканта. Лишь так можно объяснить тот факт, что фабрика не только не закрылась, но смогла преодолеть трудности и сохранить свое лидирующее положение.


К началу 1860-х годов имя Ф. Шопена было широко известно. В этом же году Ф. Шопен приобрел во Франции патент на использование специального приспособления, с помощью которого мраморные и бронзовые скульптуры можно было уменьшать до любого размера. Во Франции этот прием, изобретенный еще в 1830-х годах Ашилем Колла, использовался очень широко, и фабриканты тиражировали любую скульптуру в нескольких размерах от самых дорогих фигур в человеческий рост до небольших скульптурных изображений по цене, доступной среднему покупателю.
Первым опытом уменьшения крупных, выполненных в натуральную величину бюстов, до размеров настольной кабинетной скульптуры на фабрике Ф. Шопена стал бронзовый бюст Петра I. Известно, что этот выразительный портретный образ один из лучших в иконографии великого русского императора, отливался на фабрике Ф. Шопена с 1860 года до конца 1890-х годов в нескольких размерах.

Статуя Екатерины II, отлитая по рисунку М. О. Микешина

На Всемирной лондонской выставке 1862 года его величественная статуя Екатерины II, отлитая по рисунку М. О. Микешина, завоевала медаль за высочайшую технику исполнения. А в 1873 году уменьшенная копия статуи Екатерины II (без постамента) была отлита на фабрике А. Морана и установлена в сквере Петербурга, перед Александринским театром.

В 1867 году Ф. Шопен участвовал в Парижской всемирной выставке, где вновь, уже в уменьшенном виде, выставил свою серию исторических бюстов. После этого он начал небольшими тиражами по «подписке» выпускать эти бюсты, которые уже рассматривались как настольная кабинетная скульптура.
Ф. Шопен стал одним из очень немногих русских бронзовщиков, оформивших патентное право на воспроизводство той или иной модели в течение определенного срока. Ф. Шопен оформил патентное право на исключительное эксклюзивное производство всех бюстов серии на 10 лет. В 1868 году он добавил бюст Николая І. На каждой модели было проставлено круглое патентное клеймо «отъ мф на 10 лет», с датой «1867» или «1868» на некоторых моделях, так как процесс запуска серии в производство был постепенным. На всех последующих отливках, которые могли производиться по этим моделям в течение заявленных 10 лет, проставленное клеймо сохранялось. Поэтому бюсты с подобным клеймом датируются 1867–1877 годами либо 1868–1878 годами. Подобные патентные клейма редко, но все же встречаются на отдельных отливках фабрики К. Ф. Верфеля и некоторых частных мастерских, таких, например, как петербургская бронзолитейная мастерская Антонова.В 1870 году магазин и фабрика были переведены на Обуховский проспект и объединены в одном месте.
В 1870–1880-е годы фабрика Ф. Шопена отливала скульптуры и изготавливала промышленно-художественные изделия по моделям ведущих русских скульпторов, архитекторов и рисовальщиков: Е. А. Лансере́, А. Л. Обер, М. О. Микешин, М. М. Антокольский, Н.А. Лаверецкий, И. А. Монигетти, Г. Боссе, А. Л. Гун, Д. Н. Чичагов, Ф. Ф. Каменский и другие. Благодаря таланту русских мастеров, особенно Лансере́, фабрика Ф. Шопена исполняла превосходные группы предметов, которые известны по всей Европе и Америке.
Многие работы фабрики были единичными отливками, так и оставались выставочными экспонатами. В те времена «шопеновская бронза» служила своеобразным эталоном, «истинным рассадником производства художественной бронзы». Фабрика Ф. Шопена воспитала целое поколение формовщиков, литейщиков, чеканщиков, которые разнесли свои знания и опыт по другим заведениям.
Практически на всей шопеновской скульптуре того периода были клейма. Самые ранние клейма, которые Ф. Шопен начал ставить с начала 1860-х годов, были в латинской транскрипции «Fx Chopin. St. Peters-bourg», в каминных часах их могли ставить на циферблате. Более поздние клейма, 1870–1880-х годов. — «Ф. Шопен» и «отл.Шопен», редко, в случаях заказных работ «отливал Шопен». Еще реже на предмете интерьерного характера можно встретить клеймо «Ф.Ш.». На произведениях Лансере, как правило, имя фабриканта сочеталось с подписью скульптора. Необходимо отметить, что дата, указанная на бронзовой скульптуре, это дата создания модели, тогда как бронзовый отлив этого произведения мог быть выполнен значительно позже.
В 1882 году Ф. Шопен как член Совета торговли и мануфактур получил орден Св. Владимира 3-й степени и был «награжден правом изображения герба за введение в России вместе с бронзовым делом многих новых моделей высокого достоинства, за долговременное существование фирмы и за постоянное стремление к усовершенствованию».
В 1886 году предприятие Ф. Шопена оказалось на грани ликвидации. В написанном в 1886 году отчете француза М. Вашона министру изящных искусств Франции Тюрке о промышленном и художественном кризисе во Франции и Европе отмечалось, что француз Ф. Шопен, в течение почти полувека первенствовавший в России, «ликвидирует свои дела». Но Ф. Шопен с честью вышел из затруднительного положения, пригласив в компаньоны Карла Берто (в России Карл Августович), поскольку доверить свое производство он мог только соотечественнику, прекрасно разбирающемуся в организации большого бронзолитейного предприятия.
В одном из писем в Кабинет его императорского величества Ф. Шопен писал: «Г-н Берто отличный художник, рисовальщик и ваятель, в течение 11 лет сотрудничал с господином Барбидьеном, известным бронзовым фабрикантом в Париже, и участвовал в управлении фабрикой последнего». Ф. Шопен повторил ту схему, по которой сам когда-то прибыл в Петербург в качестве управляющего мастерской А. Герена и затем стал его преемником и продолжателем дела.
В 1888 году Ф. Шопен в возрасте около 80 лет вернулся во Францию. К. Берто выполнял обязанности управляющего торговым домом Ф. Шопена по одним сведениям с 1886-го по 1888 год, по другим вплоть до 1892 года, а в 1893-м стал владельцем фабрики на Воронежской и магазина на Михайловской улицах.

К. Берто, сохранив высокое качество и ассортимент интерьерной и кабинетной бронзы своего предшественника и дополнив его некоторыми привезенными из Парижа моделями скульптур и кабинетных предметов, как и Ф. Шопен, клеймил свои изделия. С 1886-го до 1892 года на отливках фабрики могли ставить клеймо: «отл. Шопенъ и Берто», с 1893 года «Отл. К. Берто», «К. Берто». Возможно, промежуточным клеймом 1893–1894 годов стало редко встречающееся «К. Берто. Б-ший Шопен». Имя Ф. Шопена было настолько известным, что сменить его сразу в написании клейма было невозможно. Скульптуру, предназначавшуюся для экспорта во Францию или для одной из парижских выставок, К. Берто подписывал по-французски.
К. Берто удачно продолжил и традицию участия в промышленно-художественных выставках. Нижегородская выставка 1896 года и две парижские выставки 1889-го и 1900 годов принесли ему золотые медали и звание «Поставщика его Императорского Величества».
В 1903 году К. Берто закрыл фабрику и вернулся во Францию.
Практически все крупные отечественные бронзовщики XIX века были иностранцами. Те, кто из них смог развернуть более или менее крупное дело в России стремился принять русское подданство и получить звание «почетного гражданина», но А. Герен, Ф. Шопен и К. Берто не приняли подданства в России, при этом их труды внесли огромный вклад в развитие русской бронзолитейной промышленности.
Художественные работы фабрики Ф. Шопена приобрели своеобразные российские нотки, оттенок местного колорита, становясь произведениями искусства, которые с полным правом можно назвать русской бронзой — «русским стилем» и широко известны во всем мире. Сегодня художественные изделия фабрики можно встретить во дворцах и музеях, а также в коллекциях любителей изящных искусств и антиквариата.

Эпоха бронзового литья в России: А. Герен, Феликс Шопен и Карл Берто Читать дальше »

100 советов начинающему художнику

100 советов начинающему художнику:

  1. Пишите каждый день.
  2. Пишите до тех пор, пока не почувствуете физическую усталость, потом сделайте паузу и поработайте ещё немного.
  3. Размышляйте.
  4. Если оказались в тупике, присмотритесь к работам знаменитых художников.
  5. По возможности, покупайте лучшие художественные материалы.
  6. Пусть в полной мере проявится ваш энтузиазм.
  7. Найдите средства для собственной поддержки.
  8. Будьте строгим критиком своих работ.
  9. Развивайте умение посмеяться над самим собой.
  10. Пусть стремление к работе войдет в привычку. Начинайте писать с самого утра. Если вы на какое-то время прервали работу, не ешьте. Лучше выпейте стакан воды.
  11. Не берите за точку отсчета свой средний уровень.
  12. Не позволяйте неудачам раздавить себя. Рембрандту не везло. Успех рождается из неудач.
  13. Почувствуйте союзника в каждом стремящемся к успеху художнике.
  14. Не осложняйте. Будьте проще.
  15. Хорошо знайте свое оборудование и надлежащим образом следите за ним.
  16. Куда бы вы ни собирались, всегда имейте под рукой необходимые и готовые к работе инструменты и материалы.
  17. Всегда начинайте работать вовремя, никогда не опаздывайте к началу занятий или на деловые встречи.
  18. стремитесь опережать свой самый плотный график работы. Старайтесь быть лучше данного вами слова.
  19. Общайтесь с настоящими друзьями.
  20. Не завидуйте более талантливым художникам. Просто старайтесь работать на пределе возможностей.
  21. Очень приятно получать премии и награды. Но истинная конкуренция заключается в соперничестве со своим вчерашним результатом.
  22. Позвольте себе потерпеть неудачу, чтобы затем яростно бороться за покорение новой вершины.
  23. Засыпая, думайте о том, с чего в первую очередь вы начнете завтрашний день.
  24. Изучайте работы великих мастеров. Обратите внимание на то, каким образом расставлены акценты на их полотнах; что выделено, а что является второстепенным.
  25. Пользуйтесь минимумом бытовых вещей, без которых не можете обойтись.
  26. Запомните: Микеланджело когда-то был беспомощным ребенком. Шедевры создаются в результате героического труда.
  27. В искусстве нет абсолютно ценных трюков: стремитесь находить свои проблемы.
  28. каждой работе отдавайте самого себя.
  29. Посвятите искусству всю свою жизнь.
  30. Без борьбы прогресса не бывает.
  31. Лучше действовать, чем бездельничать.
  32. Не говорите себе: «Времени нет». У вас ежедневно его столько же, сколько было у выдающихся мастеров.
  33. Читайте. Будьте знакомы с великими идеями.
  34. Чем бы вы ни зарабатывали себе на жизнь, совершенствуйте своё искусство.
  35. Задавайте вопросы. Жадно учитесь.
  36. Вы ученик собственной художественной школы. Кроме того, вы в ней и учитель.
  37. Стремитесь находить художников, чьё мероприятие созвучно вашему и старайтесь постоянно расширять их круг.
  38. Гордитесь своими работами.
  39. Гордитесь самим собой.
  40. Учитесь управлять своими чувствами.
  41. Во время работы над картиной помните, о чем она.
  42. Будьте организованы.
  43. Если у вас неприятности, вспомните о судьбах тех, кто создавал великое искусство.
  44. Выражения типа, «Какой я несчастный!» вам не помогут.
  45. Пытайтесь найти то, чему можно поучиться у больших художников; не нужно искать в их произведениях недостатки.
  46. Всматривайтесь и наблюдайте окружающую жизнь.
  47. Преодолевайте ошибки вашей наблюдательности, подчеркивая контрасты и характерное.
  48. Критики — неудавшиеся художники.
  49. Держитесь подальше от заносчивых и высокомерных художников.
  50. Если вы не можете решить над чем работать дальше, напишите автопортрет.

    Борис Кустодиев
    Групповой портрет художников общества «Мир искусства». 1920

  51. Никогда не говорите: «Это мне не под силу». Подобные мысли мешают потенциальному развитию.
  52. Будьте изобретательны.
  53. Помните: если приложить достаточно усилий, открываются любые двери.
  54. Если искусство представляется чем-то очень сложным, это значит, вы пытаетесь выйти за рамки того, что уже умеете.
  55. Рисуйте всегда и везде. Художник — это, образно говоря, этюдник плюс личность.
  56. В каждой попытке создать прекрасное уже присутствует искусство.
  57. Если вы смогли вложить в работу личное отношение, зритель почувствует это: он станет вашим зрителем.
  58. Деньги — штука хорошая, но в жизни есть более важные вещи.
  59. Старайтесь тратить меньше, чем вы заработали.
  60. Будьте умеренным и самокритичным, но ставьте перед собой самые высокие цели.
  61. Не скрывайте ваши знания. Делитесь ими.
  62. Попробуйте поработать с тем, что вам не по нутру: так вы откроете, истинно своё.
  63. Праздную голову вдохновение не посещает. Оно приходит, когда вы погружены в работу.
  64. Привычка сильнее желания. Если вы сможете выработать у себя привычку рисовать каждый день, вас уже ничто не остановит.
  65. Существует три способа познания искусства: изучать жизнь, людей и природу; изучать великих художников; и писать.
  66. Помните: Рембрандт не был совершенен. Ему пришлось преодолевать посредственность.
  67. Не называйте себя художником. Пусть так вас назовут другие. Звание «художник» ко многому обязывает.
  68. Будьте скромным; учитесь у каждого.
  69. Научить способны только те произведения, которые отняли много сил; часто они же являются любимыми.
  70. Интенсивность цвета относительна. Найдите самый светлый тон и сравните с ним остальные светлые тона. То же самое сделайте с темными тонами.
  71. Выдержка и твердость характера — волшебные составляющие успеха.
  72. Пусть ваша картина сама приветствует зрителя.
  73. Стремитесь обогатить новыми именами круг ваших любимых художников.
  74. Анализируйте произведения художников, которые решают близкие вам проблемы.
  75. Перед демонстрацией работ в галерее настройтесь позитивно.
  76. Не изобретайте оригинальной живописной манеры. Этим вы можете связать себя на всю жизнь. Или, что ещё хуже, вам придется менять свой стиль каждые несколько лет.
  77. Если то, что вы хотите сказать, исходит из глубины ваших чувств, у вас будет свой зритель.
  78. Постарайтесь заканчивать рабочий день с сознанием того, с чего вы начнете работать завтра.
  79. Не завидуйте чужому успеху. Будьте душевно щедрым и поздравляйте других от всего сердца.
  80. Требования, предъявляемые к самому себе, должны быть выше и существеннее требований ваших критиков.
  81. Вкладывайте в картину сердце. А затем и всего себя.
  82. Вермеер мог найти сюжет для большой работы даже в уголке комнаты.
  83. В картинах Рембрандта наиболее важный элемент всегда очевиден.
  84. Если работа какого-нибудь художника остается неизвестной, его вины в этом может и не быть.
  85. Критики не имеют решительно никакого значения. Кто прислушивается к тому, что говорят критики о Микеланджело?
  86. Распределите свой день так, что бы у вас было время писать, читать, тренироваться и отдыхать.
  87. Будьте устремлены ввысь за пределы собственных возможностей.
  88. На стадии завершения картины старайтесь не торопиться.
  89. Согласно так называемой теории последнего дюйма, по мере приближения к концу работы над картиной вы должны собрать воедино все свои ресурсы.
  90. Пишите картину цельно, от крупных участков к мелким.
  91. Воспринимайте участки светлых тонов как форму; теневые участки как форму. Прищурьтесь и найдите крупные, подвижные формы.
  92. Обратите внимание на то, что Рембрандт в портретах снижал до минимума проработку деталей одежды, более тщательно прописывая голову и руки.
  93. Наиболее важным достоинством Рембрандта являлось умение глубоко сопереживать и сострадать.
  94. Выделение какого либо элемента означает, что остальные части картины должны изображаться приглушенно.
  95. Готовясь к работе на пленэре, сначала осмотритесь.
  96. Прорабатывая композицию картины, делайте множество эскизов и старайтесь избегать банального копирования увиденного.
  97. Присмотритесь к колориту и тону шедевров.
  98. Если вы преподаете, используйте индивидуальный подход. Найдите у вашего ученика слабые стороны и помогайте преодолеть их.
  99. Живопись — практичное искусство, использующее конкретные материальные предметы: краски, кисти, холсты и бумагу. Ее неотъемлемой частью является зарабатывание средств к существованию.
  100. И наконец, не будьте снобом от искусства. Большинство художников преподают, занимаются иллюстрированием или работают в сферах, близких к искусству. Смысл заключается в том, что бы выжить.

 

А может не надо слушать советов, а просто делать свое любимое дело и творить!?

Заседание совета художников, Леонид Осипович Пастернак

100 советов начинающему художнику Читать дальше »

Список русский художников, оставивших заметный вклад в оформлении и иллюстрировании книг

Список русских художников, оставивших заметный вклад в оформлении и иллюстрировании книг:

1. Алякринский П.А.
2. Бажанов Д.А.
3.  Белюкин А.И.

4. Бём Е.М.

Большое место в творчестве Елизаветы Меркурьевны Бём занимали иллюстрации. Она оформила полтора десятка книг, среди них – произведения И. Тургенева, Л. Толстого, И. Крылова, В. Гаршина, Н. Лескова, русские народные сказки, сказки для детей.

Е. Бём Сказка «Репка»

5.  Бенуа А.Н.

В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой «Азбука в картинах Александра Бенуа» (1905) и иллюстрациями к «Пиковой даме» А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к «Медному всаднику», трем вариантам которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22).

Страница из журнала «Мир искусства», №1 за 1904 год. Иллюстрация А. Бенуа. 1903

6.  Билибин И.Я.

Известность Иван Яковлевичу Билибину принесли иллюстрации к русским народным сказкам, издававшимся для детей: «Царевна-лягушка» (1901), «Василиса Прекрасная» (1902), «Марья Моревна» (1903). За ними последовали иллюстрации к другим сказкам, былинам, а также к сказкам А. С. Пушкина, среди которых выделялись иллюстрации к «Вольге» (1904) и «Сказке о золотом петушке» (1910).

И. Билибин, Иллюстрация «Сказка о Золотом петушке»

7.  Бисти Д.С.
8.  Бриммер Н.А.
9. Бродаты Л.Г.
10. Бургункер Е.О.
11. Васин А.А.

12. Васнецов В.М.

В академии Виктор Михайлович Васнецов рисовал иллюстрации к сказкам и литературно-педагогическим трудам Николая Столпянского — «Народная азбука», «Солдатская азбука». Виктор Михайлович Васнецов оставил глубокий след не только в области графики и живописи. Он создал целый ряд великолепных росписей, множество оформительских и декоративных работ, выполнил несколько уникальных архитектурных проектов, в число которых вошел и проект его собственного сказочного дома-мастерской.

В. Васнецов «Иван Царевич на Сером Волке»

13. Васнецов Ю.А.
14. Верейский О.Г.
15. Герасимов С.В.
16. Гончаров А.Д.
17. Горяев В.Н.
18. Грозевский Б.В.
19. Двораковский В.Д.
20. Дейнека А.А.

С самого начала художника увлекало изображение человеческих фигур, создание сюжетных работ. Также живописец иллюстрировал басни Крылова. Своеобразная авторская манера уже ярко прослеживается в картине «Футбол», где Александр Дейнека представил полуобнаженных атлетов как мощное единство.

А. Дейнека. «Футбол», 1924

21. Дехтерев Б.А.
22. Добужинский М.В.

Книга «Три толстяка» была написана в 1924 году, но опубликована только в 1928-м. Первым иллюстратором «толстяков» стал Мстислав Добужинский. Издание украшают 25 цветных иллюстраций, выполненных в технике автотипии. За работу над этой книгой художнику был присужден диплом по завершении в Москве большой книжной выставки новинок.

М. Добужинский Обложка «Три толстяка»

23. Дубинский Д.А.
24. Дувидов В.А.
25. Егоров Я.Д.
26. Епифанов Г.Д.
27. Ечеистов Г.Д.
28. Зотов О.К.
29. Ильин Н.И.
30. Каневский А.М.
31. Кардовский Д.Н.
32. Кибрик Е.А.
33. Кирнарский М.А.
34. Клячко М.П.
35. Коган Е.И.
36. Кокорин А.В.
37. Колтунов В.И.
38. Конашевич В.М.
39. Кравченко А.И.
40. Кузьмин Н.В.
41. Кукрыниксы (Крылов П.Н., Купреянов М.В., Соколов Н.А.)
42. Купреянов Н.Н.
43. Курдов В.И.
44. Кустодиев Б.М.

Кустодиев вошел в отечественное искусство как художник праздника, праздничное веселье разлилось в его искусстве бурной и широкой рекой. Художник идеализирует народное гулянье. В его полотнах нет нищих и пьяниц, которые были непременным сопровождением праздников. Он видел это все в жизни: дождь, грязь, слякоть, пьяное мужичье, ужасающие мостовые, но ничего этого не допускал в свое искусство – он творил образ радости.

Борис Кустодиев. Масленица (Масленичное катание). 1919. Холст, масло. 71×98 см. Музей-квартира И. И. Бродского, Санкт-Петербург

45. Кыштымов Б.П.
46. Ламм Л.И.
47. Лансере Е.А.
48. Лебедев В.А.
49. Лео А.Н.
50. Лисицкий Л.М.
51. Лосин В.Н.
52. Маврина Т.А.
53. Маркевич Б.А.
54. Масляненко П.
55. Минаев В.Н.
56. Митрохин Д.И.
57. Мочалов С.М.
58. Нарбут Г.И.
59. Нивинский И.И.
60. Остроумова-Лебедева А.П.

Остроумовой-Лебедевой принадлежала главная роль в деле возрождения в России станковой гравюры на дереве как самостоятельного вида творчества — после долгого существования в качестве репродукционной техники; особенно велика заслуга художницы в возрождении гравюры цветной. Оригинальные приемы обобщения формы и цвета, выработанные ею, были усвоены и использованы многими другими художниками. Основной темой ее гравюр был Петербург, изображению которого она посвятила несколько десятилетий неустанного труда.

Ее цветные и черно-белые гравюры — как станковые, объединенные в циклы («Петербург», 1908- 10; «Павловск», 1922-23, и др.), так и исполненные для книг В. Я. Курбатова «Петербург» (1912) и Н. П. Анциферова «Душа Петербурга» (1920) — до сих пор непревзойденны по точности ощущения и передачи величественной красоты города и по редкому лаконизму выразительных средств. Воспроизводимые помногу раз и но разным поводам, они давно стали хрестоматийными и пользуются исключительной популярностью.

Цветная ксилография «Весенний мотив. Вид с Каменного на Крестовский и Елагин острова». Год создания: 1904

61. Павлинов П.Я.
62. Пахомов А.Ф.
63. Пахомов В.В.
64. Пивоваров В.С.
65. Пиков М.И.
66. Пискарев Н.И.
67. Пожарский С.М.
68. Рачев Е.М.
69. Рерберг И.Ф.
70. Родченко А.М.
71. Седельников Н.А.
72. Степанова В.Ф.
73. Телингатер С.Б.
74. Титов Б.Б.
75. Успенская М.Е.
76. Фаворский В.А.
77. Фишер Г.И.
78. Фомина И.А.
79. Фомина И.И.
80. Хайкин Д.
81. Хижинский Л.С.
82. Чарушин Е.И.
83. Чехонин С.В.
84. Шмаринов Д.А.
85. Юдовин С.Б.

Всего за свою творческую жизнь Соломон Юдовин создал иллюстрации к 60 книгам, семь из которых, по тем или иным причинам, не увидели света. В числе неизданных оказались и его лучшие работы на еврейскую тему: «Еврейский народный орнамент», «Еврей Зюсс» и «Путешествие Вениамина 3-го».

Л. Фейхтвангер «Еврей Зюсс». Иллюстрация

Список русский художников, оставивших заметный вклад в оформлении и иллюстрировании книг Читать дальше »

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст?

Качество будущей картины зависит не только от мастерства художника, выбранных кистей и красок, но и от основы для рисования. Именно этот фактор определяет, насколько комфортно вам будет работать и как долго проживет ваше творение. Холст для живописи – не просто какая-то ткань, это специальный художественный материал, чьи характеристики: основа, ткань, зернистость, плотность, качество грунта, должны соответствовать ряду жестких требований. Далеко не каждое полотно может выдержать вес красок и испытание временем.
Общие правила для выбора идеальной основы вашей картины:

◯  Холст должен быть качественно натянут на подрамник. Не морщиться по углам и не провисать. Если холст натянут правильно, то на ровной горизонтальной поверхности будет лежать плотно всеми четырьмя углами. Если же он качается, то это значит, что он перекошен, от покупки лучше отказаться.

Если холст на подрамнике, то измерьте ширину рейки. У холстов с наибольшей стороной до 50 см, ширина каждой рейки должна составлять не менее 4 см. Для большего размера –минимальная ширина планки не менее 5,5 см. Для объемных – обязательно наличие поперечных планок.

Желательно, чтобы подрамник был модульным, в комплект должны входить специальные колышки для регулировки натяжения холста.

◯ Поверхность ткани должна выглядеть равномерной и без узлов. Обязательно проверьте, нет ли на холсте ткацких дефектов (узелков, прорех, торчащих ниток, неровностей и пр.), которые будут мешать проклейке, грунтовке и нанесению краски, а в будущем разрушать красочный слой.

◯ Продольные и поперечные нити должны быть параллельны сторонам подрамника;

◯ Выбирайте синтетический или натуральный холст мелкой зернистости (можно средней зернистости, в зависимости от работы);

◯ Холст должен быть с плотностью не меньше 220 г/м.кв. (если холст и грунт тонкие, при надавливании будут оставаться вмятины, что может отразиться на качестве картины);

◯ Используйте холсты с акриловым трехслойным грунтом, который является универсальным для масляной и акриловой живописи;

◯ Холст должен быть хорошо прогрунтован, в том числе и все боковые стороны. Если там есть зазоры, то краска быстро отвалится.

◯ Для пейзажей лучше взять холст, у которого грунт имеет натуральный оттенок – бежевый, коричневый.
◯ Новичкам желательно избегать крупнозернистых холстов, поскольку просветы нужно заклеивать или дополнительно грунтовать.

От качества материалов зависит продажа. Какие картины продаются лучше всего?

Подрамник и виды основы для холста
Основа – одна из важнейших характеристик холста. Его либо натягивают на подрамник, либо наклеивают на оргалит (древесноволокнистую плиту, ДВП, МДФ) или толстый картон.

Подрамник представляет собой конструкцию из деревянных, алюминиевых или пластиковых реек, на которую натягивается полотно. Холст на подрамнике «дышит», а красочный слой сохнет быстрее и равномернее. Рейки обязательно имеют бортики, которые предотвращают его соприкосновение с основой. Если это произойдет, то он может приклеиться к рейкам, и тогда натяжение изменится.

— Деревянные рейки изготавливают из твердых пород дерева – сосны, березы, дуба, бука, хорошо переносящих перепады влажности и температуры.

— Алюминиевые отличаются небольшим весом и долговечностью, но их острые углы и края могут прорезать полотно.

— Для окончательного закрепления можно обжигать в обычной духовке. Это абсолютно безопасно, так как при этом испаряется только вода.

— Пластиковые подрамники, хотя и дешевы, но ненадежны и неудобны в работе, с их помощью нельзя как следует натянуть полотно.

Они отличаются и по конструкции.

У глухого подрамника рейки соединены между собой клеем или железными скобами. Отрегулировать натяжение полотна в случае его провисания нельзя.

Глухой подрамник

У модульного подрамника рейки соединяются по принципу «шип-паз», в комплекте идут небольшие клинья (поэтому они также называют клиновыми). Если холст провиснет, то натянуть его можно, забив клинья в специальные пазы.

Модульный подрамник

Плотная основа делает работу с холстом более удобной на пленэре, так как позволяет обойтись без мольберта. Кроме того, наклеенное полотно менее подвержено деформации и повреждениям, нет опасности, что оно провиснет и таким образом, ухудшит качество красочного слоя.

— Холст на основе из толстого картона – отличный вариант для начинающих живописцев и учащихся. Он подходит для эскизов и этюдов небольшого формата, выполненных акрилом или маслом. Позволяет оформлять работу в стандартные рамы.

— Основа из оргалита или древесно-волокнистой плиты отлично справляется с многослойным красочным покрытием и обилием декоративных элементов. Минусы: она намного тяжелее, чем картон или даже холст на подрамнике, кроме того, может прогибаться к центру тяжести.

— Холст в рулоне – это оптимальный вариант для поклонников крупномасштабных работ. От рулона отрезается кусок полотна нужного размера, и художник фиксирует его на подрамник или плотную основу самостоятельно. С одной стороны, это весьма экономичное решение, с другой – натяжка полотна на любую основу требует определенных навыков.

Какую ткань выбрать для холста?

Художники используют для своих работ самые разные ткани из натуральных, искусственных, смесовых волокон, однако они не одинаково пригодны для живописи. Рассмотрим плюсы и минусы наиболее популярных вариантов.

Хлопковый холст

Хлопковый холст

Хлопковая основа – гарантия приятной работы. Это очень послушный и довольно долговечный материал. Дело в том, что на нем начали писать относительно недавно, и испытание временем он еще не прошел.

Плюсы:

— Гладкая и мягкая поверхность с мелкой фактурой.

— Имеет бело-кремовый оттенок.

— При хорошей натяжке удобен в работе.

— Стоит не так дорого, как лен.

Минусы:

— Легко впитывает влагу, может стать домиком для плесени.

— Со временем и из-за перепада температур может провисать.

— Если долго находится на подрамнике, то может деформироваться.

— По прочности уступает льняному холсту.

Хлопковые холсты предназначены в основном для ученических и любительских работ.

 

Льняной холст

Льняной холст

Льняные холсты считаются классикой и предназначены для профессиональных работ. Их используют в живописи столетиями. После такого испытания временем они зарекомендовали себя с наилучшей стороны. Холсты делают из волокон стебля льна, и потому они имеют характерный серый или желтоватый оттенок. Лен – очень прочный материал, устойчивый к деформации и механическим повреждениям, отлично сохраняет фактуру и форму, поэтому качество рисунка никак не страдает.

Плюсы:

— холст не впитывает влагу и не плесневеет;

— не провисает;

— хорошо сохраняет первоначальную зернистость.

Минусы:

— стоит дороже, чем другие виды холста;

— весит больше, чем хлопок или синтетика, что неудобно, если картины много путешествуют по выставкам.

Льняные холсты нужно уметь выбирать, и здесь новички могут попасть впросак. Дело в том, что полотно ткут как из длинного волокна, так из отходов обработки пряжи – короткого волокна и очеса.

— Нити пряжи длинного волокна имеют одинаковую толщину по всей длине и образуют плотное равномерное переплетение.

— Нити из коротких волокон и очеса очень неровные, на них встречаются узелки, растительные частицы.

Суровое и театральное полотно изготавливают как раз из коротких волокон и очеса, они имеют очень низкое качество, поэтому их лучше для живописи не использовать. Это технические ткани.

Синтетический холст

Синтетический холст

 

Холсты из искусственного волокна (100% полиэстер) появились не так давно, и о том, насколько они надежны и смогут ли обеспечить картине долгую жизнь, пока говорить рано.

Плюсы:

— Материал не впитывает влагу, не подвержен гниению и образованию плесени.

— Небольшой вес.

— Холст не деформируется под воздействием температуры.

Минусом синтетических холстов считается их малое использование, то есть они еще не проверены временем, а потому профессиональные художники выбирают их редко.

Смесовые ткани

Это холсты, которые сотканы из нитей разных видов. Наиболее популярна комбинация хлопка и льна. Полотно объединяет плюсы обоих материалов:

— гладкая плотная поверхность;

— высокая прочность;

— относительно невысокая стоимость.

Существенным минусом является высокая способность материала впитывать влагу. Холст, состоящий из хлопковых и полиэстеровых (лавсановых) нитей, отличается идеальной ровной и гладкой поверхностью, практически без фактурной зернистости

Плюсы:

— высокая устойчивость к изменению влажностно-температурного режима;

— более прочный холст, по сравнению с хлопком;

— подходит для масляной живописи.

Минусы: в различных условиях и хлопок, и синтетика будут вести себя по-разному, кроме того, смесовые ткани используются сравнительно недавно, и как долго картина сохранит свое первоначальное состояние, не скажет никто.

Опытные художники советуют выбирать холсты известных производителей и тщательно изучать состав полотна.

 

Зернистость холста

Это еще одна важная характеристика живописной основы, на которую нужно обратить внимание при покупке. Зернистость также называют фактурой. Говоря простыми словами, это толщина нити, из которой соткан материал. У негрунтованного качественного холста фактура одинакова с лицевой и изнаночной стороны.

— Мелкозернистое полотно (плотность 200-300 г/м2) имеет почти гладкую поверхность. Оно подходит для создания портретов, миниатюр и работ в других жанрах, где требуются тончайшие цветовые переходы и детальная прорисовка. Также оно удобно для лессировки, когда краска наносится полупрозрачными слоями.

— Среднезернистый холст (плотность 300-400г/м2) – универсальный вариант, поскольку подходит для большинства работ разных форматов. Отличный выбор для начинающих живописцев.

— Крупнозернистые холсты (плотность 500-600 г/м2) – основа для больших работ, написанных густыми красками, поскольку они хорошо держат толстый красочный слой. На них удобно работать мастихином. Учтите, что их фактура будет видна через краску.

Существуют и специфические виды холстов, например:

— репинский – из длинноволокнистой рогожки с переплетением 4 на 4 нити, имеет очень рельефную крупную фактуру;

— этюдный – с эмульсионным грунтом, подходит для всех техник;

— живописный – для масляных красок. Выдерживает толстый красочный слой, но не подходит для акриловых и темперных красок, так как пропускает воду.

Переплетение холста должно быть или полотняным (для льна), или миткалевым (для хлопка). Это означает, что нити утка и основы переплетаются в ткани последовательно, образуя равномерное плетение.

Холст обязан строго соответствовать выбранной технике письма. Так, для гладкой живописи тонкими слоями следует выбирать мелкую или среднюю фактуру. Для пастозной живописи необходимо крупнозернистое полотно. Редкое переплетение не выдержит тяжести красок в любом случае.

 

Как выбрать правильный грунт? Виды грунта

Грунт – это специальный материал, который наносится на холст для того, чтобы создать прочную связь между основой и краской. Также он необходим для получения какой-то определенной фактуры или фона, которые предполагает задумка художника. Как правило, грунт наносится на основу в несколько слоев.

Многие холсты продаются уже грунтованными, то есть они полностью готовы к живописи, на них нанесены соответствующие проклейка и грунт. Это оптимальное решение для новичков, правда, и здесь есть свои нюансы при выборе, о них мы скажем чуть позже. Также встречаются грунтованный картон и бумага.

Опытные художники предпочитают самостоятельно готовить основу к работе и приобретают негрунтованные холсты в рулонах или на подрамниках. От вида грунта зависит, насколько прочным будет красочный слой.

— Клеевой грунт – идеальный выбор для масляной живописи, подходит для всех видов основы. Масляные краски хорошо себя ведут себя на клеевом грунте, сохнут относительно быстро, без образования трещин.

— Эмульсионный грунт подходит для любой основы и всех техник живописи. Он не растворяется в воде, поэтому на нем можно писать не только маслом, но и акриловыми и темперными красками.

— Масляный грунт предназначен для всех основ, но его предпочитают далеко не все художники. Используется только для тонкой масляной живописи, если вы пишете пастозно, то стоит выбрать другой вариант. Если вы решили самостоятельно нанести масляный грунт, учтите, что он полностью высыхает в течение 10-12 месяцев.

— Акриловый грунт подходит для масляной, акриловой, темперной живописи, его можно наносить на любые основы. Рекомендуется для самостоятельной грунтовки полотна, так как он очень пластичный и не склонен к растрескиванию.

 

Как проверить качество грунтованной основы?

— На поверхности не должно быть никаких зазоров, точек, ниток и т. д. Фактура может проступать только у крупнозернистого холста.

— Нанесите на натянутый холст живописное льняное масло. Если грунт качественный, то ничего не изменится. Холст сохранит первоначальный цвет и гладкость, хотя весь будет покрыт тонким слоем масла. Если на холсте появились темные пятна, там, где масло через микротрещины проникло внутрь и впиталось в основу, то рисовать на нем нельзя. На готовой картине появятся некрасивые матовые пятна, причем убрать их лаком не получится.

Именно поэтому готовые грунтованные холсты никогда не лишне доработать, то есть покрыть либо готовым акриловым грунтом, либо желатиновым клеем в 1-2 слоя.

 

Можно ли самостоятельно загрунтовать холст?

Этот вопрос волнует многих новичков. Да, можно, но для этого нужны определенная сноровка, терпение и время.

Самый популярный рецепт грунтовки холста:
  • Возьмите желатин (желательно насыщенного желтого цвета) и разведите его по инструкции производителя.
  • Когда желатин остынет, шпателем нанесите его на натянутый холст, тщательно втирая в нитки и отверстия между ними. После просыхания первого слоя нанесите еще один, дайте высохнуть.
  • Теперь нанесите на холст белую фасадную краску, если вы хотите получить цветной фон, добавьте соответствующий краситель. Краска должна иметь консистенцию жидкой сметаны. Нанесите ее в два слоя широкой щетинной кистью, давая просохнуть каждому покрытию.
  • В завершение холст покрывают прозрачной фасадной глубинной пропиткой в один слой. Примерно через 5-7 дней холст будет полностью сухим и готовым к работе. Некоторые художники добавляют прямо в желатин истолченный мел или сухие цинковые белила, тогда нанесение белой фасадной краски не нужно.

Какие инструменты нужны?

Жидкие клеевые составы наносят жесткой и широкой кистью, например, малярной, или щеткой, студенистые — распределяют, используя мастихин, линейку или нож. Для разравнивания слоя и удаления лишнего клей может использоваться резиновый шпатель, нож или другой удобный предмет.

Как правильно сушить холст?

Просушка проводится после нанесения каждого слоя. На этом этапе не стоит торопиться, т. к. нарушение технологии ухудшит качество поверхности.

Время зависит от используемых смесей. Клеевые грунты сохнут в среднем до 5 дней, эмульсии – 1–2 недели, составы, содержащие масла, – от нескольких месяцев до года. Время между нанесениями слоев клея обычно составляет 12 часов.

Поверхность должна сохнуть равномерно при комнатной температуре. Нельзя выносить полотно на солнце, ставить у батареи, в местах со сквозняком.

Решение проблем с холстом

Если вы начинающий художник, обязательно прислушайтесь к советам опытных товарищей. Итак, что делать, если…

…холст провис?

Подоткните клинья-колышки в свободные пазы, и полотно выровняется.

…на холсте образовалась вмятина?

Такое случается при неправильном хранении (см. Правила хранения и содержания картин), когда на картину опираются подрамником работы меньшего формата. В этом случае сбрызнете полотно с обратной стороны водой из пульверизатора. При высыхании холст снова натянется без изъянов.

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст? Читать дальше »

Аэрография: «Девальвация живописи с помощью механического аппарата»

Аэрография сегодня признана разновидностью декоративно-прикладного искусства. С помощью аэрографии изображения смотрятся очень эффектными и достоверными, но лишь малая часть профессиональных художников используют ее для написания традиционных картин.. Художники используют жидкие или порошковые краски, которые распыляются под давлением. Изображениями, созданными с помощью этой техники, часто украшают автомобили и мотоциклы, ее используют в моделизме, в интерьерах развлекательных центров, кафе и ресторанов, предметов обстановки жилых и коммерческих помещений, в создании фресок, в текстильном дизайне, в полиграфии, в росписи игрушек, стекла и керамики. Также есть ряд уличных художников, которые работают с красками в баллончиках, создавая интересные «космические картины».
Кроме того, аэрография используется при изготовлении рекламных конструкций и декораций. С помощью особых, безвредных для здоровья человека красок аэрографом наносят макияж на тела моделей в боди-арте и грим на лицо или руки артистов в ходе съемок фильмов.
Аэрография. Ганс Рудольф Гигер
Аэрография (от греческих слов «aero» и «grafos» — «воздух» и «пишу») — это искусство художественной росписи с помощью специального пневматического устройства, разбрызгивающего краску. Аэрография позволяет создавать фактурные разноцветные изображения практически на любых поверхностях. Работа с этой техникой не отличается особой сложностью, но требует от художника наличия базовых умений обращения со специнструментом – аэрографом.
Главная отличительная черта аэрографии – возможность создавать плавные переходы цвета, придавать рисункам объемность, достигать фотографической достоверности изображения. Краски наносятся на специально подготовленную поверхность и позже фиксируются лаком. Благодаря мелкодисперсному распылению художники могут достигать глубины и фактурности рисунка, которые недостижимы при помощи обычной кисти.
Аэрография в наши дни востребована в самых разнообразных сферах деятельности человека.
Первые попытки применения техники аэрографии в истории человечества зафиксированы в глубокой древности, в эпоху палеолита. По самым скромным подсчетам ученых возраст обнаруженных в пещерах изображений составляет около 30 000 лет. Древние художники использовали трубчатую кость или толстую соломинку, через которую выдували краску на стены пещер, используя в качестве трафарета собственные кисти рук.
Аэрография. Образец древней аэрографии эпохи палеолита. Около 30 000 лет до нашей эры

Современная история аэрографии началась лишь в XIX веке, когда в 1876 году американский предприниматель Фрэнсис Эдгар Стэнли создал ручной прибор для раскрашивания и ретуши фотографий (прибор мелкодисперсного разбрызгивания краски) — первый образец аэрографа, на который Фрэнсис Эдгар Стэнли оформил авторский патент.

Разработанный Стэнли прибор усовершенствовал ювелир Эбнер Пилер, подключив прибор к ручному компрессору. По мнению Пилера, его изобретение могло быть использовано для живописи акварелью. Три года спустя он продал патент компании «Liberty Walkup», и уже осенью 1884 года были проданы первые 63 аэрографа, покупателями которых стали фотографы. Несколько позже прибор усовершенствовали, теперь поток воздуха и краски можно было регулировать одной кнопкой – и одной рукой. Первым художником, который стал использовать аэрографию в живописи, стал американский импрессионист Уилсон Ирвайн.
В 1882 году права на патент приобрел Либерти Уолкап, на основе которого он создал аэрограф двойного действия. Спустя 6 лет Уолкап основал первую компанию по промышленному производству аэрографов — Аirbrush Мanufactoring Сompany. Эти приборы первоначально предназначались для ретуширования и раскрашивания фотографий.

В Европу аэрограф попал только в 1893 году, а в 1900 году открылась компания Чарльза Бредика «Aerograph», которая выпускала продукцию, весьма схожую с современными «воздушными кистями». Аэрграфы стали использовать в промышленности – например, с их помощью наносили узоры на машинки «Зингер», расписывали ткани. Несколько лет спустя Ман Рей, один из отцов-основателей дадаизма, очень заинтересовался техникой аэрографии и использовал ее в своих работах, которые в 1920 году показал в Париже на выставке «Первый напыленный объект». Критика встретила новшество в штыки, назвав новаторство Ман Рея «девальвацией живописи с помощью механического аппарата».

Аэрограф использовали при создании плакатов, иллюстраций и афиш. Известно, например, что сестра Владимира Маяковского – художница и дизайнер Людмила Маяковская – помогала брату с созданием плакатов Окон РОСТА и использовала для этого аэрограф. Маяковская была руководителем аэрографного цеха московской Трехгорной мануфактуры, где технику «воздушной кисти» применяли для создания новых способов декора ткани.

До начала 30-х гг. ХХ века основной сферой применения аэрографии оставалось фотоискусство, она долгое время была незаменимым помощником фотографов при ретушировании снимков. В СССР с помощью аэрографа ретушировали фотографии советских партийных деятелей, удаляя со снимков нежелательных персон.
Индустриализация и бурное развитие машиностроения повлияли на резкий всплеск интереса к аэрографии со стороны владельцев автомобилей. На капотах машин начали появляться художественные изображения животных и птиц, причудливых орнаментов и рисунков. Увлечение новой техникой росписи для украшения авто и автомобильных аксессуарах быстро стало массовым сначала в США, а позже и в Западной Европе.
Благодаря усилиям известного американского мастера Альберто Варгаса  в 1930-1950-х годах XX века аэрография проникла в пин-ап . Американец перуанского происхождения покорил зрителей красочными и эффектными изображениями сексуальных девушек, нарисованных с помощью аэрографов. В годы Второй мировой войны рисунками полуобнаженных девушек пестрил журнал «Esquire». Его мастерское владение аэрографом было отмечено премией Vargas Award, которую ежегодно присуждает авторитетный журнал Airbrush Action Magazine.
Аэрография. Альберто Варгас
Значительный вклад в популяризацию аэрографии также внес художник Джордж Петти. Он на протяжении 30 лет на собственной студии занимался созданием картин в стиле пин-ап. Репродукции его работ часто украшали фюзеляжи военных американских самолетов.
В 1960-е аэрограф стали использовать представители поп-арта – Аллен Джонс, Энди Уорхол, Джексона Поллока и Питер Филлипс. На Парижской биеннале 1972 года «реализм, доведенный до совершенства» стал одним из главных событий выставки: аэрография получила признание и свое место в мировом изобразительном искусстве.
Позже приобрели известность другие мастера аэрографической живописи: Геррино Боатто,  Ганс Рудольф Гигер, Ренато Касаро,  Хадзиме Сораяма.
Ганс Рудольф Гигер. Позитивный ресурс. 1970
Аэрография. Хадзиме Сораяма
В настоящее время аэрографии можно увидеть практически в любой отрасли и это техника остается востребованным способом самовыражения не только художника, но и его заказчика. Среди произведений, выполненных в этой технике, всегда найдутся настоящие шедевры искусства.
Чтобы понять принципы работы с аэрографом, узнать всё про оборудование и материалы для рисования аэрографии, можно найти курсы по «Основам аэрографии» , на которых вы можете:
  • Научиться делать упражнения на моторику рук;
  • Отличать укрывистость и прозрачность красок, добиться нужного оттенка, знать правила нанесения и смешивания красок;
  • Видеть свет и тень, создавать живые, объемные рисунки с детализацией;
  • Делать опорные трафареты, эскизы в фотошопе, переносить изображения на любую поверхность;
  • Создавать различные текстуры, научитесь рисовать шерсть животного, кожу человека, волосы и другое;
  • Рисовать реалистичные картины на любой поверхности, от бумаги и холста до стен и автомобилей.

Сферы применения аэрографии огромное и Вы всегда сможете на этом зарабатывать и самовыражаться.

Аэрография: «Девальвация живописи с помощью механического аппарата» Читать дальше »

Как вступить в Союз Художников. Вы думали это просто?

Что дают союзы художников, архитекторов, дизайнеров и вообще творческих людей? Что это такое сейчас? И нужно ли в них вступать?

Если посмотреть историю, то мы увидим, что в том, или ином виде объединения художников, писателей композиторов, и вообще творческих людей существуют довольно давно.

Общий смысл таких организаций состоит в объединении людей с тем, чтобы создать взаимовыгодную структуру, основанную на общих профессиональных интересах.

Во времена Российской Империи сразу вспоминаются такие объединения как товарищество передвижных художественных выставок(передвижники), Союз русских художников и т.д.

В советское время появились официальные государственные Союзы писателей, художников, композиторов. И надо сказать, что членство в этих Союзах в то время реально давало некие преференции. Например, художники могли получить студии для работы.

Надо отметить, что в современных реалиях членство в творческих Союзах даёт некоторые небольшие привилегии: возможность со скидкой покупать художественные товары; участвовать в конкурсах, проводимых Союзом; посещать выставки и не платить за входной билет; участвовать в мероприятиях и выставках объединения. Но, будет ли для это для Вас мотивацией вступать в творческий союз и иметь обязательства? Ведь, чтобы пользоваться опционными «привилегиями» Союза, нужно выполнять обязательства. Но тщеславие никто не отменял… И это, наверное, самая главная движущая сила — быть признанным обществом, чтобы твое имя попало в анналы истории.

Как вступить в Союз Художников. Вы думали это просто?

  1. Для вступления в Союз художников России необходимо соответствовать определенным формальным признакам. Членом Союза может стать гражданин Российской Федерации в возрасте старше 18 лет, профессионально занимающийся любым видом изобразительного искусства. Рассматриваются заявки от художников, реставраторов, искусствоведов и студентов, обучающихся по данным специальностям.
  2. Перед вступлением необходимо ознакомиться с Уставом Союза художников России. Этот документ в полной мере дает представление о целях, задачах Союза, направлениях его деятельности, правах и обязанностях членов. Согласие с положениями Устава – обязательное условие для претендентов. Найти текст Устава несложно. Он размещен в интернете, а также имеется в каждом региональном отделении Союза и в библиотеках художественных вузов.
  3. После изучения Устава посетите региональное отделение Союза художников. Там вы сможете уточнить возникшие вопросы по поводу политики Союза и получите необходимые для заполнения документы. Кроме того, вы познакомитесь с действующими членами Союза, ощутите атмосферу творческого объединения.
  4. Затем приступайте к сбору документов. Вы должны представить на рассмотрение комиссии:
    — автобиографию;
    — альбом репродукций творческих работ;
    — список основных работ в хронологическом порядке с начала творческой деятельности;
    — список художественных выставок, в которых вы приняли участие, в хронологическом порядке;
    — список профессиональных творческих наград с приложением копий дипломов, почетных грамот, благодарственных писем;
    — список публикаций о вашем творчестве и ксерокопии этих публикаций в хронологическом порядке;
    — творческую характеристику, составленную и подписанную искусствоведом- членом Союза художников России;
    — рекомендацию председателя профильной секции регионального отделения Союза художников России;
    — рекомендации трех членов Союза художников России со стажем не менее 5 лет;
    — справку с места жительства;
    — ксерокопию паспорта;
    — ксерокопию диплома об образовании;
    — ксерокопию свидетельства о постановке на налоговый учет (ИНН);
    — ксерокопию пенсионного страхового свидетельства;
    — 4 фотографии размером 3х4 см.
  5. Важнейшей частью вашего портфолио является альбом репродукций. В нем должно быть представлено не менее 20 произведений. Отберите наиболее яркие и значимые работы, характеризующие вас как художника. Сделайте их профессиональные фотографии размером 15х20 см. Затем наклейте каждую фотографию на отдельный лист плотного белого картона. Внизу укажите полные каталожные данные художественного произведения.
  6. При подаче документов вам предложат образец заявления о вступлении в Союз художников и личную карточку учета кадров, которые вы заполните собственноручно.
  7. Затем руководство регионального отделения назначит дату рассмотрения вашего заявления. На этом заседании вам нужно присутствовать для представления своих произведений.
  8. Художникам, успешно прошедшим вступительные испытания, выдается членский билет Союза и назначается срок уплаты членских взносов.

Вступать или не вступать в какой-либо творческий Союз? Каждый решает сам. Но согласитесь, что как звучит «картины члена Союза Художников». Хотя, работы талантливого  художника говорят сами за себя.

Как вступить в Союз Художников. Вы думали это просто? Читать дальше »

Как смешать краски, чтобы получить нужный цвет: правила, таблицы колорирования

У новичков и, даже у профессиональных художников и дизайнеров, всегда появляется много вопросов по поводу правильного смешивания цветов. Существует несколько главных оттенков, которые позволяют создавать разные цвета при грамотном сочетании. В основном эта необходимость проявляется, когда становится мало одной краски и надо срочно ее использовать. Для получения нового цвета обычно используется от двух расцветок.

Как правильно смешивать краски для получения нужного цвета: правила

Важно сказать, что смешивать краски не сложно, а вот добиться подходящего оттенка может быть трудновато. Иногда краски дают неожиданную реакцию, что может сильно повлиять на итоговый результат. Например, цвет получится темнее, чем требуется, либо он потеряет тональность и будет серым.

Еще один интересный факт — синий и красный нельзя смешать из других расцветок, но зато их можно активно использовать в различных комбинациях.

Гамма расцветок, которые использует человек безгранична. Но основные цвета спектра: синий, желтый, красный. Они существуют сами по себе и не имеют в своем составе других пигментов. Смешивая их в разных пропорциях можно получить необходимый нам тон. Если соотношение тонов одинаковое – получается одна краска, но стоит изменить пропорции, как получается совсем другой цвет.

Расцветки, которые присутствуют в радуге, получили название — хроматические. Они поглощают и отображают световые волны различной длины. Волны, которые отражаются от предмета, мы воспринимаем, как его цвет. Например, лист дерева поглощает все тона, кроме зеленого. Зеленый он отражает и мы видим его таковым.
Зеленый так же является производным базовых цветов. Смешивая желтый + синий, мы получаем зеленый. Добавим к нему алый — получим яркий коричневый.
Черный, белый, серый – ахроматические. Темный цвет съедает волны полностью, а белоснежный отображает их.
Все существующие оттенки взаимодействуют один с другим, что приводит к такому разнообразию в нашем прекрасном мире.

 

Цветовой круг — это инструмент, на котором можно зрительно построить все существенные колористические схемы. Колористам, художникам и дизайнерам в работе необходима таблица смешивания красок и цветовой круг.
Помимо основных, существуют добавочные расцветки, при смешивании вместе которых мы создаем черный, белый или серый. В цветовом круге они располагаются в противоположных секторах: зеленый + желтый, оранжевый + синий, фиолетовый + желтый.

Как смешивать краски, чтобы произвести тот или иной цвет

Формирование всевозможных оттенков одного колера – это целая наука. Иногда, добиться точного результата очень не просто. Добавляя черный, белый или серый к основному пигменту мы можем получить разные результаты. Так же можно варьировать пропорции смешиваемых колеров.
Если нет соответствующей подготовки, то процесс подбора нужного цвета и оттенка занимает много времени. Особенно сложно работать с подбором для уже покрашенной детали. Колорист, не имеющий рецепта, может самостоятельно получить подходящий оттенок. Важную роль играет свет в помещении, где проходит работа. Лучше заранее подготовить необходимые условия и доступ к естественному свету. Любая лампа дневного света исказит работу колориста.

Перед художником или дизайнером обычно стоит задача не увидеть, что получится если смешать одну краску с другой, а наоборот — получить желаемый оттенок, то есть узнать какие краски и в какой пропорции нужно смешать, чтобы получить этот оттенок. Цветов и их оттенков в реальности существует практически бесконечное количество, поэтому гораздо чаще найденный оттенок будет в большей или меньшей степени похож на нужный, но не на 100%. В таких случаях без эксперимента не обойтись…

Коричневый

Часто применяется при написании полотен, получают его достаточно просто:

  • Травяной + алый;
  • Алый + синий + яркий желтый;
  • Алый + капля белого + черный + одна капля желтого.

  • Горчичный легко создать, если смешать желтый + красный + зеленый + черный.
  • Табак – это алый, зеленый, желтый, белый.
  • По-осеннему яркий коричневый – сочетание яркого желтого, алого, зеленого, белого, синего.

Фиолетовый

Интересный фиолетовый возможно получить смешав синий и красный, либо голубой и розовый, но только надо использовать их в разном количестве.

Образование множества тонов фиолетового: светло-фиолетового можно быстро разбавить имеющийся темный колер белилами, аккуратно добавляя их по одной капле, и у вас получится большая гамма оттенков.
Для пунцового отлива в фиолетовом надо включать больше капель алого колера.

 

Красный

Сочный, огненный. Без него сложно представить современный мир.

Получить настоящий красный у вас не получится. Но с его помощью вы сотворите множество оттенков.

  • Каштановый — это красный + черный.
  • Яркий огненно — оранжевый цвет – красный + немного желтого.
  • Краситель пурпурный – синий + желтый + красный пигмент.
  • Цвет спелой малины — красный + белый + коричневый + синий

Бежевый

Нежный и такой лаконичный колер может играть множеством оттенков. Часто можно встретить бежевый в дизайне, спокойных интерьерах и мастерской колориста. Расцветка часто применяется для создания портретов.

Коричневый + белый – мы создадим бежевый. А добавляя к нему по капле основные краски — скорректировать от теплого до холодного колера. Чтобы он был ярче, можно прибавить немного желтого.

 

Зеленый

Самый приятный нашему глазу цвет. Его любят применять при создании интерьерных планов, а при произведении полотен он просто необходим.


Как получить зеленый цвет? Самое логичное – добавить к желтому синий. Если добавить больше яркого синего – цвет будет более напитанным, а если белого – мятным. Хвоя – последствие смешения ярко — травяного, черного и желтого.

Серый

Без серого не обойтись в современном дизайне. Ценен от тем, что сочетается со всем. А сколько оттенков колорист может образовать из этого цвета нельзя сосчитать.

Есть множество вариантов, но для получения основного серого цвета нужно смешивать белый и черный цвет. Так же всегда можно добавить для эксперимента один из цветов радуги для придания ярких переливов и меняя тональность.

 

Черный

Самый глубокий, а так же необходимый в палитре. С его помощью художник быстро изобразит тень или подгонит любой колер до нужного тона.

Глубокий черный смешается из синего и темного кофейного. Так же объединить в равном соотношении синий, красный, желтый. Изысканные разновидности черного:

  • аспид (с частичкой серого колера);
  • антрацит (с металлическим отблеском );
  • кровь быка (красивые переливы алого).

 

Синий

Часто используется колористами. Без него не обойтись ни одному художнику при изображении небесного полотна, озер, льда и других частых элементов.

Красивый синий, как основной среди множества цветов, образовать путем очередного смешивания невозможно. Перемешать фиолетовый с нежно — голубым — краска будет слишком темной. Осветлить ее можно, добавив несколько капель светлого пигмента.

 

Розовый

За основание для розового используют яркую белоснежную краску и к ней по капле вводят алый (красный). Чем интенсивнее нужен оттенок, тем больше алого должно вводиться, так управляют необходимой тональностью. Добавляя разное количество белого, можно управлять тональностью.

 

Желтый

Настоящий желтый так же нельзя получить, смешивая другие имеющиеся краски. Аккуратно добавляя светлый зеленый к оранжевому можно добиться лишь похожего.

 

Оранжевый

Как сделать оранжевый цвет? Совместим в одном соотношении сочную желтую и алую краску. Чем больше присутствует красного, тем ярче получается оттенок, а дальше корректируем:

  • Для светло-апельсинового берут яркий розовый + желтый, также при необходимости можно включить несколько капель белил;
  • Для кораллового соединяют грязно — оранжевый, розовый, белый в похожем соотношении;
  • Для нежного персикового нужны такие, как оранжевый, желтый, розовый, возможно, каплю белил;
  • Для медного используем ярко-оранжевый + каплю кофейного. Яркости цвету можно придать белилами, добавляя постепенно по одной капле.

Если вы обнаружите, что тот или иной цвет отсутствует в вашей палитре, уже не будете сомневаться, а создадите его для себя из того, что есть под рукой. Все необходимые инструменты уже имеются у колориста, нужно только лишь знать, как это сделать.

Нет ограничений в фантазии человека, что бы пробовать, экспериментировать, изобретать свои интересные краски. Можно сочетать одно с другим, создавая что-то новое.

Как смешать краски, чтобы получить нужный цвет: правила, таблицы колорирования Читать дальше »

50 сайтов для художников

Если вы художник или просто увлекаетесь рисованием, то специально для вас мы собрали ссылки на 50 ресурсов, посредством которых можете продавать ваши художественные работы, и краткое описание первой двадцатки. Весьма полезная информация, может пригодиться в будущем:

1) DeviantArt — https://www.deviantart.com — крупнейшая социальная сеть для художников. Порядка 100 миллионов работ. Платформа предоставляет возможность демонстрировать свои произведения, делиться мнениями с другими художниками и любителями искусства, а также рекламировать и продавать свои материалы.
2) Amazon Handmade — https://services.amazon.com/handmade/handmade.htm — платформа имеет наибольший охват на рынке продаж в интернете. Amazon Handmade дает возможность художникам продавать свои работы, однако необходимо подать заявку на участие в конкурсе и пройти отбор жюри.
3) Patreon — https://www.patreon.com/ — проект, позволяющий творческим людям найти финансовую поддержку. Поклонники определяют сумму, которую они хотят заплатить (единовременно или на регулярной основе), а художник предлагает «награды» за пожертвования. Создайте и запустите свою страницу, а затем рекламируйте ее доступными вам способами, чтобы привлечь покровителей.
4) FineArtAmerica — https://fineartamerica.com/ — платформа позволяет создать профиль художника, публиковать и продавать творческие работы. Один из основных сервисов — печать принтов, поздравительных открыток, футляров для сотовых телефонов, подушек и т. д.
5) Ebay — https://www.ebay.com/ — весьма популярная платформа для продажи всего на свете. Не самый востребованный ресурс в среде профессиональных художников, однако может оказаться весьма привлекательным для начинающих творческих личностей. Все просто — загружайте работу и продавайте.
6) Etsy — https://www.etsy.com/ — весьма известный портал, где художники могут открыть свой онлайн-магазин и продавать свои работы. Etsy предлагает онлайн-сообщества для вашей поддержки и помощь в продажах.
7) SaatchiArt — https://www.saatchiart.com/ — популярный в среде профессиональных художников сервис для продажи оригинальных работ и принтов. Загружайте и продавайте, получая 65% прибыли с продаж. На сайте присутствуют опции печати и доставки, однако художник оплачивает стоимость упаковочных материалов.
8) Portraity — http://www.portraity.com/ — вы художник-портретист или фотограф? Проект предназначен для тех, кто создает портреты на заказ. Художники загружают свое портфолио на сайт, а кнопка «контакт» позволяет потенциальным клиентам связаться с вами.
9) AbstractArtGallery — http://www.abstractart.gallery/ — сайт, посвященный абстрактному искусству. Сервис предоставляет возможность создать страницу профиля/портфолио и общаться с коллекционерами по всему миру. Художники получают 80% прибыли с продаж.
10) ArtBoost — https://artboost.com/ — cайт продает оригинальные работы художников во всем мире, позволяет установить личный контакт между художником и покупателем. Продажи осуществляются через Paypal, при этом ArtBoost берет 15% от стоимости продажи, включая НДС.
11) Artebooking — https://www.artebooking.com/ — бесплатная профессиональная глобальная художественная сеть. Художники могут создать здесь собственную галерею, продавать оригинальные работы, распечатывать работы для продаж (без комиссии или сборов). Сервис предлагает интересный рекламный пакет за 27 Евро в месяц.
12) Artenet — https://en.artenet.es/ — бесплатный сервис для продажи оригинальных творческих работ. Создайте профиль, загрузите свои материалы. Потенциальные клиенты свяжутся с вами через форму на сайте. Сервис не поддерживает транзакции.
13) FoundMyself — https://www.foundmyself.com/ — бесплатная загрузка изображений, отсутствие комиссии с продаж (художник получает 100% ), которые осуществляются посредством контакта покупателя непосредственно с художником. Система добровольных пожертвований в пользу проекта.
14) OffTheEasel — http://www.offtheeasel.net/ — бесплатный рекламный сервис для продвижения вашего портфолио в социальных сетях. Добровольные пожертвования в пользу проекта.
15) ArtFido — http://www.artfido.com/ — глобальная сеть по арт-продажам художниками и галереями. Бесплатная загрузка изображений, комиссия с продаж — 10%.
16) Tattoodo — https://www.tattoodo.com/ — хотите создавать дизайн для татуировок? Проект позволяет клиентам запрашивать индивидуальные татуировки, а художники на конкурсной основе предоставляют свои интерпретации. Победители получают от $100 до $300 за работу в зависимости от параметров конкурса. Участие бесплатное.
17) Touchtalent — http://www.touchtalent.com/ — cоциальная сеть и галерея по продажам художественных работ или участию в аукционах и выставках. Обязательно членство в интерактивном сообществе ($60 в год).
18) ArtHit — https://arthit.com/ — сервис по продажам картин и доставке их по всему миру. Создайте персональную страницу и загрузите свои творческие работы. Комиссия — 15% плюс стоимость доставки.
19) Artistize — https://www.artistize.com/ — проект позволяет установить контакт творческих людей (в том числе художников) по всему миру с ценителями искусства, ищущими таланты. Абсолютно бесплатное использование: регистрация, создание портфолио и различные дополнительные возможности.
20) Artists&Clients — https://www.artistsnclients.com/ — загрузите свои работы, опишите тип выполняемой работы и установите цены. Когда поступают заказы, вы договариваетесь с клиентом о финальной стоимости и получаете 85% от продажи.

21) LiveLoveArt — https://www.live-love-art.com/
22) RiotArt — http://www.riotart.co/
23) Pinterest — https://www.pinterest.com/
24) ArtistSites — http://artistsites.org/
25) ArtistsToWatch — https://www.artiststowatch.com/
26) MyBestCanvas — http://www.mybestcanvas.com/
27) RedBubble — https://www.redbubble.com/
28) NewBloodArt — https://newbloodart.com/
29) GalleryToday — https://www.gallerytoday.com/
30) MobilePrints — http://mobileprints.com/
31) ColourInYourLife — http://www.colourinyourlife.com.au/
32) CommishArtify — http://commishartify.com/
33) Orangenious — https://orangenius.com/
34) Society6 — https://society6.com/
35) HarnGallery — http://www.harngallery.com/
36) EBSQArt — https://www.ebsqart.com/
37) Ugallery — https://www.ugallery.com/
38) Vango — https://www.vangoart.co/
39) FotoMoto — http://www.fotomoto.com/
40) Artmajeur — https://www.artmajeur.com/ru/
41) Artpal — https://www.artpal.com/
42) CreativeMarket — https://creativemarket.com/
43) ArtQuid — http://www.artquid.com/
44) Pixels — https://pixels.com/
45) PropheticsGallery — https://www.propheticsgallery.com/
46) ShairArt — https://shairart.com/
47) HireAnIllustrator — https://www.hireanillustrator.com/i/
48) HandmadeArtists — https://handmadeartists.com/
49) GreenBoxArt — https://www.greenboxart.com/
50) Cargoh — http://www.cargoh.com/

Надеемся, что информация выше была вам полезной и нужной. Поделитесь ссылкой с друзьями.

50 сайтов для художников Читать дальше »

Жизнь цветов: Стили и правила составления икебаны

Икебана — искусство расстановки (аранжировки) срезанных цветов в вазах. Икебана в переводе на русский язык означает «Жизнь цветов» (Ике — «жизнь», Бана — «цветы»).

Несмотря на то, что настоящий культ оживления цветов пришел в мир из Японии, родилось искусство «Икебана» в Индии. Изначально икебана являла собой не только составление букетов, но и органичность единения человека с живой природой. Каждая композиция отражала духовный мир составившего ее человека, его мировоззрение и чувства. Пройдя путь через Китай и Корею в Японию, икебана из ритуального подношения цветов Будде превратилась в особенно ценный вид искусства и стала неотъемлемой частью духовной жизни японского народа, одной из его наиболее красивых национальных традиций.

Икебана тесно связана с живой природой, в ней отразился один из основных буддийских постулатов об эфемерности и недолговечности высоко ценимой красоты мира, краткости и бренности человеческой жизни. В мире нет ничего определенного и постоянного. Икебана стала одной из наиболее подходящих художественных форм, отражающих эти естественные процессы. В цветах, которые изменяются и в конце концов опадают, видится постоянство только самой природы.

Подобно средневековому тексту, икебана может быть «прочитана» и на самом глубинном философско-религиозном уровне, предстать как образ идеального мира и быть воспринята как соединение нескольких символов, содержащих нравственный урок; она может быть и нежным любовным или дружеским посланием и вызывать восхищение своей красотой.

Из истории икебаны:

Изначально икебана базировалась на философских и эстетических постулатах синтоизма, а затем и буддизма. Согласно синтоизму, каждый природный предмет, тело, явление содержит в себе божественный дух и потому требует к себе уважительного отношения, как к живому существу. Японцы любят отождествлять себя с природой, стремясь жить с ней без каких-либо барьеров и поддерживая сбалансированное сосуществование. Ее истоки связывают с древним обычаем преподношения цветов умершим предкам. В буддийских храмах развился ритуал постановки цветов к статуям Будды. При этом совершенная форма вазы и пышное, помпезное великолепие самого букета, который создавался по определенным, строго канонизированным правилам, воплощали торжество и величие буддизма. Но по мере развития мировой и национальной культуры философско-религиозный смысл икебаны постепенно утрачивался. Становление икебаны в Японии как искусства датируется XV веком, ею тогда занимались главным образом священнослужители храмов и монастырей. Но постепенно она становится популярна и в высших слоях общества, а затем широко входит в повседневный быт народа и чаще воспринимается как предмет подлинного искусства.

В основе этого искусства в Японии лежит не идея продления прежней жизни растения, а идея создания «второй реальности», особого микромира, на новом уровне воссоздающего природу. Обучение икебане японский мастер обычно начинает рассказом о двух эпизодах из истории этого искусства. Прославленный мастер чайной церемонии Сэнно Рикю (16 век) создал оригинальную композицию, поместив цветы в сосуд, сделанный из колена бамбука. При изготовлении этой вазы бамбук слегка треснул, поэтому из трещины в вазе медленно капала вода. В ответ на недоуменные вопросы учеников, ошеломленных необычайной красотой икебаны и не знающих, можно ли признать композицию совершенной, поскольку сосуд в ней надтреснут, Сэнно Рикю ответил: «И моя жизнь тоже дала трещину». Эта ваза впоследствии стала одним из национальных сокровищ Японии. Другая история также связана с именем этого знаменитого мастера. Его сад, славившийся прекрасными цветами повилики, захотел увидеть тогдашний правитель Японии — сегун Тоетоми Хидэеси. Ранним утром он прибыл в этот сад, и велико же было его изумление, когда он увидел, что все цветы срезаны и лишь из одного сделана икебана в его честь. Сэнно Рикю пояснил гостю свое странное поведение: «Множество цветов рассеяло бы ваше внимание, а этот один, самый прекрасный, призван воплотить красоту всего сада”.

Растительный материал — собственно аранжировка ветвей, цветов и трав — конструируется в икебане по строгим нормам, стилистическое своеобразие икебаны выражено наиболее ярко тем или иным соотношением основных конструктивных элементов — «ветвей». Обычно их три, но бывает и от двух до девяти. Особенности стиля икебаны находят воплощение и в характере геометрической фигуры, которую она образует, и в организации пространства, в абрисе пустот между основными конструктивными элементами.

Правила составления икебаны:

Тем не менее, существует три золотых правила составления букета, которым следуют как японские, так и европейские мастера:

  1. Все элементы в икебане устанавливаются ассиметрично и являют собой некое подобие треугольника, причем элементы не должны находиться в одной плоскости.
  2. Пропорции трех основных элементов букета предопределяются размерами сосуда — его диаметром и высотой.
  3. При составлении букета желательно, чтобы сосуд сочетался с используемым материалом. Кроме того, сосуд должен быть однотонным.

Стили икебаны:

Структуру икебаны определяют ее стиль, школа и форма композиции:

РИККИ. История искусства икебаны открывается созданием великолепного торжественного стиля, который получил название Рикки (дословно — «поставленные цветы»), что означает «стоящие цветы», высоко возвышались над своими узорчатыми бронзовыми сосудами, которые наряду с остальным украшением храмов привозили из Китая. Кончики ветвей, а также цветы, были устремлены в небо, символизируя веру. Постепенно становясь более гибкими и распространяясь в ширину вместо высоты, сложные рикки продолжали быть господствующей формой аранжировки в храмах и дворцах до создания правительства Камакура в конце XII в. Составители рикки исходили из положения, что цветы должны каким-то образом олицетворять священную гору буддистов Сумисен, символ вселенной. Аранжировку рикка часто называли «маленьким садом внутри дома», потому что художник в своей композиции создавал миниатюрный ландшафт.

СЕКА (СЕЙКА). Этот новый и более простой стиль икебаны появился в XV в. наряду с архитектурными упрощениями. Строящиеся в этот период и большие строения, и маленькие домики отражали любовь к простоте. В домах сооружалась «токо-нома» — встроенный и стену альков, предназначенный для поклонения и содержащий произведения искусства (картины, свитки с иероглифами), а также икебану. Правила аранжировки в это время были упрощены, чтобы люди всех классов общества могли наслаждаться цветочной композицией своего собственного изготовления. Основу композиции в стиле сека составляют три главные ветки, дополненные более короткими веточками и цветами, размещенные в ряду друг за другом, но создающие эффект выходящих из единого ствола и не соприкасающихся со стенками вазы. Ассортимент секи ограничивается одним-двумя видами растений и редко достигает трех. Сека в переводе означает примерно то же, что и слово икебана, а именно: аранжированные цветы, живые цветы или умение выставить цветы в выгодном свете.

НАГЕИРЭ. Этот стиль появился в XVI в. в связи с созданием чайных домиков, где мастера чайной церемонии придавали менее формальный вид своим композициям из цветов. Благодаря этому появилась натуралистическая аранжировка, известная под названием «нагеирэ», что означает «вброшенные цветы». Также, как и композиция в стиле сека, она составляется из трех компонентов, образующих разносторонний треугольник. В отличие от секи, где формальная группа плотно прижата к кензану и ни одна часть аранжировки не касается стенок вазы, этот стиль позволяет применить более свободную аранжировку, при которой цветы могут лежать на ободке горла вазы. В нагеирэ применяют высокие вазы, в которых ветки и цветы закрепляют без каких-либо особых приспособлений, хотя существует несколько способов их фиксирования в вазах.

МОРИБАНА. Композиции в низких и плоских вазах, характеризующих стиль морибана, существуют около 80 лет. В стиле морибана (в переводе «нагроможденные цветы») в равной степени сочетаются формальный стиль рикка и натуралистический стиль нагеирэ, а также присутствует и дополнительный третий элемент — создание какого-то пейзажа или картины природы с тем, чтобы аранжировка производила впечатление ландшафта. Зелень и цветы используются более обильно, чем в аранжировках первых двух стилей. Морибана — это естественная форма выражения, направленная на воспроизведение в миниатюре пейзажа или части сада. Хотя в аранжировках морибана очевиден философский символ Небо — Человек — Земля, в них нет той традиционной сжатости и тех формальных сосудов, которые присущи аранжировкам классического стиля. Для составления икебаны в стиле морибана также используется кензан, представляя собой металлическую подставку с тяжелой основой и иголками, между которыми крепят цветы и ветки. Появление морибаны связывают с необходимостью украшения чуждых условности европейских домов, появившихся в Японии во второй половине XIX в., когда страна установила связи с западными странами. Эту задачу не смогли выполнить ни неподвижная формальная аранжировка стиля рикка, используемая чаще во время торжественных церемоний, ни натуралистическая нагеирэ, применяемая для украшения традиционного японского дома.

Многообразию форм, которые составляют композицию икебаны, не уступает ее цветовое богатство, которое имеет столь же глубокий символический смысл, как и геометрические фигуры и линии.

Символика цветов и деревьев, их сочетаний в икебане образует сложный язык. Так, сосна и роза — это вечная молодость и долголетие, сосна и родея (омото) — молодость и вечность, сосна и пион — молодость и процветание, пион и бамбук — процветание и мир, цветы капусты (хаботан), хризантема, орхидея — радость.

Бамбук является символом долголетия, так как он вечнозеленый, и конфуцианского принципа сыновней почтительности, так как, согласно легенде, молодые побеги бамбука появились внезапно в ответ на мольбы и слезы почтительного сына, который хотел исполнить желание старой матери: ей очень хотелось похлебки из побегов молодого бамбука. Бамбук олицетворяет также мужскую волю и несгибаемость, утверждаемые этикой дзэн-буддизма: он полый внутри — этой пустоте уподоблено очищенное от эгоистичных стремлений сердце самурая, бамбук не ломается и очень прочен.

Веточки бамбука, сосны и сливы часто группируют вместе, и они олицетворяют долголетие, так как все эти растения остаются зелеными и в холодную пору.

Символом Японии являются цветы хризантемы. Естественно, что эти цветы — частый мотив икебаны: искусство составления композиций из хризантем продумано японскими мастерами с особой тщательностью. Философско-поэтические ассоциации, связанные с этим цветком, особенно многоплановы и глубоки. Хризантемы уподобляют одиноким вершинам с их чувством собственного достоинства и покоем, они словно благородные люди с их чувством долга. Такие растения уникальны — они возвышаются над пошлостью и воплощают сущность осени.

Ветка абрикосового дерева также нередко используется в икебане, это растение выступает как символ красоты и изящества женщины: глаза японок часто сравнивают с яйцевидными зернышками абрикоса. Цветущая ветка яблони выражает пожелание мира в семье, который воцаряется благодаря добродетели жены и матери, икебана в виде натюрморта из нескольких яблок знаменует вечное согласие. Жасмин олицетворяет сладостность наслаждения жизнью, ее полноту и терпкий аромат. Это растение используется в чайной церемонии. Белизна его цветов, совершенство каждого лепестка, сильный запах очерчивают своеобразие жасмина как знака подлинного бытия и стремления насладиться им, обрести это бытие.

В Японии это искусство продолжает оставаться объектом серьезного познания, длительного и трудоемкого обучения, освоения священного ритуального действа, поскольку для многих икебана остается не только элементом национальной культурной традиции, но и совершенной моделью мироздания. Три начала, определяют структуру икэбаны: Небо, т.е. природа, Земля, условно говоря, земные дела, и Человек, как связующее звено между этими первоначалами мира. Небо, Земля и Человек составляют традиционную основу любой композиции икебана.

Икебана — удивительный способ выражения мыслей и всевозможных символов; на языке икебана можно выразить настроение, чувства и образы. Так, например, икебана может олицетворять собой развитие во времени. Материал композиций может подсказать время года. Весна — это ветки кустарников с полураспустившимися бутонами, а также — цветы, характерные для этого периода (мимоза и нарцисс — март, тюльпан и сакура — апрель, пионы — май). Лето — царство распустившихся лепестков роз, букетов из ирисов и подсолнухов. Осень — тонкие ветки кустарников с плодами. Зима — ветви деревьев, розы и фрезия. Весне характерен нежно-зеленый цвет, лету — красный, осени и зиме — белый.

Определенные правила есть и для составления букетов к каждому празднику. Букеты к Новому году составляют из листьев бамбук и веток сосны. На свадьбу предпочтительнее наполнить букет цветами сливы и ветками абрикосового дерева. Более других японцы почитают четыре «благородных» растения — хризантему, орхидею, побеги молодого бамбука и дикую сливу. Два первых являются олицетворением радости, бамбук являет собой отображение мужской воли и несгибаемости. Хризантема же является официальным символом Японии.

В японской культуре икебана нередко выступает как посредник в общении между людьми. Икебану дарят родным или друзьям как знак добрых пожеланий. Гостя приглашают полюбоваться икебаной, созданной для того, чтобы почтить его или выразить радость по поводу его прибытия. Икебану готовят, чтобы отметить особые совместные празднества или просто использовать ее как объект для дружеской беседы. Правила пристойности в японском обществе не дозволяют смотреть собеседнику прямо в глаза, что может быть сочтено как непочтительность, назойливое любопытство и т.п. Лучшим способом установления контакта и является икебана, которая может положить начало интересной беседе, дружескому общению. В японских интерьерах икебану можно увидеть не только на алтаре перед изображением божества, но и на полочках, где она помещается рядом с какими-нибудь художественными изделиями, статуэткой из нефрита, лаковой шкатулкой с инкрустацией, или в традиционных нишах токонома, перед свитком с изображением пейзажа или каллиграфической надписью.

Несмотря на то, что освоить искусство «Живых цветов» довольно сложно, это очень увлекательно, ведь икебана — не только самовыражение человека, но и глубокая духовная пища, как бы частичка особой красоты, вспыхивающая в том, кто окунается в этот мир удивительного и прекрасного!

Жизнь цветов: Стили и правила составления икебаны Читать дальше »

Шаржи и карикатура: Происхождение, история и основы

Как и другие модные термины в изобразительном искусстве корни слова «шарж» ведут во Францию. По французски «сharge» означает преувеличивать. Именно от слова «charge» (юмористический портрет) происходит современное понятие изображения человека с элементами сатиры. В 19 веке распространились картины и рисунки, в которых люди почему-то изображались с неестественно большими размерами головы. Несмотря на эту деталь (а скорее даже благодаря ей) жанр стал набирать обороты популярности. Шаржи были отчасти привилегией для  политических деятелей и знаменитых артистов. Вскоре стало понятно, что для создания шаржа базовых навыков живописи недостаточно. Художник должен быть хорошим психологом, иметь «цепкое» зрение и богатый жизненный опыт. Вследствие этого, хорошие шаржисты стали дефицитом. Так что те, кто думает будто всё очень просто, ошибаются — нарушение стандартных пропорций тела не является гарантией успешного шаржа. Как ни крути, но и здесь тоже необходима гармония. Более того — великий Моор (русский художник, мастер графики, основоположник советского политического плаката) утверждал, что для работы над подобными изображениями нужна композиция.

 

Со временем шаржи стали появляться в самых популярных изданиях массовой информации. Они стали обязательными, сродни литературным пародиям и гороскопам. Ещё позже стало модным рисовать шаржи во время проведения различных праздников, дабы развеселить гостей. Часто бывало и так, что тот или иной гость, увидев результат работы художника, называл это мазнёй и жалким подобием на себя. Доходило и до оскорблений автора вплоть до изгнания с приёма. Правда, это случалось в основном по одной причине — отсутствие чувства юмора. Особенно тяжело приходилось авторам политических шаржей в советское время. Могли сразу упечь в тюрьму, или сначала посмеяться, а потом упечь. Есть и обратная сторона медали: некоторые художники в ответ на просьбу сделать шарж говорят сквозь зубы, что, мол, это низкопробное искусство и они не станут тратить на него время. Тут уже труднее определить, в чём дело — то ли в мании величия, то ли просто в отсутствии опыта. Вместе с этим шаржи, связанные с политикой, могли стать своеобразным рупором народной мысли. собирательный, но каков эффект!

Многие мастера искусства на протяжении всей своей жизни говорили, что шаржу нужно учиться отдельно и усердно. Клод Моне, рисовал дружеские шаржи на своих друзей. Они выглядят смешно и по-доброму. Нужно быть гениальным, чтобы точно передать хитрость, наивность, глупость или жадность в иронической форме. В результате сам персонаж может стать ближе и понятнее простым людям. В людных местах центра города часто можно встретить на своём пути сидящего на улице художника, готового изобразить Вас или Вашего друга в шуточной форме. Баснословных денег это не стоит, а памятный рисунок останется навсегда и при случае будет поднимать настроение.

Карикатуры Клода Моне.

Материалы для написания шаржей могут быть самыми разными: от простого карандаша до более серьёзных, таких как пастель, акварель, цветные мелки и фломастеры.

Новое прочтение шаржа можно отметить в 1924 году, когда один из участников петербургского творческого объединения «Мир искусства», художник Мстислав Добужинский составляет серию акварельных шаржей к «Весёлой азбуке» Натальи Павловой. Книга радует глаз своим оформлением: красочным, изящным, остроумным.

Полусумасшедший изобретатель — вполне в духе фантастики и детективов двадцатых…

Образцы профессионального шаржа оставили потомкам художники завсегдатаи кабаре «Бродячая собака» в Петербурге, а также создатели уникального альманаха «Чукоккала», который составлял Корней Чуковский с 1914 по 1969 год. Он содержит автографы и рисунки поэтов, писателей, музыкантов, художников и других выдающихся людей ХХ веком. «Чукоккала» полна юмора: здесь можно увидеть шуточные экспромты, шаржи, пародии, эпиграммы  реплики из шутливой перепалки её авторов. Но есть в ней и горькие, пессимистичные или резкие, язвительные высказывания «о наболевшем». Само собой, цензорам они должны были показаться крамольными, да и сам факт присутствия на страницах альманаха, запрещённых, авторов делал её публикацию совершенно невозможной. Поэтому «Чукоккала» долгое время не покидала дом своего владельца.

Близкий к шаржу жанр  это портрет-гротеск.  Разница весьма условная.  Вероятно, шарж, это гротескный портрет с юмором.

Отличие шаржа от карикатуры. Шарж часто путают с карикатурой. В западноевропейских языках, что шарж что карикатура, всё одно слово caricature. По русски, однако, имеются смысловые оттенки. Шарж в нашем понимании это беззлобный, добродушный рисунок. Если карикатура это сарказм, то шарж это юмор. Не зря говорят «дружеский шарж», но «политическая карикатура».

Карикатура. Джеймс Гилрей. Наполеон и Питт делят мир. 1805
В карикатуре автор сознательно искажает черты лица и фигуры, манеру поведения персонажей для их осмеивания. Комический эффект также достигается с помощью методов художественного преувеличения и неожиданного сопоставления общеизвестных фактов. Название термина «карикатура» происходит от итальянского слова «caricare» (загружать, преувеличивать).
Карикатура — это жанр искусства с ярко выраженной социально-критической направленностью. Она нередко становится действенным инструментом в борьбе с пороками общества, негативными явлениями в социальной, политической и бытовой сферах жизни людей. Легкомысленные карикатурные образы позволяют в доступной форме донести массовому зрителю основную идею сатирического произведения.
История карикатуры берет свое начало в глубокой древности. Еще в античной Греции большой популярностью пользовались изображения на амфорах, изобличающие всевозможные человеческие пороки (алчность, гордыню, прелюбодеяние, похоть).
Карикатура. Леонардо да Винчи. Гротескные головы. 1490
В картинах Питера Брейгеля Старшего (Pieter Bruegel de Oude) и Иеронима Босха (Hiëronymus Bosch) часто встречаются сатирические сюжеты и образы. Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) создавал зарисовки с гротескными изображениями людей, а Джузеппе Арчимбольдо (Giuseppe Arcimboldo) — свои знаменитые «курьёзные» картины.
Карикатура обычно представляет собой сатирический рисунок на злободневную тематику. Произведения этого жанра классифицируют по следующим критериям:
  • по цветовому решению (монохромная или цветная);
  • по степени критического воздействия (оскорбительная или дружелюбная);
  • по тематике (политическая, социальная, бытовая, научная, религиозная, рекламная);
  • по технике исполнения (графика, живопись, коллаж, плакат, инсталляция);
  • по области применения (для печатных СМИ, в качестве книжных иллюстраций, в календарях, буклетах).
Первый профессиональный карикатурист — Пьер-Леоне Гецци (Pier Leone Ghezzi) жил и работал в Италии в конце XVII — начале XVIII века. В его творческом наследии имеются изящные картины, фрески и росписи по эмали в стиле рококо, но огромную популярность выдающийся график приобрел благодаря своим многочисленным сатирическим изображениям современников.

Полноценное зарождение жанра карикатуры состоялось лишь в XVI веке в Германии, во время Крестьянской войны и периода Реформации. Неизвестные народные авторы изображали на печатных листках сатирические образы представителей власти и католической церкви. Чуть позже молодой жанр появился в ходе буржуазных революций в других странах Европы (Голландии, Англии и Франции).

Карикатура. Уильям Хогарт. Агитация. 1755
В середине XVIII века жанр карикатуры получил широкое распространение в других странах Европы и Северной Америке. Выдающийся мастер Уильям Хогарт (William Hogarth) первым в Англии начал создавать карикатурные гравюры. Его художественный почин продолжили другие представители жанра — Джеймс Гилрей (James Gillray) и Томас Роулендсон (Thomas Rowlandson). Карикатуристы той эпохи смело критиковали аристократов и даже королевских особ, а властители весьма снисходительно относились к их творчеству.
Карикатура. Джордж Крукшанк. «Примерка сапог Наполеона королем Франции Людовиком XVIII», 1823
В XIX веке искусство карикатуры пережило подлинный расцвет. Этому способствовало несколько факторов:
  • появление новых техник гравюры и живописи;
  • бурный рост печатного производства;
  • стремительная политизация общества;
  • многочисленные революционные события в странах Европы.
Карикатура. Оноре Домье. Гаргантюа. 1831
Величайшим карикатуристом XIX века по признанию большинства историков был Оноре Домье (Honoré Daumier). Именно французский мастер изобразительной сатиры сделал карикатуру полноценным жанром искусства. Его карандашные рисунки и литографии приводили в бешенство короля Франции Луи-Филиппа. Полные злобных насмешек сатирические образы были легко узнаваемыми и точно попадали в цель. За одну из своих работ Домье даже угодил на полгода в тюрьму.
В ХХ веке интерес к карикатуре только усилился. С развитием демократии художники этого жанра стали более защищенными от нападок властей, а спрос на изобличительные сатирические рисунки значительно возрос. По достоинству оценили силу карикатуры и правители тоталитарных режимов. В гитлеровской Германии и сталинском Советском Союзе сатирические образы умело использовались для пропаганды господствующей идеологии и расправы над инакомыслием.

 

Карикатура. Алекс Гард. Идеальный американский образец военного призывника. 1943
Карикатура. Кукрыниксы. Потеряла я колечко. 1944
Карикатура. Борис Ефимов. Нет — звездным войнам. 1986
Даже в начале XXI века карикатура не утратила своей социальной остроты. Этот жанр продолжает выполнять свою главную функцию — критикует пороки нашего общества. К сожалению, профессиональная деятельность карикатуристов не всегда вызывает должную оценку. В январе 2015 года исламские фанатики учинили кровавую бойню в редакции французского журнала Charlie Hebdo, который опубликовал сатирические изображения пророка Мухаммеда. Жертвами террористов стали 17 человек: сотрудники печатного издания и полицейские.
С каждым веком человек становится всё нежнее и циничнее. Мы все реже задумываемся о природе, об окружающих и даже самых близких людях, зато всё чаще с экранов телевизора можно услышать о войне, катастрофах и трагедиях. В кого же мы превращаемся, раз нас интересует только это? Историю и наше будущее показывают карикатуры, а добрый смех над собой и поднимают настроение шаржи, которые в наши дни остаются чрезвычайно важными для общества жанром изобразительного искусства. Они нравятся зрителям разных возрастов, полов и социального положения, добросовестно выполняя свои функции.

Карикатуристы, художники-портретисты и шаржисты из года в год рисуя на улицах больших городов  несут искусство в массы. Если заказать портрет не всем по карману, то шарж Вам нарисуют за смешную цену, хотя шедевры и бесценны …

 

Шаржи и карикатура: Происхождение, история и основы Читать дальше »

Лучшие книги по анатомии человека и животных для художников

Анатомия всегда являлась самой больной темой каждого художника. На ее изучение уходят многие годы, в такой ситуации без помощников не обойтись. Поэтому я составила для вас свой ТОП-7 лучших книг по анатомии человека для художников.

 

1. Готтфрид Баммес «Образ человека»

Готтфрид Баммес «Образ человека»

Этот учебник и практическое руководство по пластической анатомии для художников по праву считается одним из самых популярных в мире. Мастерство преподавателя и его безупречные знания пластической анатомии соединились в эту книгу. В этом учебном пособии Баммес использует схематичные рисунки, разделенные на простые геометрические формы, что позволяет понять плоскости той или иной части тела.

2. Николай Ли «Основы учебного академического рисунка»

Николай Ли «Основы учебного академического рисунка»

Как вы могли понять из названия, в данном учебном пособии целый курс по учебному академическому рисунку. Это настольная книга многих художников, в которой также обширно расписан анатомический курс. Также это пособие поможет вам подготовиться к экзаменам в творческий университет.

3. Улдис Заринс и Сандис Кондратс «Анатомия для скульпторов»

Улдис Заринс и Сандис Кондратс «Анатомия для скульпторов»

Эта книга благодаря своему визуальному сопровождению поможет вам понять анатомию человека. Ею пользуются не только скульпторы, а также художники и иллюстраторы. Каждая мышца рассматривается не просто на нарисованных художником иллюстрации, а также на реальных фотографиях человека. Мышцы разделены на разные цвета, что помогает процессу запоминания и понимания.

4. Енё Барчаи «Для художников»

Енё Барчаи – профессор, много лет преподававший в Будапештской высшей школе изобразительного искусства. Книга «Анатомия для художников» — результат его многолетней педагогической деятельности.

Общеизвестно, что без знания анатомии невозможно верно передать особенности фигуры человека, характер его движений. Профессор Барчаи пользуется для показа человеческого тела методом художественного изображения. Его анатомические рисунки не только точное воспроизведение человеческий костей и мускульной системы, но и работы художественной ценности. Книга «Анатомия для художника» — хороший справочник для начинающего художника при изучении строения человеческого тела.

5. Рабинович М.Ц. «Пластическая анатомия человека, четвероногих животных и птиц»

Рабинович М.Ц. «Пластическая анатомия человека, четвероногих животных и птиц»

Рабинович занимает особое место. именно по его пособиям изучают пластическую анатомию в университете. Особенность этой книги в том, что автор имеет не только художественное образование, но и высшее медицинское, поэтому информация в ней имеет большую практическую ценность для художников и студентов. Эту книгу стоит не только смотреть, но и очень внимательно читать, так как именно в тексте описаны все нюансы той или иной мышцы и кости, что невозможно изобразить в картинке. Есть несколько его пособий, но это является самым доступным для поиска в интернете.

6. Наум Механик «Основы пластической анатомии»

Наум Механик «Основы пластической анатомии»

Издание представляет собой руководство по пластической анатомии для высших художественных учебных заведений.
Преподаватели рисунка, живописи и скульптуры должны найти в таком руководстве достаточно полный по объему и научный по содержанию материал, пользуясь которым, они сумеют помочь учащимся глубоко изучить пластическую форму человека.

7. Готтфрид Баммес «Анатомия животных»

Готтфрид Баммес «Анатомия животных»

На многие вопросы по анатомии человека и животных вы найдете ответы в нашей подборке книг и пособий. Эти книги рекомендуются студентам и преподавателям педагогических вузов и колледжей, руководителям изостудий и художественных кружков, самодеятельным художникам.

Лучшие книги по анатомии человека и животных для художников Читать дальше »

10 самых знаменитых пейзажей русских художников

Картины знаменитых русских художников о природе раскрывают многоликую красоту огромной России. Мы видим на них прозрачные берёзовые рощи и суровую тайгу, сдержанную поэзию северных земель и сочные краски южных краёв, разливы рек и буйство морей, таинственную глубину омутов и затерянные лесные тропинки. Зимние снега, весенняя оттепель, солнечный летний жар, осенняя печаль — всё это есть в работах мастеров-пейзажистов.

Специально для Вас мы подобрали 10 самых знаменитых пейзажей русских художников.

 

1. Алексей Саврасов «Грачи прилетели», 1871

Новаторский стиль автора, взгляд на русскую природу стали значимой вехой в истории живописи, его проникновенный художественный голос не стих. Интерес к личности и творчеству Саврасова по-прежнему велик: о нем снимают фильмы, пишут критические статьи, делают выставки, обобщающие богатое наследие художника в глазах потомков.

Грачи прилетели. Холст, масло. 62х48. 1871.

Саврасова по праву можно считать основоположником русского пейзажа. Более подробнее о Алексее Саврасове можно прочитать тут >>>

 

2. Иван Шишкин «Утро в сосновом лесу», 1889

Шишкинские тёмные леса, яркие рощи и поляны, белые цветы и люди вдалеке, каменные глыбы и просёлочные дороги — каждая из этих деталей удобно сливаются, выходя из-под кисти автора, заставляя пейзаж навсегда остаться в памяти человека, и завлекая его своей матовой шероховатостью холста.

Утро в сосновом лесу. И. Шишкин. 1889

Смело можно сказать, что Иван Шишкин — царь леса и деревьев. Более подробнее о Иване Шишкине можно прочитать тут >>>

 

3. Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре», 1880

В поиске новых эффектных цветовых решений Куинджи экспериментировал с красками, различными пигментами, изучал влияние света на материалы. Его эксперименты, вызывавшие большой интерес коллег, впрочем, не были поддержаны другими художниками, которые опасались (и справедливо) недолговечности новых комбинаций красок.

Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре», 1880

О Архипе Куинджи и его магических картинах можно узнать тут >>>

 

4. Иван Айвазовский «Девятый вал», 1850

Смотрите и восхищайтесь — «Царь моря» русский маринист Иван Айвазовский и его знаменитая картина «Девятый вал». Сила и мощь стихии завораживает.

Иван Айвазовский «Девятый вал», 1850

Насладиться морем: то тревожным сине-зеленым, то безмятежным, тихим, спящим, то бледно-голубым, порытым туманной дымкой можно тут >>>

 

5. Василий Поленов «Московский дворик», 1878

Многогранное творчество художника не исчерпывалось достижениями в области пейзажного жанра. Живописец и театральный художник, архитектор и музыкант, он раскрыл свое дарование в каждом из жанров и видов искусства, во многих отношениях выступил как новатор.

Василий Паленов — Московский дворик (1878)

О творчестве и таланте Василия Поленова можно узнать тут >>>

 

6. Исаак Левитан «Вечерний звон», 1892

Женщины, влюблявшиеся в художника (а таковых были десятки), теряли сон и покой. Внешняя Левитанова привлекательность в среде его знакомых стала притчей во языцах, друг художника Антон Чехов иронизировал в письмах: «Я приеду к вам, красивый, как Левитан».

Исаак Левитан. «Вечерний звон», 1892

О мастере «пейзажного настроения» и медитативных полотен в русском искусстве Исааке Левитане можно узнать тут >>>

 

7. Исаак Левитан «Золотая осень», 1895

Картина написана почти в импрессионистической манере, и, судя по всему, Левитан не подсмотрел её у французов, а пришёл к ней сам.

Исаак Левитан «Золотая осень», 1895

О трагической судьбе и мастере пейзажей Исааке Левитане можно узнать тут >>>

 

8. Игорь Грабарь «Февральская лазурь», 1904

Картина «Февральская лазурь» написана довольно объёмными мазками, и играет настоящим живым искрящимся светом. Грусть и чистота света создает уютную атмосферу зимнего пейзажа.

Игорь Грабарь «Февральская лазурь», 1904

О «Прирожденном жизнерадостнике» (как сам себя охарактеризовал Игорь Грабарь в письме к А. Н. Бенуа), человеке огромной деловой энергии можно подробнее прочитать тут >>>

 

9. Иван Шишкин «Рожь», 1878

И снова «царь леса и деревьев» Иван Шишкин. Засеянное поле, просёлок, деревья — типичный пейзаж родных степных краях России. Шишкин написал эту картину неподалёку: в окрестностях Елабуги.

Иван Шишкин «Рожь», 1878

Более подробнее о Иване Шишкине можно прочитать тут >>>

 

10. Исаак Левитан «Над вечным покоем», 1894

Шедевр Левитана «Над вечным покоем» называют «самой русской картиной». Художник писал её под звуки траурного марша из «Героической симфонии» Бетховена. Один из друзей Левитана назвал эту картину «реквиемом самому себе».

Левитан И.И. Над вечным покоем. 1894

О трагической судьбе и мастере пейзажей Исааке Левитане можно узнать тут >>>

 

Картины русских художников о природе — драгоценный ларец в мировой сокровищнице живописи. Россия дала планете плеяду великих пейзажистов, запечатлевших в своих произведениях бескрайние просторы и укромные уголки Родины. Картины великих русских художников отображают природу через призму творческого взгляда, передавая чувства и настроение.

10 самых знаменитых пейзажей русских художников Читать дальше »

Основы рисования: 15 лучших учебников для художника

Если вы самостоятельно решили изучать курс рисования, то вам понадобятся профессиональные и понятные книги и учебники. Часто у нас не хватает времени подобрать необходимую литературу для самостоятельного обучения, а это главное —  нужно тщательно подготовиться, потому что вашим учителем будете вы сами.

В первую очередь необходимо понять, какими именно знаниями вы должны овладеть. Решающее значение в самостоятельном обучении имеют правильно подобранные книги.  В учебных заведениях для художников-живописцев преподают следующие дисциплины: рисунок, живопись, композиция, цветоведение, анатомия и перспектива.

Специально для вас мы подобрали 15 учебников для начинающих художников.

Рисунок

1. Владимир Шаров: Академическое обучение изобразительному искусству

Данная книга представляет собой учебное пособие по изобразительному искусству. Она адресована учащимся художественных училищ, а также любому, желающему постичь основы изобразительной грамоты.
В пособии изложены законы и понятия из комплекса теоретических знаний, важных для овладения изобразительной грамотой. Пособие включает в себя систематическое иллюстрированное изложение академического курса по рисунку, живописи, станковой композиции и пленэру на основе программ по этим дисциплинам, разработанных методическим кабинетом Московского государственного академического художественного училища памяти 1905 года для отделения «Живопись» художественных училищ и рекомендуемых Министерством культуры РФ.
3-е издание, обновленное и дополненное.

2. Основы учебного академического рисунка. Николай Ли

Автор подает весь курс академического рисунка, последовательно раскрывая все материалы учебной программы художественного училища. Шаг за шагом вы легко освоите рисование простых геометрических тел (куб, цилиндр, сфера, конус, пирамида), которые лежат в основе конструкций любых более сложных предметов таких как греческие вазы, капители, предметы мебели, дома, человеческое тело. Из этой книги вы узнаете основы линейной перспективы, метод конструктивного построения в рисунке, понятие о пропорциях предметов и их значение в рисунке, а также знания пластической анатомии  тела человека.

 

3.Рисунок. Наброски и зарисовки. В. К. Кузин

Выполнение набросков  и зарисовок играет важную роль в развитии выразительности рисунка, цельности видения, умения передать пропорции и основные черты позы. Данная книга ознакомит вас с художественными возможностями линии и пятна, а также с различными материалами, которыми можно выполнять наброски. Здесь полно примеров набросков выдающихся художников. Кроме того, вы узнаете роль набросков в создании композиции, и освоите техники и схемы построения набросков и зарисовок.

4. Игра света и тени для художников. Бёрн Хогарт

Из этой книги вы узнаете о всевозможных типах освещения и влияние света на материальность. Вы получите обширное представление о том, что такое светотеневой рисунок на плоскости, и какую роль играет свет в моделировке формы. У вас будет представление о том, какие есть категории света и тени, и как влияет свет на выразительность композиции. А также поймете, чем отличаются друг от друга плоский рассеянный свет, лунный свет, скульптурный свет, пространственный свет, фрагментарный свет, ослепляющий свет, выразительный свет. В целом, в этой пособии вы обнаружите сотни определений света и получите более глубокое представление о его функции в рисунке.

Живопись

5. Д.И.Киплик “Техника живописи”

Труд профессора Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина в Санкт-Петербурге Д.И. Киплика «Техника живописи» впервые был издан более века тому назад. Книга содержит подробный обзор красочных материалов живописи, сведения об акварели, темпере, пастели и рисунке, о масляной живописи, технике живописи старых мастеров, о монументальной живописи.
Книга представляет безусловный интерес для художников-практиков станковой живописи, монументально-декоративной живописи (стенописи), для студентов художественных вузов и учащихся средних учебных заведений, для художников-любителей и широкого круга читателей, интересующихся изобразительным искусством.

6. Техника акварельной живописи. П. П. Ревякин

Эта книга, выпущенная еще во времена СССР, является универсальным руководством по академической живописи. Она дает широкое представление о влиянии освещения на цвет и раскрывает такие основные  понятия в живописи как собственный и отраженный свет, цветовая температура, светотень, локальный  цвет предмета. Этот учебник познакомит вас с особенностями чувствительности нашего зрения к цвету и различными видами цветовых контрастов. Вы узнаете, какие материалы необходимы при работе с акварельными красками, а также особенности взаимодействия различных пигментов с бумагой. Здесь описана подробная методика работы  классического способа моделировки формы предметов при помощи акварельных красок, а также дается понятие о перспективе и планах в живописи. Значительная часть книги посвящена написанию архитектурных сооружений, поэтому ее полезно будет прочитать даже архитекторам.

 

7. Основы живописи. Могилевцев В. А.

Эта книга рассчитана на профессиональное обучение портретной живописи. Здесь изложены базовые знания об академической живописи маслом в жанре портрета. Также здесь есть описание перечня необходимых материалов, этапы рисунка кистью на холсте, схема проработки деталей (глаза, нос, губы). А  также здесь рассмотрены цветовые отношения и выразительные средства живописи. Книга разбита на 4 раздела: голова, портрет с руками, фигура, копирование. В каждом из разделов  автор подробно описывает все этапы работы от замысла, создания эскиза до детализации и обобщения готового портрета. Кроме этой книги у Могилевцева есть еще две отличные книги “Основы рисунка” и “Наброски и учебный рисунок”, которые также заслуживают внимания и могут служить альтернативой вышеуказанным учебникам по рисунку.

 

8. Полный курс масляной живописи. Хеннес Руиссинг

В данной книге вы найдете описание материалов для живописи маслом, рецепты грунта, методы создания подрамника, обтяжки его холстом и проклейки грунтом. Автор демонстрирует все этапы работы: от наброска до создания готового живописного полотна. Из этой книги вы узнаете как работать с мастихином, чем отличаются пастозные и лессировочные краски, что такое воздушная перспектива и колорит. Здесь есть простые примеры для наработки техники письма маслом в основных жанрах. Кроме того автор дает понятие о цветовых контрастах и способах применения их в живописи, а  также дает советы, как избежать многих ошибок при работе с красками начинающим художникам.

 

9. Курс акварельной живописи. Пейзаж за считанные минуты. Кейт Фенвик

Если вам больше по душе акварель, то эта книга позволит с легкостью освоить пейзажную живопись. Она содержит в себе множество иллюстрированных примеров. При помощи нее вы освоите технику написания деталей пейзажа, которые порой представляют сложность для начинающих – это вода, архитектурные детали, камни, одиночные деревья. Автор детально рассматривает способы написания различных атмосферных эффектов, архитектурных и горных пейзажей, учит различным приемам написания неба, леса, воды. Он раскрывает секреты своей палитры, демонстрирует возможности применения маскирующей жидкости, дает множество мелких практических советов.

Анатомия

10. Голдман, Фостер, Пауэлл: Анатомия для художников

Прирожденный ли вы художник с особым талантом, профессиональный живописец или начинающий любитель, только осваивающий основы рисования? И в том и в другом случае вы обретете под ногами твердую почву и перестанете быть простым копиистом, если овладеете знаниями по пластической анатомии. Любой художник знает, что без знания анатомии невозможно верно передать особенности фигуры человека, характер его движений, а также облик и повадки животных.
Авторы этой книги — известные художники создали ряд анатомических рисунков, набросков и схем, которые помогут вам понять основы анатомии, познакомят с важнейшими законами строения тела, которые позволят с легкостью изобразить костную и мускульные системы мужчины, женщины, ребенка и животного.
Овладев этими знаниями даже начинающий художник сможет добиться любой степени реализма.

 

11. Изображение человека. Готтфрид  Баммес

Безусловно, самый лучший автор, которого можно найти для изучения пластической анатомии художнику. Баммес не только профессионально излагает анатомию фигуры человека, но и дает представление об изображении фигуры на плоскости. Самая лучшая его книга «Анатомия для художников», к сожалению, не переведена на русский язык. Поэтому всем, кто не владеет немецким языком, рекомендую ознакомиться с этими двумя книгами на русском языке «Образ человека» и «Изображение человека. Основы рисунка с натуры», которые являются компиляцией оригинальной книги на русском языке. Первая книга является подробным курсом анатомии и дает полное представление о строении, пропорциях человеческого тела, изображении статичной и динамичной человеческой фигуры. Вторая книга посвящена больше именно процессу рисования фигуры на плоскости и позволит вам освоить различные способы моделирования формы человеческого тела.

Цветоведение

12. Паранюшкин, Хандова: Цветоведение для художников: Колористика

Практическое пособие для студентов высших и средних художественных учебных заведений, учащихся художественных школ и всех интересующихся основами живописи.
Рассматриваются вопросы образования и восприятия цвета, цветовые отношения в живописи, типы колорита, эстетико-психологические аспекты цвета, возможности цвета как средства композиции.

 

13. Искусство цвета. Иоханнес Иттен

Данная книга представляет собой обширный труд о теории цвета. Она познакомит вас с физической природой цвета, расскажет об основах цветовой гармонии и даст полное представление о системе цвета. Вы узнаете не только о цветовом конструировании, всех типах цветового контраста, цветовой гармонии и теории цветовой выразительности, которые являются базой во многих учебниках по цветоведению, но и расширите свое представление о цвете боле глубокими познаниями. Автор углубляется в изучение семантики цвета, субъективного восприятия цвета,  пространственного воздействия света на цвет. Кроме того, Иттен уделяет внимание теории цветовых впечатлений, что является особенно важным для художников-живописцев, которые интересуются реалистичной передачей объектов в световоздушной среде.

Композиция

14. Основы композиции. Голубева Ольга Леонидовна

В книге системно изложены теоретические основы композиции, а также впервые предложена методика практического обучения ее основам. Издание содержит более 100 иллюстраций. Книга будет полезна всем, кто занимается творческой деятельностью в области изобразительного искусства

 

15. Основы композиции. Н. М. Сокольникова

Несмотря на то, что этот учебник рассчитан на учащихся 5-8 классов, на мой взгляд, это полезная книга как для начинающего, так и для опытного художника. Здесь в простой форме изложены основы композиции и очень удачно подобраны примеры, которые доступно передают логику композиционного размещения объектов на плоскости. Книжка знакомит читателя с элементарными правилами и средствами композиции, значением диагоналей в передаче движения, силовыми линиями формата, средствами выделения сюжетно-композиционного центра, правило золотого сечения, симметрии и асимметрии. В общем, здесь вы найдете  все необходимое, что нужно учитывать при построении любой композиции, включая практические советы, которые легко усваиваются и применяются.

 

Вот с таким набором учебников, вы можете справиться с процессом обучения рисованию самостоятельно! Все эти книги можно легко скачать в интернете, но еще лучше будет приобрести их оригиналы для настольного чтения. Напоследок, еще один совет – старайтесь обращаться в первую очередь к методической литературе авторов-академиков и избегать поверхностных брошюр в мягкой обложке с броскими названиями, которые, как правило, не дают системных знаний.

Основы рисования: 15 лучших учебников для художника Читать дальше »

Сальвадор Дали: 10 заповедей для того, кто собирается стать художником

Сальвадор Дали в своей книге «50 секретов магии мастерства» пишет «10 заповедей для того, кто собирается стать художником»:

1. Художник предпочитает быть богатым, а не бедным; поэтому научись делать так, чтобы кисть твоя рождала золото и драгоцен­ные камни.

2. Не бойся совершенства — ты никогда его не достигнешь!

3. Сначала выучись рисовать и писать красками, как старые мастера, затем можешь делать что хочешь — все будут тебя уважать.

4. Не отказывайся от собственного видения, своей манеры и своих представлений: они тебе пригодятся, если ты станешь художником.

5. Если ты из тех, кто считает, будто современное искусство превзошло Вермеера и Рафаэля, отложи эту книгу в сторону и про­должай пребывать в блаженном идиотизме.

6. Не плюй на собственную живопись — ведь она сможет плюнуть на тебя, когда ты умрешь.

7. Шедевр и праздность несовместимы!

8. Живописец, пиши!

9. Живописец, не бери в рот алкоголя и не кури гашиш более пяти раз в жизни.

10. Если живопись тебя не любит, вся твоя любовь к ней ничего не даст.

Сальвадор Дали: 10 заповедей для того, кто собирается стать художником Читать дальше »

Использование картин художников в современном дизайне: принты и паттерны

В настоящее время очень часто используют репродукции картины художников в дизайне интерьера, декорировании одежды, посуды, бумажной продукции, зонтов и других аксессуаров. Это всегда вносит свою изюминку в дизайн изделия.
В интерьере репродукции картин художников часто используют как постеры, модульные картины, печати на диванных подушках, отдельные элементы декора, напольные вазы, коллажи.
Репродукций картин художников также часто используют в декоре одежды. Обычно это принты на футболках, свитшотах, толстовках, джинсовых курточках. Они украшают одежду и делают ее оригинальной.
На полках магазинов часто можно найти ежедневники, блокноты, обложки на проездные карточки, обложки на паспорта, открытки и другую канцелярскую продукцию с использованием картин художников. Они пользуются большим спросом у покупателей как идея для хорошего подарка.
Кроме того, репродукции картин художников можно встретить на зонтах, сумках, посуде и других аксессуарах и предметах быта.
При декорировании интерьера или предметов и аксессуаров репродукции картин художников часто используют целиком, либо их фрагменты.
В редких случаях в интересных дизайнах предметов быта или аксессуарах можно встретить картины художников в виде коллажа или в иной интересно подаче.
В настоящее время картины художников начали использовать для создания принта ткани. И ткани с изображением картин делают даже самое простое текстильное изделие оригинальным, единственным в своем роде.
При разработке принтов нужно знать, какие разновидности принтов бывают и что такое «паттерн», для чего он нужен.
Принт — это изображение, нанесенное определенным способом на ткань, бумагу или другую поверхность. Принты бывают разных видов (цветочный, анималистический, геометрический, этнический и абстрактный). Каждый отдельный вид принтов имеет свои особенности и область применения.
Принты печатают на различных по составу тканях: хлопок, лен, вискоза, шелк и другие. Наиболее красочными принты выглядят на шелковых и атласных тканях благодаря их поверхности. Из этих тканей обычно изготавливают платья, блузки и другую легкую одежду. Из шелковых и атласных тканей также получаются красивые шейные платки. Шейные платки могут стать хорошей основой для принта с картинами художников. Такой платок может стать оригинальным завершающим штрихом в женском образе.
Паттерн (от англ. pattern — шаблон) в дизайне выглядит, как набор повторяющихся в определенном порядке элементов, которые вместе составляют уникальный узор. Паттерны придают оригинальность и разнообразие, добавляют «изюминку» и помогают повысить узнаваемость бренда. Они имеют обширную сферу применения, в которую входят веб-дизайн, фирменный стиль компаний, дизайн интерьера или одежды, полиграфия, упаковка, национальные орнаменты народов мира.
Паттерн является идеальным фоновым объектом, его часто размещают на любом пустом пространстве, как на веб-страницах, полиграфии или упаковке, так и в дизайне интерьеров или при оформлении наружных баннеров, билбордов и т. д. В сфере дизайна и разработки принтов для ткани, паттерн — это один повторяющийся элемента.
В качестве основы принта, паттерном могу служить различные образы, геометрические фигуры, простые и сложные геометрические узоры и т. п.
Репродукции картин художников могут стать основной для принта, и в последствии создать интересный современный продукт. Сделайте свой мир красочным и индивидуальным!

Использование картин художников в современном дизайне: принты и паттерны Читать дальше »

Какие картины продаются лучше всего?

Почти каждый художник мечтает, чтобы его картины купили. Быть востребованным, услышанным, увиденным – это то, что необходимо автору. И если на картинах можно заработать, то это вообще шикарно. А иначе, зачем тогда рисовать?
В этой статье расскажем вам про самые продаваемые картины маслом. Раскрою вам 7 тем, на которые можно писать работы, которые будут хорошо продаваться.
1. Пейзажи
Как вы понимаете, пейзажи пейзажам рознь, поэтому, нужно правильно подобрать тематику пейзажей. Реалистичные пейзажи один из без проигрышных вариантов. Если вы пишите, например, морской пейзаж, то зритель, глядя на него, должен чувствовать эти соленые брызги и солнце, светящее на него. Все должно быть максимально натуралистично, похожее даже где-то местами на фото.
Эти пейзажи должны приглашать нас в свою атмосферу, наполнять нас. Так, если это лесной пейзаж, то мы должны прочувствовать каждую веточку и листочек.
Кроме морских и лесных пейзажей, также очень популярны пейзажи горные. В горах мы должны прочувствовать текстуру камней, огромных горных массивов, огромное количество воздуха, которое может передаваться ярким и светлым небом.
Еще одним хорошо продаваемых вариантов пейзажей является импрессионизм.
Все это, вы как художник, должны научиться писать маслом. Выбрав какое-то конкретное направление, вы сможете совершенствоваться в нем, совершенствовать свои техники. И рано или поздно, ваши картины станут ТОПовыми и вы сможете на них хорошо зарабатывать.
2. Странные картины
Еще одна тематика картин, которые хорошо продаются. Какие странные картины востребованы сейчас? Под этой тематикой подразумеваются такие картины, более психоделического содержания. Эта тематика близка к хорошо знакомому вам сюрреализму. Так почему же такие картины, наравне с пейзажами, в ТОПе по продаж?
Люди, которые ценят творчество и понимают современных художников, всегда покупают такие работы. А если даже и не понимают, то общаются с художником, узнают историю работы и тоже покупают ее. А еще, такие картины хороши тем, что они уникальны в своем роде, они неповторимы. Это тоже дает ценность картине. Даже если вы не занимаетесь классической академической живописью, а пишите какие-то свои сюжеты, то на вас найдется зритель, которому откликнется ваша «странная» работа и он захочет ее купить.
Яркий пример странной картины – «Постоянство памяти» Сальвадора Дали. Картина, на которой изображены утекающие часы. Художник заложил в этот рисунок свой смысл о том, что время утекает и это наполнило его картину, сделало ее значимой.
«Постоянство памяти» Сальвадора Дали
Также и вы должны поступать. Закладывайте сразу определенные смыслы в свою «странную» живопись.
3. Абстракции
Да, многие смотрят на такие картины скептически, «неужели такое кто-то покупает?», «да так и мой ребенок может!» — слышали, наверняка такое про абстрактную живопись.
Но, тем не менее, абстракция, это сейчас один из наиболее самых продаваемых жанров в живописи. Почему? Потому что такие картины отлично вписываются в современные интерьеры! Современный интерьер подразумевает простые формы и цветовые сочетания. Картина несет в себе такую же смысловую нагрузку. Плюс, не так-то просто написать настоящую правильную абстракцию, как бы легко это ни выглядело со стороны.
К. Малевич. Точильщик. 1913
Чтобы написать абстракцию, нужно знать и основы композиции, и основы колористики. Научиться работать с разными, в том числе и современными, материалами. Нужно уметь все это сочетать правильно между собой и, к тому же, грамотно использовать инструменты.
Изучив все тонкости абстракции, вы сможете легко писать картины, даже на самых больших холстах.
4. Обнаженная натура (ню) или эротические картины

Сексуальность была частью человеческого опыта с момента нашего появления как вида.

Тициан «Венера Урбинская», 1538

С началом цивилизации люди включили сексуальность в эротическое искусство, поклонение и повседневную жизнь. Существовали культуры и времена, когда явные ссылки на сексуальность были общепринятыми в социальных нормах и времена, когда это было не так. Однако репрессивный взгляд на сексуальность поддерживался Церковью в средние века, а затем сексуальность всячески подавлялась во время викторианской эпохи, как следствие – народы западного мира верят, что мало какие народы (если таковые вообще были в прошлом), были способны принять и даже упиваться своей сексуальностью.

Эстетика, восхищение женским телом, эротические фантазии, невинность — за все это готовы платить, но об этом не говорят в слух.

 

5. Домашние животные и дикие звери
Еще одна популярная тематика картин, которая ценится сейчас на рынке – это анималистика, пользующаяся большим спросом. Все любят красивые картины с милыми животными – котиками, собачками, а также с лошадьми, тиграми, львами и другими представителями фауны.
Вы можете брать за основу обычную фотографию питомца или животного, но интерпретируя ее под себя. Обязательно создавайте свой стиль, чтобы в дальнейшем ваши работы стали узнаваемы. Еще, чем мне нравится эта тематика, так это тем, что животные всегда что-то олицетворяют. И это уже давно было. Каждое животное, это символ. Например, лев – это царь зверей. Такие картины часто дарят в подарок начальникам, директорам. Или, лошадь – арабский скакун, несет в себе тоже символ. Пантера – это символ женственности. Если вы выставляете такую картину на продажу, ее точно обязательно кто-то купит, чтобы подарить в подарок конкретному человеку.
Поэтому, если вы выбираете анималистику, как ваше личное направление, то вы должны изучить ее очень хорошо. К тому же, к каждой картине, которую вы будете продавать, вы будете делать описание. Не важно, продаете вы ее на выставке или у себя в соцсетях, вы должны описать свою работу и грамотно преподнести.
В мире большое, просто огромное количество животных, поэтому, лучше выбрать несколько либо кого-то одного. Во-первых, у вас будет тематика, во-вторых, свой конкретный стиль, который будет точно продаваться, потому что вы не будете распыляться, отработаете все навыки и станете узнаваемым художником.
6. Натюрморты и цветы
Натюрморты и цветы практически у всех дома есть такие картины, которые создают уют, тепло и хорошее настроение. Цветы всегда напоминают о лете и счастливых днях проведенных с любимым человеком. Фрукты и овощи напоминают вам запах деревни и родного дома. Сочные плоды всегда вызывают хороший аппетит и ароматы жизни.
Обычно натюрморты покупают для холла, в кабинет или в гостиную.
7. Портреты
Портреты покупались всегда. Еще в Средневековье люди заказывали портреты и платили за них огромные деньги. Сейчас же, портреты, которые продаются, имеют немного другой облик. Современные портреты соединяют в себе разные стилистические особенности. Зачастую, очень хорошо продаются портреты в стиле импрессионизма, в стиле поп-арт, но не заезженный поп-арт, а такой, где вы используете пастозную живопись, где объединяете разные техники.
Если вы пишите портреты, обращайте внимание на позы. Сейчас актуальны не строгие прямые позы, как на картинах Средневековья, а те, которые уже имеют свои позы, например модельные. Они очень часто используются в портретной живописи – изображение может быть в профиль, в повороте, с руками, но руки могут быть не просто сложены на груди, а, например, как-то интересно обтекать лицо. Вы должны научиться делать комбинацию из такой строгой паспортной фотографии и модельной фотографии, с нестандартными позами и открытыми эмоциями.
И. Н. Крамской «Неизвестная». 1883 г.
Что мы подразумеваем под авторскими картинами? Это такие работы, немного даже странноватые, на которые смотришь, и думаешь: «Вау, такого я еще не видел(а), хочу купить себе!». Но это если мы говорим о картинах, выполненных на заказ. А как быть если вы хотите продавать портреты на каких-то интернет-площадках? Не рисовать же своего соседа и продавать только его портреты? Нет конечно! Вы можете писать портреты известных личностей.
Также, очень хорошо продаются портреты, где присутствуют аксессуары. Например, если вы пишите портрет девушки, то вы можете добавить ей цветы в волосах, или какие-то необычные украшения на ней. Это нужно для того, чтобы ваши работы были более авторскими, ведь только авторские картины со своим особым стилем очень хорошо продаются.
Либо, вы можете брать актеров, точнее их героев, которых они играют, из популярных фильмов. Например, Миа Уолес, персонаж фильма «Криминальное чтиво», которую сыграла Ума Турман. Ее портрет стал очень популярным, и его также стали покупать различные кафе и рестораны, тематика которых и интерьер соответствуют духу фильма. Тем самым, доказывая, что такие работы очень популярны.
Автопортрет Малевич
Поэтому, выбирайте таких персонажей, которые будут привязаны к одному стилю, к одному направлению. Берите топовых персонажей и личностей, которые широко известны и знамениты, которые собой олицетворяют какую-то идею, тогда вы точно не прогадаете и эти портреты 100% купят.
Вы не можете писать все. Поэтому, лучше выбрать какую-то одну тематику, сконцентрироваться на ней, наполнить ее своими смыслами, сделать так, чтобы ваши картины в этой тематике стали самыми ТОПовыми, тогда вы будете хорошо продаваться. При чем не важно, российский это рынок, или зарубежный, вы все равно должны выделяться из толпы своим стилем. Плюс, всегда читайте то, что вам советуют площадке по продаже картин. Абсолютно все площадки заинтересованы в том, чтобы вы продавали свои картины, потому что они от этого получат свои проценты. У каждой площадки, если это интернет-площадка, на сайте есть отдельный раздел «советы художникам». Если вы ориентированы только на заработок, и вам не важно, что писать, читайте рекомендации и следуйте советам площадок, изучите статистику, посмотрите, какой спрос на картины происходит часто, а какой реже. Всегда совершенствуйте свои навыки. Потому что, чем выше уровень художника и его работ, тем дороже он может продать эти работы.
Это был ТОП-7 тем для картин, которые точно купят.

Какие картины продаются лучше всего? Читать дальше »

Смысл многообразной деятельности «Мира Искусства»

Начало официальной истории «Мира Искусства» относится к рубежу 1890 — 1900-х гг. (выставки под этим названием устраивалось в 1899-1903, 1906, потом в 1910-е, в 1922 и 1924). Новое объединение возникло на основе дружеского кружка петербургской художественной молодежи, фактическим главой которого был Александр Н. Бенуа. Эстетическими взглядами и общекультурными идеалами Бенуа, его просветительскими устремлениями в значительной мере определено внутреннее содержание и смысл многообразной деятельности «Мира Искусства». К первоначальному содружеству принадлежали Л.С. Бакст, Е.Е. Лансере, А.П. Нурок, К.А. Сомов, Д.В. Философов, С.П. Дягилев. Сомов, Бакст, Бенуа и Лансере вместе с М.В. Добужинским и А.П. Остроумовой-Лебедевой составили творческое ядро объединения. К ним примыкали А.Я. Головин, И.Я. Билибин, Н.К. Рерих, В.А. Серов, И.Э. Грабарь. На выставках 1899-1903 гг. экспонировались также работы М.А. Врубеля, К.А. Коровина, И.И. Левитана, М.В. Нестерова, А.М. Васнецова, С.В. Малютина, Ф.А. Малявина, А.С. Голубкиной, П.П. Трубецкого и др.

Сумев привлечь художников различной ориентации, «Мир Искусства» произвел значительную перегруппировку творческих сил, стал одним из влиятельнейших культурных центров своего времени.

Основатели «Мира Искусства» выдвинули на первый план проблему художественной культуры и задачу освоения мирового наследия, потребовали внимания к собственным эстетическим ценностям, к форме и мастерству. Стремясь повлиять на общественные вкусы, расширить художественный кругозор современников, они пропагандировали в России западную классику и модерн, возрождали интерес к истории отечественной живописи, к архитектуре, к прикладным искусствам.

Яркой характеристикой позиции коренных «мирискусников» явилась их полемика с «принципиальным национализмом» и утверждение ими западничества как наиболее перспективного художественного мышления, апеллирующего к опыту различных духовных культур, к их диалогу и синтезу, к контексту, вне которого не может быть сопоставления и выбора, адекватной оценки, свежего взгляда. Показательны рассуждения, появившиеся в одной из статей, опубликованной в журнале «Мир Искусства», о том, что «только знание и любовь к Европе» помогли Пушкину, Тургеневу, Чайковскому «выразить и наши избы, и наших богатырей, и неподдельную меланхолию нашей песни».

Обращаясь к минувшему, «мирискусники» искали воплощения мечты об уже недоступной гармонии жизни, об эстетизированном, одухотворенном, слитом с культурой быте. Отсюда — неизбежная и сознательная романтизация ушедшей эпохи, образ которой должен был стать выражением поэтических переживаний художников, их идеалов, иронии, мыслей о новой действительности.

С названными чертами «мирискусничества» связано появление особой ретроспективной картины. Ее отличает преимущественное внимание к атрибутике, к предметным характеристиками времени, театрализованность действия, условность композиционного решения. Ретроспективные и стилизаторские тенденции, стремление к артистичности и декоративизму (в трактовке пейзажной темы, в подходе к портрету, в понимании цвета) определили весь комплекс изобразительных средств и приемов, разработанных Сомовым, Бакстом, Бенуа и др.

Предложенная «мирискусниками» интерпретация XVIII века, их интересы и привязанности, их излюбленные сюжеты, наконец, театрализация жизни и выдвижение игрового начала творчества нашли живейший отклик в литературноартистической среде. Их идеи было по-своему трансформированы живописцами и графиками следующего поколения: Б.И. Анисфельдом, Д.И. Митрохиным, Г.И. Нарбутом, З.Е. Серебряковой, С.Ю. Судейкиным, С.В. Чехониным, отчасти Б.М. Кустодиевым, Н.Н. Сапуновым и др. «Культурность» мастерства, точность знаний, уровень «техники» обеспечили художникам объединения и прочную профессиональную репутацию. Однако, с точки зрения многих современников, отвлеченность от социальных и этико-психологических проблем, с которыми было традиционно связано отечественное искусство, повлекла за собой и серьезные потери: по словам В.Д. Милиоти, «великие душевные драмы русского человека заменились боскетами, амурами, манерными господами и дамами; страдания крепостного мужика — эротическими шалостями барина-крепостника. “Галантная” улыбка XVIII века сменила смех сквозь слезы: душа уменьшилась, утончилась и ушла в слишком хрупкую и изысканную форму».

Благодаря специфике ориентиров и дарований, мастера «Мира Искусства» достигли наиболее значительных успехов в театральной декорации и книжной графике — сферах творчества, по самому своему смыслу связанных с художественным истолкованием культуры разных эпох.

К тому времени, когда «Мир Искусства» — в качестве «официальной» организации — прекратил свое существование (пятая выставка состоялась весной 1903 года, издание журнала было доведено до конца 1904, для его основателей в целом уже завершился период творческого становления, совместных поисков, борьбы за утверждение новой эстетики. Дав необходимый импульс художественному движению, объединение выполнило свою главную задачу. Большинство его членов вошло в состав созданного в 1903 году Союза Русских Художников.

Решение о возрождении «Мира Искусства», принятое в 1910 году, диктовалось обострившимися разногласиями между петербургской и московской «партиями» Союза. По замечанию Бенуа, «самая идея Мира Искусства — широкая, всеохватывающая, базировавшаяся на известной гуманитарной утопии — идея эта, столь характерная для общественной психологии конца XIX века, оказывалась теперь несвоевременной… Не примирение под знаком красоты стало теперь лозунгом во всех сферах жизни, но ожесточенная борьба». Роль и облик объединения существенно изменились. Бенуа и Сомов отстранились от активного участия в делах; Бакст, работавший с дягилевским балетом, в России появлялся редко. Председателем был избран Рерих, потом Билибин. К организации примкнули мастера «Голубой Розы», а затем и «Бубнового Валета.

Членство молодых живописцев в «Мире Искусства» свидетельствовало о признании их профессионализма, а отнюдь не о принадлежности к определенному направлению. Выставки объединения оставались, таким образом, весьма престижными, но утратили свой первоначальный характер.

В период наивысшего расцвета и наибольшей историко-культурной значимости объединения важной составляющей его деятельности являлось издание «художественного иллюстрированного журнала» «Мир Искусства». Выходил он в Петербурге с ноября 1898 года по декабрь 1904 года (в 1899-1900 — раз в две недели, с 1901 — раз в месяц; в первые годы практиковались сдвоенные номера). В 1897 году, формулируя задачи нового печатного органа, Дягилев писал Бенуа: «Теперь проектирую этот журнал, в котором думаю объединить всю нашу художественную жизнь, т.е. в иллюстрациях помещать истинную живопись, в статьях говорить откровенно, что думаю, наконец, примкнуть к журналу новую отрасль художественной промышленности».

Особое внимание «мирискусники» уделяли оформлению, полиграфии. Они создали в России сам тип художественно иллюстрированного периодического издания. Каждый номер открывался обширной подборкой воспроизведений. Репродуцировались экспонаты крупнейших европейских выставок, работы русских и зарубежных мастеров, живописные шедевры прошлого. Из «новых» активно пропагандировались английские прерафаэлиты, Дж.Уистлер, А. Беклин, О. Бердслей, французские символисты (П.Пюви де Шаванн, Г.Моро). Широко представлялось и творчество самих членов объединения (большинство из них участвовало в художественном отделе, во внешнем оформлении номеров).

В журнале печатались статьи по проблемам изобразительного искусства и общим вопросам эстетики, персоналии, обзоры выставок, литературная критика, заметки о театре, музыке, архитектуре; регулярно давалась информация о текущей культурной жизни Европы. Издание знакомило также с западноевропейской эстетикой и художественной критикой (Ю.Мейер-Грефе, Р.Мутер, Д.Рескин, Р. де ла Сизеран и др.), с выступлениями французских и немецких писателей, отрывками из философских сочинений.

Смысл многообразной деятельности «Мира Искусства» Читать дальше »

О натурщиках: «Один человек стоит голый, а остальные шуршат карандашами»

«Профессиональная натурщица всегда похожа на чучело совы …» А. де Тулуз-Лотрек

Жорж Сёра. Натурщицы

Взаимоотношения художников и моделей часто интригуют почтенную публику. Тем более, что, позируя, некоторые не только обессмертили себя в великих произведениях, но и оставили след в судьбах художников.
Я же хочу вспомнить безвестных натурщиков, без которых невозможно художественное обучение, хоть как-то связанное с реалистической или просто с фигуративной традицией.

Профессия натурщика или натурщица представляет собой человека, который будет позировать художнику или скульптору, помогая создавать произведение художественного искусства.
Еще одно название профессии натурщик — демонстратор пластических поз или модель. Очень часто услугами этих специалистов пользуются различные творческие люди, особенно часто прибегают к ним художники и скульпторы.

В Императорской Академии натурщики из государевых крестьян или отставных солдат состояли на жаловании и жили там же подвальных каморках. Кроме позирования они кочегарили, убирали помещения, столярничали. Женщины в натурных классах появились лишь в самом конце 19 века.
Позднее, «Демонстратором пластических поз», как писали в трудовых книжках, становились пенсионеры, студенты вечерники, спортсмены, «лимитчики», вольнослушатели. Приходили и романтические барышни, настроенные на общение с молодыми талантами. Желающие подработать или плотно загрузиться на весь учебный год, должны были оформиться у бригадира натурщиков, колоритной дамы Дибахан. В распределении «натуры» существовала негласная иерархия. Самые красивые девушки и самые мускулистые юноши попадали в монументальную мастерскую проф. А.А. Мыльникова, завкафедрой и признанного авторитета. Затем выбирали ассистенты и старосты старших курсов других мастерских. Первым курсам оставались старички, старушки или случайные персонажи.
В работе модели ценится умение в течение занятия сохранять заданную позу, зафиксировав взгляд, и способность после перерыва вернуться в исходное положение. Опытные натурщики, зная требования к постановкам, сами могли предложить позу. Женщины приносили часто сумки полные разноцветными шарфиками, шапочками, кофточками для выбора.
Позирующие впервые, обычно нервничают, в перерыв спешат ревниво взглянуть на свои изображения, часто огорчаясь от несоответствия ожиданиям. Настоящих же «демонстраторов пластических поз» не интересуют студенческие экзерсисы. Они смотрят на аудиторию с высоты своего подиума, слегка отстранено и даже немного высокомерно. На отчетные выставки обязательно приходят, скептически рассматривая работы и вспоминая былых «корифеев».

Jean Leon Gerome. The Artist’s Model 1895

Работы тарифицирована – «портрет», «одетая фигура» и наиболее выгодная, но и наиболее сложная, «обнаженка», которая не только определенный психологический барьер, особенно для женщин, но и физически утомительна. Чаще приходится стоять, чем сидеть. И лежать, что как говорят опытные натурщики, еще труднее, особенно на спине. От неподвижности страдают суставы, отекают ноги, болит спина. В мастерской обычно душно от красок и разбавителей. Тепловое поле рефлекторов обогревает тело снизу, сбоку продувает, сверху слепит и жарит софит. Случалось, модели теряли сознание. Убежден, длительное позирование влияет и на психику. Профессионалы, кажется, впадают в некий транс, словно дремлют с открытыми глазами, даже стоя. У многих вырабатывается чувство времени, и они просыпаются буквально за несколько минут до окончания сеанса.

«Натурщик должен быть подобен яблоку. Яблоку ведь не надо вертеться» П. Сезанн

Осмар Шиндлер (1867 — 1927). Мышцы, 1907.
Staatliche Kunstsammlungen
Dresden, Germany

Мужчин чаще предпочитают для постановок по рисунку, девушек для живописи. По отечественной традиции мужчины позируют в плавках или специальных мешочках на завязках. Девушки обнажены полностью. Элемент белья или одежды придает ненужный подтекст, зачастую гривуазный. Хотя браслет или бархотка могут добавить элегантность.
Хочу сказать, что к позирующим, особенно обнаженным у студентов бережное и тактичное отношение. Далекие от живописи люди часто подозревают в этом процессе игривость. Еще бы — «Обнаженное (особенно красивое) тело должно увлекать в греховные мысли». Чушь. Сами студенты оберегают модель от проявления хамства и пошлости, стараются создать доверительную, комфортную обстановку. Во время работы натура воспринимается, конечно не как табуретка или ваза, но как объект изучения. И хотя восторг перед прелестью и совершенством человеческого тела присутствует, художник сосредоточен на передаче характера, пластики, колорита и т.д. Случались ли у студентов влюбленности в модели (и наоборот)? Естественно, еще как. Но проявлялось это вне занятий, и это уже другая история.
Помнятся мне и забавные моменты. Одна бабушка, позируя, сочиняла стихи. Про летчиков, моряков и пограничников. И в перерыв громко декламировала их нам. С выражением. Другая женщина, постояв обнаженной пол-урока, вдруг посоветовав профессору самому позировать за такие деньги, оделась и ушла. Рисовали длительную постановку. Натурщик, посмотрев наши штудии, заявил, что рисунки выглядят уныло. И встал на подиум с широкой улыбкой. Всех скрючило от смеха. Обнаженный лысый мужик, с палкой в руке и «опорой на одну ногу», стоит улыбаясь во весь рот. Рисовать было невозможно.

В нашей мастерской позировала прелестная белокожая девушка. Очень застенчивая. Профессор И.П. Веселкин, чтоб как-то взбодрить студентов, стал восхищаться очарованием постановки. Увлекаясь сам все больше и больше, он медленно приближался к модели вытянув ладони. «Посмотрите, какое золотистое бедро, жемчужный животик, какая перламутровая грудь, какой кремовый сосок!». У девушки расширились глаза, она стала гранатово-пунцовой, схватила халатик и убежала за ширму. После долгих уговоров, удалось продолжить. Но в дальнейшем, когда профессор появлялся в мастерской, девушка краснела всем телом. Был случай, один ревнивец, каким –то образом узнав, что его подруга позирует обнаженной, поколотил ее. Так что, дорабатывала постановку она с сиреневым разводом под глазом. Знаю натурщиков, вследствие позирования, занявшихся живописью и небезуспешно.
Однако среди меняющихся лиц и фигур, встречались и индивидуальности, оставшиеся в памяти, уверен, не только у меня.

Весёлкин И. Натурщик. 1955

Пожалуй, самый известный нескольким поколениям схшатиков натурщик — Василий Иванович. Яркий типаж красноармейца-чапаевца с седыми топорщащимися усами. Позировал много лет, часто в выцветшей гимнастерке, с забинтованной головой или рукой на перевязи. Мог прийти немного «приняв» и тогда лицо приобретало плотный кирпичный цвет. Его портреты и сейчас висят в школе как образцы.
В Институте были свои знаменитость, работавшие десятилетиями. Старшие товарищи рассказывали о натурщиках в определенные годы специализирующихся на образах «основоположников марксизма-ленинизма».
«Графиня», Мария Андреевна. Не знаю, когда она появилась и когда завершила позирование. Маленькая сухонькая, сгорбленная, в неизменном огромном черном берете на гордо вскинутой головке аристократки. Студентам нравилось ее писать и рисовать, так как даже у самых нерадивых получалась похоже. Она почти не менялась, что видно на портретах, сделанных в разное время.
Мне не посчастливилось рисовать, так называемого «Человека-экорше». Он ангажировался исключительно мыльниковской мастерской. Остальным оставалось только рассматривали рисунки этой идеальной с точки зрения изучения анатомии модели. То ли по сложению, то ли из-за болезни у него практически отсутствовала жировая прослойка, поэтому кости, сухожилия, даже пучки мышц отлично просматривались, что очень удобно для учебного рисунка.
Так же не пришлось рисовать пышнотелую белокурую Лиа, знаменитость Репы и Мухи. Только видел ее запоминающуюся фигуру. Она нравилась студентам своими рубенсовскими формами и откровенными рассказами о приватном позировании академической профессуре.
С Виктором я познакомился, когда заканчивал институт. Приехавший их южного города, с хореографическим образованием, длинноногий, пластичный, с выразительным лицом восточного принца, открытый и эмоциональный. Он буквально играл образы предложенных постановок. Охотно рассказывал о себе, приглашал на спектакли. Попал в Институт случайно, в перерывах между выступлениями на сцене. В тяжелые 90-е потребность в балете была все меньше, и Виктор позировал все больше, тем более, что был нарасхват. Его изображения можно увидеть в академических пособиях. Потом не видел его лет двадцать. Случилось, что пригласил по старой памяти попозировать уже своим студентам. Он сильно изменился. Суставы распухли, выступили вены, по животу длинный шрам от операции, апатичный, с отстраненным тусклым взглядом, словно погруженный в сон. Отработав минута в минуту, молча ушел.

Думаю, были и сейчас есть не ординарные натурщики.

 

В статье использованы материалы с https://vk.com/wall-211238637_720 (с) Петр Лернер

О натурщиках: «Один человек стоит голый, а остальные шуршат карандашами» Читать дальше »

Лучшие фильмы про художников

Предлагаем вам подборку самых известных и лучших фильмов о художниках разных эпох, стилей и жанров. Здесь есть кино о классических живописцах, о художниках-импрессионистах и постмодернистах, о художниках XX века и даже о современных художниках граффити.. Под каждым постером к фильму есть краткое описание: о чём кино, какой период жизни художника оно освещает или какую историю повествует. Наслаждайтесь замечательными художественными и документальными фильмами о мастерах кисти и приобщайтесь к миру искусства, ведь даже просмотр самых известных фильмов помогает в изучении истории искусств и косвенно улучшает технику рисования.

Приятного просмотра!

1) Фрида / Frida (2002)

   «Фрида» (англ. Frida) — драма, 2002 г., повествует о творчестве и жизненных перипетиях самой знаменитой женщины-художника  Мексики. Любовь и разочарование, надежда и крах, боль и счастье творить — в этом вся Фрида, смелая, эксцентричная и необыкновенно нежная.  В основе фильма книга Хейден Эрреры “Фрида: Биография Фриды Кало”.

2) Модильяни / Modigliani (2004)

   «Модильяни» (англ. Modigliani) — режиссёр  Мик Дэвис снял драматический и пронзительный фильм, повествующий о любви, искусстве и предназначении человека. В основе сюжета биография Амедео Модильяни — итальянском художнике рубежа XIX-XX веков.

3) Поллок / Pollock (2000)

   «Поллок» (англ. Pollock) — драма режиссёра Эда Харриса 2000 года выпуска. Фильм снят по книге Стивена Нэйфи и Грегори Уайт Смита «Джексон Поллок, американская сага». Кинобиография знаменитого художника абстракциониста Джексона Поллока, родоначальника абстрактного экспрессионизма в живописи, наглядно демонстрирует творческий путь художника.

4) Девушка с жемчужной сережкой / Girl with a Pearl Earring (2003)

   Нидерланды  XVII в. Юная служанка Грит приходит работать в дом известного художника Яна Вермейера. Взаимоотношения 16-летней Грит и зрелого художника вносят раздор в семью. Основной конфликт картины строится на фоне изнанки творческой мастерской художника: от выбора модели до технологии приготовления красок и поиска идеи картины. Тонкая, поэтичная атмосфера живописных полотен Вермейера подчёркнута особым построением каждого кадра фильма и его цветовым настроем.

5) Винсент и Тео / Vincent & Theo (1990)

   Винсент и Тео ( англ. Vincent & Theo) — режиссёр Роберт Олтмен, фильм 1990 года . Красивая и трагичная история дружбы и взаимопомощи братьев Винсента и Тео Ван Гога: живописца и торговца картинами, исполнителя и вдохновителя, упорного творца и понимающего единомышленника.

6) Баския / Basquiat (1996)

   Баския (англ. Basquiat) — биографическая драма Джулиана Шнабеля 1996 года, повествование о непростой творческой жизни американского граффити-художника, а потом и художника неоэкспрессиониста — Жана-Мишеля Баския.

7) Эль Греко / El Greco (2007)

   Удивительная история самого загадочного художника XVI века — Доменикоса Теотокопулоса, известного в истории искусств под именем Эль Греко. Драматичные картины, фантасмагория красок, экспрессивная манера живописи, уникальный стиль живописи на фоне борьбы за свободу — в фильме отражено всё.

8) Выход через сувенирную лавку / Exit Through the Gift Shop (2010)

   «Выход через сувенирную лавку» (англ. Exit Through the Gift Shop) — то, что этот фильм снял Бэнкси, уже само по себе делает ему честь. Фильм повествует о творчестве уличных художников, в том числе и о самом Бэнкси.

9) Отголоски прошлого / Little Ashes (2008)

   Завязка фильма — знакомство двух прославленных в будущем испанцев — Федерико Гарсия Лорки и Сальвадора Дали в 1922 году. Переворот в искусстве начала XX века, поэтические искания и живописные размышления — связь и противопоставление искусств на фоне меняющегося мира.

10) Моя левая нога / My Left Foot (1989)

   Фильм иллюстрирует мужественную и полную отчаяния и стремления вырваться из оков тела жизнь художника-инвалида Криса Брауна.Упорство и сила характера помогают ему научиться рисовать пальцами левой ноги, благодаря чему рождаются мощные и сильные, поистине творческие работы самобытного художника. Это фильм — декларация свободы творчества вопреки превратностям судьбы.

11) Инкогнито

   Лента о талантливом художнике, востребованном и неизвестном одновременно, потому что он пишет инкогнито.

12) Тайны “Ночного дозора”

 Картина Рембрандта «Ночной дозор» помогает раскрыть преступление. Острый сюжет, головоломный поиск убийцы среди стрелков роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга, доля мистики и шедевр гения — всё в одном фильме.

13) Прожить жизнь с Пикассо

   Кинолента по мотивам книги Арианны Стассинопулос Хаффингтон «Пикассо: создатель и разрушитель». Бесчисленные жёны и любовницы мастера показывают обратную сторону гения и прямо таки выживают , находясь рядом с Великим Пабло. В фильме отражена  личная жизнь художника, которая была не менее бурной, чем творческая.

14) Караваджо (1986)

   Жизнь скандального и самобытного итальянского живописца XVI-XVII веков, наполненная страстями и размышлениями, исканиями и догматами, стремлением к возвышенному и низменным проявлениям в человеке. Уже одно использование в качестве натурщиков для религиозных сюжетов в картинах пьяниц, бродяг и проституток говорит о художнике, как о личности весьма незаурядной.

15) Караваджо (2 серии) (2007)

   Жизнь и творчество Микеланджело Меризи де Караваджо контрастны и неоднозначны. Художник, давший направление новому течению — караваджизму, получивший образование в мастерской маньеристов и представляющий собой полный антипод академизму — буйный, неуравновешенный сын строителя и, одновременно, создатель прекрасных религиозных картин со скрытым смыслом. Кто он, Караваждо: глубокий мыслитель, самобытный талант или шокирующий интриган?

16) Андрей Рублёв (1966)

   Знаменитая историческая кинодрама Андрея Тарковского — это 8 новелл-эпизодов, показывающих период XV века — с 1400 по 1423 годы на Руси, от лица величайшего иконописца Андрея Рублёва. Страшный и тяжёлый период становления русского государства, один из самых трагичных периодов русской истории рождает одухотворённые верой образы, сильные и созидательные.

17) Господин оформитель

  Петербургский художник Платон Андреевич вступает в борьбу с Господом в желании сделать человека бессмертным в своих творениях. Знаменитый художник оформитель пытается создать совершенного человека из основы в виде воскового манекена.

18) Тайна Антуана Ватто (2007)

   Загадочная героиня картин Антуана Ватто, которая всегда изображается со спины, ранняя смерть художника от туберкулёза в возрасте 37 лет, тайна, пропитывающая картины художника — всё это стимулирует студентку факультета истории искусств Люси найти ответы на недостающие вопросы.

19) Мулен Руж (1952)

   «Мулен Руж» (англ. Moulin Rouge) — музыкальный фильм Джона Хьюстона по мотивам романа Пьера Ла Мюра (1950), иллюстрирует яркую биографию художника постимпрессиониста Анри де Тулуз-Лотрека.

20) Жажда жизни (1956)

   Художественный фильм по роману Ирвинга Стоуна «Жажда жизни», красочно описывает биографию Винсента ван Гога от его творческих поисков и открытий до самоубийства.

21) Нью-Йоркские истории

    В фильме показана необыкновенная история художника, черпающего вдохновение в любовной драме. Сюжет картины — подготовка преуспевающего художника к выставке и влияние на его творческий процесс личных отношений с любовницей-ассистенткой и метания между страданиями в любви, но успехом в творчестве и счастливыми отношениями, но без творческой искры в живописи.

22) Очаровательная проказница

   Пожилой художник дописывает картину 10-летней давности, найдя выход из творческого кризиса в юной подруге своего молодого приятеля. Художник Эдуард Френхофер даёт незаконченной картине «Очаровательная проказница» второй шанс, вновь обретя вдохновение.

23) Макс

   Фильм о молодом художнике Гитлере, пытающемся выстроить свой творческий путь в галерее однорукого еврея, ветерана битвы на Ипре — Макса Ротмана.  Вместе с размещением картин художника в галерее Гитлеру предлагают выступать перед людьми с антисемитской речью.

24) Монпарнас-19 (1958)

   «Монпарнас, 19» (фр.. Montparnasse 19) или «Любовники Монпарнаса» (фр.Les Amants de Montparnasse) — чёрно-белая история последних месяцев жизни Амедео Модильяни, трагичная, красивая и насыщенная.

25) Рембрандт (1936)

   Фильм о крупном голландском художнике Рембрандте  и его насыщенной событиями и творчеством жизни.

26) Рембрандт: портрет 1669

   В фильме отражены последние, самые сложные и плодотворные годы в жизни «великого голландца»: противостояние власти, материальные сложности, череда личных трагедий, но и, одновременно,передача тонких человеческих чувств в живописи, создание сильных, глубоких образов, колористические открытия. Именно этот творческий период возносит Рембрандта на высочайшую вершину мастерства художника.

27) Климт (2006)

   «Климт» (англ. Klimt) — кинодрама Рауля Руиса 2006 года, на основе биографии знаменитого австрийского художника эпохи Модерна Густава Климта.

28) Камилла Клодель (1988)

   Трагическая история женщины-скульптора, ученицы и музы Огюста Родена, метущейся между собственными творческими исканиями и неоднозначными отношениями с прославленным скульптором.

29) Пиросмани

Фильм освещает периоды жизни уникального грузинского художника-самоучки Никола Пиросманашвили, вводит зрителя в мир его персонажей: от хозяев тифлисских духанов до очеловеченных животных.

30) Найденный рай (2003)

 Фильм о путешествии художника-постимпрессиониста Поля Гогена на Таити в поисках вдохновения и свежих идей и новой странице его удивительной творческой биографии. Яркие краски природы, прекрасные женщины и удалённость от цивилизации — это ли не повод написать что-то замечательное?

31) Жёлтый дом (2007)

   История творчества и дружбы двух знаменитых антиподов — Ван Гога и Гогена. В фильме показывается двухмесячный период их совместного проживания в Арле на юге Франции в знаменитом «жёлтом доме» — попытка создания творческого тандема с надеждой на успех и признание.

32) Обнажённая Маха (1958)

   Кинофантазия на тему живописных произведений Гойи. Фильм представляет историю героини серии картин художника в противоречии богатства, власти, служения искусству и страха карающей инквизиции.

33) Обнажённая Маха (1999)

  Влиятельная дама донья Мария дель Пилар, герцогиня Альба принимает гостей на ужине в честь завершения строительства своего нового дворца. ВОт только на званый вечер пришли сразу два бывших любовника прекрасной хозяйки — премьер-министр Годой и большой художник Франсиско Гойя.

34) Призраки Гойи (2006)

   Торжество искусства на фоне жестоких нападок инквизиции. 1792 год. Придворный живописец Франсиско Гойя становится очевидцем и непосредственным участником событий, предшествующих наполеоновским войнам. Жуткая действительность и прекрасные произведения искусства, рождающиеся из неё, показаны в фильме безупречно красиво и завораживающе.

35) Василий Суриков (1959)

    20 лет из жизни одного из самых знаменитых исторических художников. Биография живописца подана в  литературно-художественной интерпретации.

36) Куда приводят мечты

   Художественный фильм о неуспокоенной душе погибшего в автокатастрофе Криса Нилсена, пытающегося всеми силами сохранить связь с женой Энни. Фильм не столько о художнике непосредственно, сколько о красоте и духовности вообще. Визуальный ряд по-настоящему фантастичен и создаёт иллюзию атмосферной нереальности.

37) Вики, Кристина, Барселона

   Испанский художник становится одним из углов запутанного любовного многоугольника, в который попадают две молодые девушки, приехавшие в Испанию в поисках приключений.

38) Гоген-дикарь (1980)

   Поль Гоген бросает во Франции свою жену и пятерых детей ради творчества и свободы на острове Таити. В фильме показан таитянский период жизни и творчества экстравагантного французского живописца.

39) Весна Микеланджело (“Время гигантов”) (1990)

   Гениальный скульптор, на долю которого выпало всё — нищета, зависть, отчаяние, немилость правителей, но вместе с тем, и признание, покровительство, смелость решений и всенародное призвание. Ранний период творчества великого Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564) отражён в этом замечательном художественном фильме.

40) Контракт рисовальщика

  Август 1694 года, Англия. Востребованный художник Нэвилл подписывает контракт с миссис Хербертна исполнение 12 рисунков за 12 дней, иллюстрирующих недвижимость и земли заказчицы. выполнить задание нужно до приезда мужа заказчицы, т.к. в договоре значатся отдельные положения, расплата за которые — интимные услуги со стороны миссис Херберт. Художник берётся за дело, но просит не отвлекать его в само время рисования.

41) Сны Акиры Куросавы

   В некоторых эпизодах автобиографичные 8 новелл, своеобразных «снов» режиссёра. Здесь и путешествие в картину Ван Гога, и повествование о жертвах Второй мировой войны и изображения последствий ядерного конфликта государств…

42) Я соблазнила Энди Уорхола

   Гламурный клуб «Фабрика», созданный скандальным и неоднозначным Энди Уорхолом, открывает свои двери. Но не все смогут существовать в этом камерном мире богемной попкультуры.

43) Гойя, или тяжкий путь познания (1971)

   Художественная биография, рассказывающая историю одного из самых крупных испанских художников — Франсиско Гойи. История становления гения прославленного живописца и графика полна трудностей и контрастов.

44) Ван Гог (1991)

   Последние 67 дней жизни Ван Гога бережно собраны в одном фильме.

45) Божественный Микеланджело (2004)

Три величайших символа искусства создал Микеланджело Буонаротти сразу в трёх разных видах искусств — Скульптуру Давида, фреску Сикстинской Капеллы и купол собора Святого Петра. В чём секрет человека, сумевшего выполнить столь мощные по энергетике и масштабные по замысслу и исполнению шедевры? Кинодрама о творческом гении великого Микеланджело и его огромном вкладе в мировое искусство.

46) Муки и радости (1965)

   Фильм по мотивам книги Ирвинга Стоуна показывает непростые отношения-состязания между Микеланджело Буонаротти и папой римским Юлием II — заказчиком великих произведений искусства авторства гения и достойным противником в вопросах техники.

47) Рождественский коттедж (2008)

   Молодой художник Томас Кинкейд помогает своей матери вернуть долги за дом при помощи занятий живописью. В фильме показана история одного из знаменитейших современных художников США.

48) Тайна школы искусств/Реклама для гения (2005)

   Мечты и устремления молодого  Джереми Платца, студента престижной художественной школы, идут прахом. А ведь он был так уверен в собственном таланте и умении рисовать. Так что же делать с реальным положением вещей? Стоит ли распрощаться с мыслями о мировой славе?

49) Ахиллес и черепаха (2008)

В фильме показан путь к признанию художника-живописца Матису, который не изменяет своему призванию даже тогда, когда всё идёт совсем не гладко и надежды на успех тают на глазах.

50) Жизнь Леонардо да Винчи (сериал) (1971)

   Прекрасный 5-серийный художественный фильм о Леонардо да Винчи демонстрирует и реальные и дошедшие до нас в виде домыслов и легенд события из жизни великого художника. Здесь отражены все грани таланта Леонардо — от игры на музыкальных инструментах до изобретательства, от фресковой живописи до графики, от механизированных театральных декораций до программных живописных шедевров. Великолепные декорации, костюмы, гримм и подбор актёров заслуживают особого внимания.

51) Серафина из Санлиса (2008)

   История фильма начинается в  1912 г. когда  коллекционер Вильгейм Уде из Германии приезжает в город Сенлис с целью пожить в удовольствие и уделить время творчеству. Знаток современного искусства разных направлений и течений, Уде знакомится с местной богемой и в одном из домов находит интересную картину. Автором полотна оказывается служанка ценителя — взрослая дама Серафина.

52) Импрессионисты (мини-сериал) (2006)

   В фильме показывается беседа молодого журналиста Франсуа Тибора Жисана с пожилым Клодом Моне. Единственный оставшийся в живых импрессионист повествует о зарождении стиля, первых идея художников и самом объединении.

53) Модернисты (1988)

   Картина освещает богемный Париж1920-х годов. Молодые и амбициозные художники, писатели, журналисты полны надежд, радужных планов на будущее и безоглядно верят в собственную удачу. Группа творческой американской молодёжи готова изменить мир  и прикладывает все усилия, чтобы этого достичь путём творческого созидания.

54) Артемизия (1997)

   Драматическая и полная любви к творчеству история жизни итальянской женщины-художника Артемизии Джентилески показана в киноленте полно и подробно. Перед зрителем героиня предстаёт в многообразии своих жизненных периодов и образов: от дочери художника, мечтающей учиться в Академии художеств во Флоренции до беспощадной мстительницы, наказывающей своих обидчиков при помощи героев своих картин. Женская судьба героини сплетается с судьбой профессионального художника. Биографию одной из самых известных женщин в изобразительном искусстве стоит посмотреть непременно.

55) Отчаянные романтики (сериал) (2009)

   Отличный сериал о романтичном и утончённом искусстве прерафаэлитов — художниках, смело отвергающих всё искусство, созданное после Рафаэля. Творческие искатели и целеустремлённые «братья» живут полной жизнью, находя в ней место и любви, и благородным идеям и, конечно, великолепной живописи.

56) Кэррингтон (1995)

   Что произойдёт, если однажды встретятся знамениты писатель и одарённая живописица? А вдруг это случайное совпадение будет новым счастливым этапом в их творческой жизни?

57) Волк на пороге (1986)

  Ещё один фильм о Гогене. На этот раз мы можем наблюдать последний творческий период «Дикаря» после возвращения с цветущего, радужного Таити в Париж. Жить воспоминаниями о рае Гогену не просто, а благополучие и популярность сложно предсказать.

58) Солнце в листве айвового дерева (1992)

   Кинокартина иллюстрирует творческую работу художника Антонио Лопеса (камео) написать дерево айвы, растущее в его собственном саду. В фильме показан весь процесс сотворения картины поэтапно, пока  художник ломает голову над созданием уникального по красоте образа.

59) Мельница и крест (2011)

   Интересная режиссёрская трактовка Леха Маевского  знаменитой картины Брейгеля «Путь на Голгофу». Здесь переплетены судьбы десяти героев живописного полотна: от Девы Марии до заказчика картины — нидерландского богатого купца из Антверпена Николоса Йонгелинка. Разумеется, здесь показан и сам художник — Питер Брейгель Старший.

60) Эгон Шиле (1980)

  Скандальный и провокационный художник Эгон Шиле — мастер рисунка обнажённого тела в фильме показан в свете обвинения в совращении несовершеннолетней по ложному доносу. Оригинальный стиль рисования и неоднозначные ракурсы женских обнажённых фигур, в данном случае, отнюдь не помогают делу.

61) Эдвард Мунк (1974)

  Сложный исторический период рубежа XIX-XX веков родит немало гениальных, талантливых и одарённых деятелей культуры. Один из таких художников — Эдвард Мунк, чьё депрессивное и жутковатое искусство так точно передало драматизм времени.

62) Рембрандт: я обвиняю (2008)

   Этот фильм — своеобразный документальный детектив по материалам живописного полотна Рембрандта «Ночной Дозор». Ведущий-обвинитель подробно разъясняет каждую деталь картины, утверждая, что её герои намерены совершить убийство. Виновность всех 34 персонажей практически несомненна.  Все умозаключения автор озвучивает после тщательного изучения картины.

63) Рембрандт: отцы и дети (1999)

   Ещё один фильм о создании Рембрандтом «Ночного дозора», на этот раз — художественный. Оригинальный подход художника к традиционному групповому заказному портрету делает работу мастера выдающейся. Весь технический процесс написания полотна проходит перед глазами мальчика Сэмюэля, который успехами в учёбе честно заслужил своё присутствие в мастерской лучшего портретиста Амстердама.

64) Форнарина (1944)

   Очаровательная муза Рафаэля и прообраз всех его мадонн — Форнарина предстаёт в фильме во всём своём обаянии и красоте. «Прекрасная булочница» до сих пор пленяет сердца зрителей и овеяна огромной сетью мифов и легенд. Знаменитая натурщица и любовь всей жизни самого гармоничного художника Возрождения — полноправная героиня фильма.

65)  Рубенс (1949)

Картина — документальное свидетельство жизни и творческого пути Питера Пауля Рубенса.

66) Рубенс, художник и дипломат (1977)

Быть художником, общественным деятелем, педагогом, теоретиком искусства и политиком одновременно -легко, если ты Рубенс.

67) Тайна Пикассо (1956)

   А что если не просто заглянуть в мастерскую Пикассо и понаблюдать, как Великий Пабло работает, но и дать ему вполне конкретные задания? А если ограничить художника временем создания эскиза? Клузо, давний знакомый Пикассо ставит такой эксперимент и фиксирует на видео всю работу: от создания чёрно-беого изображения, до цветного экспрессивного этюда, а потом ещё и ещё раз перерисовывание картинки в новой интерпретации идеи. Обязательно посмотрите это видео, ведь на ваших глазах сам гениальный Пикассо создаст 15 совершенно разных рисунков, в том числе и один поверх другого.

68) Устами художника/Из первых рук (1958)

  Противостояние художника и общества встречается нередко. Виной всему образ жизни, мыслей и склад характера художника, не понятный традиционному обывателю.

69) Жизнь богемы (1992)

Фильм повествует о приключениях и поиске сути искусства тремя друзьями художниками разных национальных культур — албанца, француза и ирландца. Вера в себя и правду творчества не даёт им преступить черту благоразумия, но и, в то же время не мешает любить, творить и получать от жизни удовольствие.

70) Этюды о Врубеле (1989)

  Киевский период жизни Михаила Врубеля раскрывает его необыкновенный талант.

71) Месяц в деревне (1987)

   Бывший военный — молодой англичанин после Первой Мировой войны селится в небольшой деревушке. Один месяц лета помогает ему преодолеть гнетущее психологическое состояние.

72) Ренуар. Последняя любовь (2012)

   Пожилой Ренуар ждёт своего сына Жана с фронта. Ранение сына, потерянное здоровье и вынужденное уединение совсем расстраивают мастера. Но в лице новой очаровательной натурщицы Андре Ренуар получает свежий заряд радости творчества и яркости жизни. Последняя вдохновительница живописца становится возлюбленной его сына.

73) Граффити (2006)

   Непризнанный писатель и молодая девушка-фотограф оставляют послания друг друг в виде нарисованных на стене изображений. Такая обоюдная поддержка вдохновляет их продолжать творить вопреки всему, даже не смотря на тщательно соблюдаемый властями режим политического контроля.  Любые изображения на стенах запрещены, солдаты отслеживают и уничтожают даже далёкие от политики знаки.

74) Цвета юности (2006)

   О гражданской и творческой позиции художника Умберто Боччони — одного из футуристов. Основоположники художественной культуры ХХ века — не только профессионалы своего дела, художники, но и граждане своей страны.

75) Рембрандт (1999)

   Ретроспектива автопортретов Рембрандта в контексте времени. Трансформация художника от юноши до старика с учётом коллизий XVII века.

76) Большие глаза (2014)

   Женщина-художник Маргарет Кин, автор картин, герои которых имеют огромные глаза, пишет свои оригинальные сюжеты анонимно. Авторство на картины принадлежит мужу живописицы. Востребованные покупателями странные изображения приносят неплохой доход. Но, поддавшись влиянию феминистского движения, художница решает изменить устоявшиеся правила и заявляет о правах на собственное творчество.

77) Лето в феврале (2013)

   Фильм о любовном треугольнике между двумя богемными художниками и женой одного из них в небольшом городе в преддверии Первой Мировой войны.

78) Шагал+Малевич (2013)

   История любви Бэллы и Марка Шагал, противоборство гениев Шагала и Малевича в провинциальном Витебске и революционные потрясения — всё смешалось воедино в одном месте и времени. Самобытная культура еврейского населения, характерное деление на своих и чужих в духе времени, острый сюжет — помогут прочувствовать особую духовную наполненность искусства Шагала.

 

79) Истинный цвет/Локальный цвет (2006)

   Случайно образовавшийся творческий тандем воскрешает престарелого художника-алкоголика к занятиям искусством и даёт силы и энергетический заряд молодому растерявшемуся живописцу. Об этой истории 1974 года вспоминает уже состоявшийся взрослый художник — участник событий.

80) Русский ковчег (2002)

   Увлекательный диалог человека за кадром — нашего современника и французского посла XIX века оказавшихся в 1700 году в залах Эрмитажа. Персонажи свободно передвигаются по залам музея и во времени, обсуждая и показывая зрителям 300 лет русского искусства, истории и культуры.

81) Лотрек (1998)

  Живой, ироничный и немного грустный фильм о жизни  Анри де Тулуз-Лотрека — французского художника постимпрессионизма, яркого живописца и блестящего мастера графики. Граф, наследник древнего дворянского рода, надежда отца — юный Анри получает травму бедра и на всю жизнь остаётся калекой. Тяга к живописи, погружение в красочный мир Монмартра, знакомство с выдающимися представителями артистической богемы делают из скромного юноши гениального творца, мощного реформатора искусства рубежа XIX-XXвека и оригинального художника.

82) Цорн (1994)

   В киноленте показана часть творческой биографии шведского художника, получившего призвание в России, Европе, США, изображающего в основном обнажённую модель с высочайшим мастерством и оригинальной подачей. Мастер графики, живописи, скульптуры — Цорн не отказывает себе в слабостях, но понимает и ценит силу красоты.

83) Дикий мессия (1972)

   Оригинальная история взаимоотношений скульптора француза с женой полячкой. Повествование об Анри Годье и Софи Бжешке.

84) Луна и грош (1959)

   Роман Сомерсета Моэма о Поле Гогене в киноверсии.

85) Женщина в золотом (2015)

   В фильме отражена судьба картины Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр», которая была конфискована нацистами в период Второй Мировой войны. Теперь её бывшая хозяйка, Мария Альтманн, пытается вернуть своё законное живописное полотно и другие драгоценности при помощи молодого адвоката.

86) День свиньи или Фантастический мир Иеронима Босха (1992)

   Вымышленные персонажи в полном удивительных метаморфоз и срытых смыслов иногда абсурдном мире —  такова действительность в картинах легендарного живописца. Борьба за трон наследных представителей династии, противоречие красоты и уродства, законов и беззакония, человеческие пороки в самых разнообразных проявлениях — вот завязка сюжета фильма.

87) Агония и экстаз / The Agony And The Ecstasy (1965)

   Конфликт и взаимодействие Микеланджело с его заказчиком — Папой Юлием II. Самая суть эпохи Высокого Возрождения, триумф искусства в Вечном Городе.

88) Звёздочки на земле (2007)

Индийский фильм о роли Учителя в жизни непростого, но талантливого ребёнка. Красочная и тёплая история о том, как человеческое отношение, внимание и своевременная помощь превращают умственно отсталого мальчика Ишана Авасти в замечательного художника, любимца всей школы. И, да, учитель рисования — тот самый помощник на сложном пути учёбы, взросления и поиска себя.

89) Беспокойная Анна (2007)

   Странная жизнь юной художницы Анны полна талантов: она не только хорошо рисует, но и помнит свои прошлые несколько жизней, всегда прекращающихся в 22 года. Сможет ли нынешняя Анна преодолеть страшную закономерность?

90) Византийская синь/Vizantijsko plavo (1993)

91) Искусство и любовь (1984)

   Восточное искусство и любовь в наполненной особенностями жизни Японии конца XIX — начала XX веков. Взаимоотношения юной девушки Цуя и её наставника в живописи Сёкея приводят к личному краху молодой японки. Рождённый от учителя ребёнок уходит в другую семью, а сама художница вынуждена скрываться от позора. Но новая любовь к собрату по творчеству Нисиути возрождают желание жить и творить с новой силой.
Сюжет картины — роман Томико Мияо.

92) Рисующий ветер (сериал) (2007)

   Альтернативный вариант истории, в которой главный персонаж — мужчина. А вдруг художник — женщина?

93) Все о Ван Гоге / Vincent: The Full Story (2004)

   Повествование об уже душевно больном Винсенте ван Гоге, который на фоне глубинных психологических изменений создаёт свои самые лучшие картины. Вершина творческого пути художника, а также его прошлые занятия, непростой выбор профессии и тонкие вибрации души живописца.

94) «Современное искусство: великий мыльный пузырь» (2009)

  Бен Льюис показывает обратную сторону рынка современного искусства, объясняет, почему цены на произведения современных художников так высоки и выявляет многие секреты  арт-рынка. Покупатели, галереи, аукционы, коллекционеры — лишь средство поиска ответов на поставленные вопросы.

95) «Дочь Хокусая» (аниме)(2015)

   Ещё одна девушка-художник, но теперь в жанре анимэ. Прямохарактерная и упрямая дочь пожилого художника Тэцудзо помогает отцу выполнять множество художественных заказов разного размера и сюжетов. Но никто не знает, что мастер не всегда работает сам, ведь Тэцудзо не оставляет автографов на своих произведениях.

96) Уильям Тёрнер (2014)

   Мастер романтического пейзажа представлен во всём своём великолепии в биографическом фильме. Особенно хорошо изображена в киноленте творческая мастерская предшественника импрессионистов.

97) Франкофония (2015)

   Великолепная коллекция шедевров Лувра в период фашистской оккупации — история наследия.

98) «Марина Абрамович: В присутствии художника»

   Документальное кино о «бабушке перформанса» — Марине Абрамович. Художник, исповедующий жанр актуального искусства готовится к собственной выставке в Нью-Йорке. Музей современного искусства распахнул свои двери не только для югославской художницы, но и для Мэттью Эйкерса, задокументировавшего и прокомментировавшего происходящее.

99) «Великий музей» (2014)

   Восстановление музея — дело ответственное и не простое, тем более, если это венский «Музей истории искусств». Документальное свидетельство процесса — это фильм.

100) «Ватель» (2000)

  На носу война Франции с Голландией, а в это самое время известный французский кулинар Франсуа Ватель организует праздник в честь Людовика XIV. Любовь к искусству и самобытный талант делают из метрдотеля настоящего вдохновенного художника.

Лучшие фильмы про художников Читать дальше »

Неизвестный мастер игральных карт и Артур Мейгер Хинд

Один из самых уважаемых историков искусства и знаток, хранитель рисунков и гравюр Британского музея Артур Майгер Хинд (1880-1957),  профессор изобразительного искусства в Оксфорде, был автором наиболее полной истории травления и гравировки.

Хинд родился в Бертон-апон-Трент, учился в школе Лондонского сити и колледже Эммануэль в Кембридже и окончил университет с отличием в 1902 году. Хинд стал специализироваться на гравюрах и рисунках и в течение года изучал историю гравюры в Дрездене под руководством Макса Лерса, прежде чем в 1904 году поступил на работу в Британский музей.

Артур Майгер нашел сведения о некоем уникальном резчике середины 1400-х годов. Проживал он в Германии, где-то в районе Кельна. Прозвали его Мастер игральных карт (по-немецки Meister der Spielkarten), потому что огромное количество его работ – это ранние игральные карты. Они отличаются невероятно красивыми изображениями людей, цветов, птиц, оленей и даже драконов.

Судя по всему, загадочный Мастер игральных карт был первым крупным мастером в истории эстампа. Он был немецким (хотя, возможно, швейцарским) гравером, а также художником, работавшим в юго-западной Германии, вероятно, в Эльзасе, с 1430-х по 1450-е годы. Его также называют первой личностью в истории гравюры.

Мастер игральных карт не был изобретателем техники, в которой работал, но считается первым значительным художником гравюры. Артур Майгер охарактеризовал его стиль как «проницательный и индивидуальный».

Имя Мастера игральных карт, к сожалению, неизвестно, но он абсолютно узнаваем благодаря своему авторскому стилю. Удалось идентифицировать 106 гравюр, которые включают набор игральных карт с пятью мастями. Большая часть его работ хранится в музее Kupferstich-Kabinett в Дрездене и Национальной библиотеке Франции в Париже.

Гравюры Мастера очень редко появляются в продаже. 20 сентября 2006 года на аукционе Christie’s в Лондоне появилась его работа под названием «Королева цветов». Ее продали за 243 200 фунтов стерлингов (около 450 000 долларов). Эта гравюра сейчас является частью коллекции эстампов в Метрополитен-музее.

На картах, изготовленных мастером, пять мастей. Они довольно типичны для своего времени в Северной Европе: цветы, птицы, олени, хищники и дикие люди. Каждый символ (или «точка») на карте отличается, поэтому качество и сложность гравировки очень высока.

На сегодняшний день многие карты утеряны, но у специалистов есть основания полагать, что Мастер игральных карт изготовил не одну колоду. Он же – автор карт с мастями в виде лягушек, собак, кроликов, леопардов и драконов.

Чем объяснить такое разнообразие мастей? Говорят, их часто выбирал заказчик колоды. Еще одна версия: это были уже готовые изображения, которые использовались Мастером для самых разных нужд, в том числе для изготовления карт. Иногда гравер разрабатывал новый метод печати для тех или иных изображений для религиозных книг и тестировал его на игральных картах. Это известно точно, так как одни и те же изображения встречались в книгах и в колодах Мастера.

На полях Гигантской Библии Майнца 1450-х годов и Библии Иоганнеса Гутенберга около 1455 года найдены точно такие же львы, некоторые другие животные и маленькие розы. Вероятно, они были изготовлены по одним образцам, созданным Мастером игральных карт.

Существует вероятность того, что Мастер игральных карт и Иоганнес Гутенберг работали в одно время и даже знали друг друга (Lehmann-Haupt, 1966).

Немецкий город Майнц был оживленным центром декоративно-прикладного искусства, где создавались церковные книги высочайшего качества. Возможно, гравюры были ранними попытками найти механические средства воспроизведения декоративных изображений и узоров в печатных книгах.

Вот так фигурки и животные, служившие украшениями на полях библии, перекочевали в колоду игральных карт – атрибут грешников.

Кэтрин Харгейв в своей книге «История игральных карт» также упоминает о том, что удалось обнаружить карты XVI века, на которых масти соотносятся со значениями так: значки сердечек для масти церковнослужителей; соколы или колокольчики для знати (первые считались символичными для загонной охоты, а вторые служили любимым украшением костюмов придворных особ); листья для хлеборобов или простых граждан, и желуди для лесников или крестьян. Существуют три фигурные карты для каждой масти: король, старший и младший рыцари, а также девять чисел, то есть колода состоит из 48 листов.

Но даже когда мастера научились печатать карты методом ксилографии, их стоимость все равно выходила довольной высокой. А спрос на колоды игральных карт рос, нужно было увеличивать производство. Тогда их стали изготавливать с помощью трафаретов. Но это уже другая история…..

Неизвестный мастер игральных карт и Артур Мейгер Хинд Читать дальше »

Правила хранения и ухода за картинами дома — музейные принципы

При соблюдении нескольких простых правил, картина не изменит свой внешний вид даже через сотни лет. Но помните, что дома практически нереально создать музейные условия, но принципы лучше знать.

Воздух и сквозняки

Свежей картине обязательно нужен воздух — такую картину нельзя хранить в непроницаемой упаковке или оформлять в раму со стеклом. Картине нужен воздух, т.к. полное затвердевание красочного слоя происходит постепенно и может длиться до года. Плотная упаковка создает эффект парника и красочный слой может отслоиться. Но и не стоит держать картину на постоянном сквозняке!

Ветер — он также не допускается. Кондиционеры и вентиляторы не должны дуть на масляную живопись.

Избегайте прямых солнечных лучей

Кроме пыли, сырости и резкого перепада температур, главными врагами произведений живописи являются прямые солнечные лучи. Поэтому при возможности следует размещать картины так, чтобы на них не попадало солнце. Свет — прямые солнечные лучи не должны попадать на полотно. В противном случае картина начнет обесцвечиваться, некоторые пигменты выцветают. Самый лучший свет – рассеянный. Так же можно применять специальную подсветку с лампами, которые не греются и не искажают цвета. Лампы же размещаются на расстоянии не менее 1 метра.

Не трогайте картину руками

Если в вашем доме есть дети, будет разумно расположить картины в местах, недоступных для свободного к ним доступа. Помарки от «ощупывания» картины удалить очень сложно. Также, если картину без конца трогать пальцем, в тех местах цвета, с годами, могут потускнеть.

Дорогие произведения искусства лучше всего защищать и хранить под стеклом.

Избегайте резких перепадов температуры и влажности

Следует знать, что категорически не рекомендуется размещать картины рядом с отопительными системами. Холст может деформировать под воздействием перепада температур.

Если холст провис (особенно это актуально для больших картин) — ничего страшного. Это поправимо. Стоит слегка протереть с тыльной стороны полотно увлажненной губкой и картина должна вновь обрести свой прежний вид.

Не вешайте картину там, где не бывает постоянного температурно-влажностного режима. Картину не следует вешать там, где она подвержена тепловому действию обычных ламп накаливания. Также нельзя вешать на кухне рядом с плитой и размещать в непосредственной близости от нагревательных приборов и под кондиционером. В противном случае на полотне начнут появляться микротрещины.

Рекомендуемая температура в помещении — от 18-22 °C.

Уезжая из дома зимой и отключая полностью отопление, Вы постепенно портите живопись. Разрушения могут быть не быстрыми, но они при постоянном воздействии возникнут.

Если не обеспечить в помещении с картинами стабильную комнатную температуру, со временем полотно может покрыться плесенью. В таком случае без вмешательства специалиста-реставратора не обойтись.

Идеальным параметром влажности считается 55%.

Как хранить картину, если вы не готовы сразу её повесить

Храните картину вертикально. Когда вы ее кладете, что-то (или кто-то) может упасть, плюхнуться или сесть на вашу картину. Накройте картину тканью или положите в картонную упаковку, чтобы защитить от пыли . Не опирайте переднюю или заднюю поверхность натянутого холста на острый предмет. Если вы должны прислонить картину к чему-либо, прислоните её подрамником, чтобы ничто не давило на холст.

Если вы храните картины в течение длительного периода, то мы советуем вам периодически просматривать их, удалять пыль и менять покрывающую их ткань.

Сохраняемые картины должны быть покрыты хлопковыми простынями, но не полиэтиленом, который может вызвать плесень.


Как содержать и чистить картину маслом

Пыль, жир, копоть, следы мух постепенно загрязнят картину, если не ухаживать за ней постоянно. Дым сигарет, автомобильные газы усиливают загрязнения и приводят к необходимости реставрации. Регулярно удаляйте пыль и грязь.

Самым лучшим вариантом очистки будет аккуратное протирание бархатной или фланелевой салфеткой или подушечкой с лицевой стороны и также с оборотной. Если картина имеет фактурные выпуклые мазки, то можно использовать шириной кисть с мягким ворсом. Смахивайте пыль плавными движениями, двигаясь от верхней части картины к нижней.

Убирая пыль с картины, ни в коем случае не гните и не продавливайте холст — не трите и не чистите картину с усилием.

Помните замечательный фильм «Мистер Бин» с Роуэном Аткинсоном? В нем главный герой чихнул на известное произведение американского художника Джеймса Уистлера. После чего начал вытирать все платком, а после и химией для мытья пола. В результате получилось белое пятно, которое пришлось восстанавливать. Но так хорошо, как в оригинале, уже не получилось.
Чтобы такого не произошло, не пользуйтесь водой, чистящими средствами или спиртом. Влага для картины противопоказана! Нельзя использовать воду для очищения картины, даже для изнаночной стороны.

Храните картины правильно и сберегайте их от порчи, тогда они Вам прослужат долго, на протяжении100-300 лет, и станут бесценными фамильными предметами искусства.

Правила хранения и ухода за картинами дома — музейные принципы Читать дальше »

Иконография: Оригинальная традиция христианского сакрального искусства

В искусствознании иконография — описание и систематизация типологических признаков и схем, принятых при изображении каких — либо персонажей (реальных или легендарных) или сюжетных сцен.

Иконография (от др.-греч. εἰκών — «изображение, образ» и γράφω — «пишу») в изобразительном искусстве строго регламентированная система изображения персонажей или сюжетных сцен.

Церковная традиция учит, что первым иконописцем был святой евангелист Лука. Он нарисовал святое изображение Девы Марии, лицо, которое он сам видел. Свои первые иконы он принес самой Богоматери, которая одобрила их и провозгласила: «Пусть благодать Того, Кто родился от меня через меня, будет передана этим иконам». Есть, по крайней мере, пять высоко почитаемых икон Богородицы, написанных Святым Лукой, которые до сих пор почитаются сегодня. Также известно, что он писал иконы святых Петра и Павла. Начало иконографии можно также найти в картинах катакомб II и III веков.

На протяжении веков по мере обогащения искусства новым содержанием иконографические схемы постепенно менялись. Обмирщение искусства, развитие реализма и творческой индивидуальности художников вызвали как свободу истолкования старых иконографических схем, так и появление новых, менее строго регламентированных.

Иконография – оригинальная традиция христианского сакрального искусства, и она была неотъемлемой частью поклонения и мистической жизни христиан с апостольских времен. В восточно-христианской традиции иконы называют «окнами в небо», они вдохновляли и окрыляли миллионы верующих и временами были инструментами для демонстрации Божьего чудесного заступничества в жизни человечества.

Иконография, как неотъемлемая часть христианской жизни, была предметом большого спора в VII и VIII веках. В это время в Византийской империи появилось так званное движение иконоборцев, противников икон. Иконоборцы с подозрением относились к любому священному искусству, изображавшему людей или Бога, и требовали уничтожения икон. Иконопочитатели (поклонники икон) наоборот энергично защищали место икон в жизни Церкви. Иконоборчество, возможно, возникло под влиянием еврейских и мусульманских идей, а также отражало «пуританское» мировоззрение христианства, на всех изображениях видевшее скрытое идолопоклонство.

Идеи иконоборчества были поддержаны седьмым и последним Вселенским собором, который собрался в Никее в 787 г. н. э. Еще одно гонение на иконы византийского императора Льва III в следующем столетии прекратилось лишь когда на престол взошла императрица Феодора, она навсегда восстановила почитание икон в 843 году, и эта победа сейчас даже отмечается как «Триумф православия».

Одним из главных поборников иконопочитания этого периода был святой Иоанн Дамаскин, который написал в своем знаменитом труде «Защита икон»: «Через иконы Христа мы размышляем о Его телесной форме, Его чудесах и Его страданиях, и мы освящены… иконы святых исполнены Духом Святым».

Метод иконографии сложился в 1840 — х гг. во Франции и Германии как средство изучения средневекового искусства, его источников, связей с религиозными и литературными явлениями путём истолкования символики, аллегорий, атрибутов и т.д.
В конце XIX — начале XX вв. русский историк искусства Н.П.Кондаков использовал метод иконографии для изучения византийских традиций в средневековом русском искусстве. Американский учёный Э.Панофский выдвинул иконографию как основу, так называемого, иконологического метода исследования сюжетной стороны произведений искусства, чтобы определить их значение и смысл в контексте данной культуры, выявить отражённые в них черты миросозерцания. Обращение к иконографии не как к самоцели, а сочетающееся с разносторонним исследованием социальных и эстетических аспектов искусства, является одним из условий верного понимания художественного произведения.

Цель иконописца изображать святых не такими, какими они были в реальной жизни, а такими, какие они есть в вечности. Он передает свое видение небесного мира не через символы, такие как закаты с золотыми облаками или ангелами, играющими на арфах, а через мистические формы и цвета. Как пишет Контоглу: «Иконография выражается одухотворенными формами, абстрагированными от природных явлений, мира, который находится за пределами явлений, духовного мира».

Описанная как «богословие в цвете и линии», в иконографии традиционно используются особые художественные приемы и стилизация, чтобы донести духовный мир до зрителя. Одна из первых вещей, которые можно заметить, – это стандартизация форм святых людей. Увидев икону, мы сразу можем узнать, что это Христос, это святой Павел, это святой Николай и т. д. Обе формы Святых и состав событий из Евангелий являются фиксированными и архетипическими, хотя они будут немного различаться в зависимости от стиля иконописца.

В исторической науке иконография — система приёмов и методика определения достоверности изображения какого — либо истинного лица или события, их опознания и датировки. В ХХ в. принципы исторической иконографии распространяются на фото — и кинодокументы.

Под иконографией понимают также совокупность изображений какого — либо лица. Иконографией называется и совокупность сюжетов, характерных для какой — либо эпохи, направления в искусстве и т.д. Иконографией называется также совокупность изображений однотипных биологических объектов (например, насекомых), выполненных по определённым правилам.

С древних времен икона для русского человека является олицетворением духовности. Известно много случаев, в которых именно икона помогала русскому народу в избавлении от бед. Исцеление от неизлечимых болезней, прекращение войн, спасение во время пожаров – все под силу чудодейственным иконописным изображениям.

Иконография: Оригинальная традиция христианского сакрального искусства Читать дальше »

Викторины и тесты об искусстве для знатоков и всех любознательных

Вы уверены, что все знаете об искусстве!? Испытайте себя и найдите верный ответ или угадайте его. Некоторые ответы на вопросы могут «хранится» у вас со школьной поры или студенческих времен — проверьте свою память или узнайте интересные факты, которые достойны того, чтобы дополнить ими свой багаж эрудита.

Попробуйте пройти тест! 3 вопроса за 1 минуту

1. 
Как называется горизонтальная балка строительной конструкции, тяга?

2. 
Кто написал "Похищение Европы"?

3. 
Как называется часть свода в виде сферического треугольника, которая образуется в результате пересечения двух цилиндрических сводов?

Викторины и тесты об искусстве для знатоков и всех любознательных Читать дальше »

Правила вывоза картин за границу физическими лицами

Любые физические лица имеют право перемещать через таможенную границу РФ культурные ценности для личного пользования.

В соответствии с действующим законодательством Российской Федерации в сфере государственного контроля за вывозом и ввозом культурных ценностей, вывоз культурных ценностей осуществляется на основании разрешительного документа, оформляемого Федеральной службой по надзору за соблюдением законодательства в сфере массовых коммуникаций и охране культурного наследия (Росохранкультура).

Вывоз культурных ценностей

Вывоз физическими лицами культурных ценностей в качестве товаров для личного пользования осуществляется при наличии заключения (разрешительного документа) и предусматривает подачу пассажирской таможенной декларации.

Вывоз физическими лицами ранее ввезенных культурных ценностей в качестве товаров для личного пользования, осуществляется при представлении таможенному органу пассажирской таможенной декларации, оформленной при ввозе культурных ценностей, содержащей идентификационные признаки указанных культурных ценностей (наименование, автор, год создания, материал и техника создания, размеры, для струнных смычковых музыкальных инструментов – паспорт на музыкальный инструмент (при наличии).

В случае отсутствия пассажирской таможенной декларации, оформленной при ввозе культурных ценностей в качестве товаров для личного пользования, вывоз физическими лицами культурных ценностей в качестве товаров для личного пользования осуществляется при наличии заключения (разрешительного документа), выданного территориальным управлением Минкультуры России, либо письменного уведомления территориального управления Минкультуры России о том, что заключение (разрешительный документ) на вывоз соответствующих культурных ценностей не требуется.

В случае вывоза физическими лицами оружия, имеющего культурную ценность, но не отнесенного к антикварному оружию, в качестве товаров для личного пользования дополнительно к заключению (разрешительному документу), представляется заключение (разрешительный документ), выданное Федеральной службой войск национальной гвардии Российской Федерации.

Для получения такого разрешения владельцу культурной ценности, или его доверенному лицу, необходимо обратиться в территориальный орган Росохранкультуры и подать соответствующее заявление с приложением к нему следующих документов:

а) списка с описанием культурных ценностей при количестве предметов более двух (в 3 экз.);
б) 3 цветных фотографии каждой культурной ценности (размером не менее 8х12 см)
(npu вывозе архивных документов, печатных изданий, предметов филателии, нумизматики, бонистики и фалеристики представления фотографий не требуется);
в) заверенных копий документов (с предоставлением оригиналов), подтверждающих право собственности на заявляемые к вывозу культурные ценности (если таковые имеются);
г) копий документов, подтверждающих стоимость культурных ценностей (если таковые имеются);
д) копии документа, удостоверяющего личность, либо копии документа, подтверждающего факт внесения записи о юридическом лице в Единый государственный реестр юридических лиц.

Заявленные к вывозу предметы подлежат обязательной, производимой на платной основе государственной экспертизе, в порядке, установленном постановлением Правительства Российской Федерации от 27.04.2001 г. № 322 «Об утверждении Положения о проведении экспертизы и контроля за вывозом культурных ценностей».

Результаты экспертизы являются основанием для принятия территориальным органом Росохранкультуры решения о возможности или невозможности вывоза культурных ценностей с территории Российской Федерации.

В случае принятия решения о невозможности вывоза с территории Российской Федерации заявленных культурных ценностей, это решение доводится до сведения заявителя в письменной форме в 10-дневный срок.

 

Культурными ценностями по результатам экспертизы могут быть признаны:

предметы искусства и отправления религиозных культов, печатные издания, рукописи, архивы, предметы филателии, филумении, филокартии, нумизматики, бонистики, предметы обмундирования и снаряжения, историческое и художественно оформленное оружие, предметы техники, приборы, инструменты, аппаратура, старинные ордена и медали, предметы палеонтологии и минералогии, представляющие интерес для науки, а также редкие и уникальные музыкальные инструменты.

Вывоз культурных ценностей с территории Российской Федерации осуществляется на основании свидетельства на право вывоза культурных ценностей с территории Российской Федерации, форма которого утверждена постановлением Правительства Российской Федерации от 27.04.2001 г. № 322.

Предметы, созданные менее 50 лет назад, а также предметы быта независимо от времени их создания, могут быть признаны предметами культурного назначения, для вывоза которых оформляется справка установленного образца (приказ Минкультуры России № 844 от 07.08.2001 г).

Для вывоза печатной продукции, знаков почтовой оплаты, предметов детского творчества и техники, сувениров, монет, ценных бумаг, созданных менее 50 лет назад, оформления разрешительной документации не требуется.

Вывозу из Российской Федерации не подлежат следующие культурные ценности:

  • движимые предметы, представляющие историческую, художественную, научную или иную культурную ценность и отнесенные в соответствии с действующим законодательством к особо ценным объектам культурного наследия народов Российской Федерации, независимо от времени их создания;
  • движимые предметы, независимо от времени их создания, охраняемые государством и внесенные в охранные списки и реестры в порядке, установленном законодательством Российской Федерации;
  • культурные ценности, постоянно хранящиеся в государственных и муниципальных музеях, архивах, библиотеках, других государственных хранилищах культурных ценностей Российской Федерации. По решению уполномоченных государственных органов данное правило может быть распространено на иные музеи, архивы, библиотеки;
  • культурные ценности, созданные более 100 лет назад.

(см.9 Закона Российской Федерации от 15.04.1993 г. № 4804-1 «О вывозе и ввозе культурных ценностей).

За право вывоза культурных ценностей взимается государственная пошлина:
Налоговый кодекс Российской Федерации в редакции Федерального закона от 02.11.2004 г. № 127-ФЗ ч.1 статьи 333.33, 333.34, 333.35)

  • культурных ценностей, созданных более 50 лет назад, — 10 процентов от их стоимости;
  • культурных ценностей, созданных менее 50 лет назад — 5 процентов от их стоимости;
  • предметов коллекционирования по палеонтологии — 10 процентов от стоимости;
  •  предметов коллекционирования по минералогии — 5 процентов от стоимости.

 

Для исчисления государственной пошлины за право вывоза (временного вывоза) культурных ценностей принимается рыночная стоимость культурных ценностей, указанная в заявлении лица, ходатайствующего об их вывозе. В случае, если орган государственной власти, выдающий свидетельство на право вывоза культурных ценностей, определяет иную стоимостную оценку культурных ценностей, для исчисления государственной пошлины за право вывоза культурных ценностей принимается более высокая стоимость.

Государственная пошлина за право вывоза культурных ценностей уплачивается исходя из стоимости всех одновременно вывозимых одним лицом культурных ценностей.

От уплаты госпошлины освобождаются:

  •  физические лица — авторы культурных ценностей;
  •  сотрудники дипломатического представительства или консульского учреждения, а также члены их семей, проживающие вместе с ними, не являющиеся гражданами страны пребывания;
    (ст.34 Венской конвенции о дипломатических сношениях от 18.04.1963 г)
    (ст.49 Венской конвенции о консульских сношениях от 24.04.1963.з.)

    Госпошлина не уплачивается:

  • за вывоз культурных ценностей, истребованных из чужого незаконного владения и возвращаемых собственнику.

Ввоз культурных ценностей

При ввозе в Российскую Федерацию культурных ценностей, в том числе на период временного пребывания в Российской Федерации, осуществляется их таможенное декларирование в письменной форме с применением пассажирской таможенной декларации.

Культурные ценности, документы национальных архивных фондов и оригиналы архивных документов, включенные Единый перечень, ввозятся с освобождением от уплаты таможенных пошлин, налогов вне зависимости от их стоимости и веса, при условии подтверждения их отнесения к таковым в соответствии с законодательством Российской Федерации.

Таможенное декларирование ввозимых культурных ценностей сопровождается представлением таможенному органу заключения уполномоченного эксперта об отнесении перемещаемых предметов к культурным ценностям (список уполномоченных экспертов размещен на сайте Минкультуры России).

На сайте Минкультуры России также размещен список уполномоченных экспертов, осуществляющих экспертизу ввозимых культурных ценностей в аэропортах г. Москвы.

Перемещение культурных ценностей физическими лицами через таможенную границу

Перечень культурных ценностей, документов национальных архивных фондов и оригиналов архивных документов, подлежащих контролю при перемещении через таможенную границу Российской Федерации, определен разделом 2.20 Единого перечня товаров, к которым применяются запреты или ограничения на ввоз или вывоз государствами – членами ЕАЭС в торговле с третьими странами (далее – Единый перечень), утвержденного Решением Коллегии Евразийской экономической комиссии от 21 апреля 2015 года № 30.

К такой категории предметов относятся:

  • Культурные ценности, включенные в состав музейного, архивного и библиотечных фондов государств — членов Евразийского экономического союза.
  • Предметы и коллекции, имеющие историческую научную, художественную или иную культурную ценность, связанные со знаменательными событиями в жизни народов, развитием общества и государства, с историей науки и техники:
  • Мемориальные предметы, относящиеся к жизни выдающихся политических, государственных деятелей, национальных героев, деятелей науки, литературы и искусства, независимо от времени их создания;
  • Предметы и коллекции обмундирования и снаряжения, военного, производственного и иного назначения, созданные 100 лет назад и более, а также огнестрельное оружие, изготовленное в период 1900 — 1945 года, и холодное оружие, изготовленное 50 лет назад и более;
  • Антикварное оружие (огнестрельное, метательное и пневматическое оружие, изготовленное до конца 1899 года за исключением огнестрельного оружия, изготовленного для стрельбы унитарными патронами центрального боя), а также холодное оружие, изготовленное до конца 1945 года);
  • Предметы техники, приборы, инструменты, аппаратура, оборудование военного, научного, производственного и бытового назначения, созданные 100 лет назад и более;
  • Транспортные средства, произведенные до 1 января 1951 г. включительно;
  • Предметы и их фрагменты, полученные в результате археологических раскопок (как санкционированных, так и несанкционированных) и археологических открытий независимо от времени их выявления.
  • Художественные ценности (за исключением созданных менее 50 лет назад живописных, скульптурных и графических работ, предметов декоративно-прикладного искусства и отправления религиозных культов различных конфессий, дизайнерских проектов, инсталляций сувенирных изделий, предметов детского творчества, а также предметов быта независимо от времени их создания):
  • Произведения живописи, скульптуры;
  • Произведения графики и оригинальные графические печатные формы;
  • Предметы отправления религиозных культов различных конфессий;
  • Предметы декоративно-прикладного искусства.
  • Печатные издания, созданные 100 лет назад и более.
  • Монеты, боны, банкноты и ценные бумаги, созданные 100 лет назад и более.
  • Предметы фалеристики: ордена, медали (за исключением личных наград, на ношение которых имеются орденские книжки или наградные удостоверения, вывозимых самим награжденным), а также памятные и наградные знаки, настольные медали и печати, значки, жетоны и др., созданные более 50 лет назад.
  • Уникальные и редкие музыкальные инструменты и смычки, независимо от времени изготовления (за исключением фабричного (мануфактурного) изготовления).
  • Знаки почтовой оплаты (почтовые марки и блоки), маркированные конверты, налоговые и аналогичные марки, созданные 100 лет назад и более (за исключением почтовых карточек и открытых писем независимо от времени их создания).
  • Редкие коллекции и образцы — предметы, представляющие интерес для таких областей науки, как биология (анатомия, ботаника, зоология, палеонтология), минералогия, метеоритика, независимо от времени возникновения или создания.
  • Рукописи, документальные памятники, архивные документы, созданные 50 лет назад и более.

 

Правила вывоза картин за границу физическими лицами Читать дальше »

Три грации: от эпохи Ренессанса до наших дней

Образ трех пленительных девушек популярен у художников от эпохи Ренессанса до наших дней. Благодетельные богини — Аглая, Талия и Эвфросина — в греческой мифологии символизируют блеск, радость и цвет, символизируя и воплощающие доброе, радостное и вечно юное начало жизни, женственную прелесть юности и красоту.

В своём творчестве художники и скульпторы во все времена обращаются и, в той или иной мере, копируют античный сюжет и композицию трех граций: девушка, обнимающая двух других девушек, одна из которых обращена спиной к зрителю, с головой, повернутой в вполоборота.  Обнажённые или одетые в свободные одежды лучезарные грации-девушки, наделялись разным аллегорическим смыслом. В эпоху Ренессанса грации олицетворяли тройственный аспект щедрости: оказание благодеяния, получение благодеяния и оплату благодеяния. Флорентийские философы-гуманисты XV века видели в них олицетворение трёх фаз любви: красота, возбуждающая желание, которое приводит к удовлетворению. В эпоху рококо коронованные особы интерпретировали общество прекрасных богинь и граций как целомудрие, красота и любовь в атмосфере праздников, танцев, изящества.

Скульпторы Антонио Кановы, Пьетро Тенерани и Аристид Майоль, художники Рафаэль Санти, Питер Пауль Рубенс и многие другие мастера мировой культуры и современности создают все новые и новые композиции на неисчерпаемый сюжет для вдохновения трех граций. А нам остается только наслаждаться произведениями великих мастеров и находить свой смысл, который заложил художник в свои картины.

 

 

Среди разных чудес, что пленят и манят,
Свет далекой звезды или вечность седых пирамид,
Есть одно, на котором всегда остановится взгляд,
Это — женщина, в ней природа все тайны хранит.

 

Три грации: от эпохи Ренессанса до наших дней Читать дальше »

Словарь для художников: термины и понятия для начинающих и профессионалов

В существующих словарях, энциклопедиях, учебниках художественные термины трактуются по-разному, иногда даже противоположно, поэтому мы нашли для Вас обширный глоссарий и специализированный словарь художественных терминов и полезных материалов АРТ АЗБУКА РУ.

Знаете ли вы такие слова как: МУШТАБЕЛЬ, КРАКЛЁ, КЛУАЗОНЕ, ПАРИАН или ФИНИФТЬ?

А значение слов: ЗУБАТКА, ЕМЧУГА, ЛЕВКАС, ФЛЕЙЦ или ЮЛИНА?

Удобный глоссарий АРТ-АЗБУКА облегчает понимание важных, и порой необходимых,  художественных терминов. Поэтому, если вы чувствуете, что Вам необходимо освежить в памяти теорию или вы забыли смысловую нагрузку слова или названия предмета и действий, то этот словарь поможет вам выйти из творческого тупика и расширить ваш словарный запас, демонстрируя ваше знание специальной терминологии.

В словаре АРТ АЗБУКА вы найдете названия и термины, которые используются на всем земном шаре.

Но не забываете, что приоритетом всегда будут знания, умения и навыки, приложенные на практике и ясно видимые в ваших творческих работах, картинах, скульптурах, архитектурных произведений малых форм, поделках, декоративно-прикладных изделиях, в ваших прекрасных творениях.

Приятного путешествия по миру искусства!

Словарь для художников: термины и понятия для начинающих и профессионалов Читать дальше »

Галереи и художественные салоны как арт-пространства

Мы повсеместно встречаем арт-галереи, художественные салоны, арт-бутики, арт-пространство, арт-будуары и другие интересные названия мест для организации выставок изобразительного искусства, скульптуры, дизайна, декоративно-прикладного искусства и различных мероприятий.

Попробуем разобраться, чем отличается арт-базар от art gallery, лаборатория искусства от художественного салона.

Начнем с самого простого. В общепринятом понимании, галерея является местом выставок произведений искусства с последующей их продажей. Но искусство имеет различные направления и течения, классификации, искусство отличается разнообразием, и, соответственно, галереи также бывают разными по типу и по предназначению.

Галереи в зависимости от масштаба и места, количества выставочных залов, помещений, или пространства могут иметь различные обозначения и смысловые нагрузки. Например, слово «салон»  обозначает комнату, предназначенная для приема гостей, гостиная. В Париже, из-за ограниченности и дороговизны помещений, часто комнаты использовали под галереи, в которой устраивается выставка произведений искусств меценатами или зажиточными людьми, покровителями искусств. Светское общество старалось помогать художникам и деятелям культуры, выставляя в своих домах картины на продажу. Таким образом, о художнике узнавало большее количество людей, работало так называемое «сарафанное радио».

Галереи с экономической точки зрения могут быть коммерческими и некоммерческими.

К некоммерческим галереям, как правило, относятся государственные музей и галереи-выставки, источником финансирования которых является государственная поддержка или финансирование. Основной целью некоммерческих галерей является просветительская и образовательная деятельность, и классическая функция выставочного дела сохранение культурного наследия.

Коммерческие галереи, в основном, имеют такие же цели как и некоммерческие, но с акцентом на максимальное извлечение прибыли, зарабатывании денег в виде привлечения покупателей, размещения рекламы, продажи картин, объектов искусства, антикварных  предметов искусства и реализация сопутствующих товаров (книги, каталоги, одежда и т.д.)

Если попробовать классифицировать названия, то все обычно просто: арт-базары и культурные пространства должны подразумевать, что это большие помещения и места размещения предметов искусства, а арт-салоны, будуары или лаборатории – небольшие по количеству и площади помещения для выставки. Но, в современном мире, «муха хочет быть похожа на слона» и законы бизнеса и амбиции владельцев галерей, вынуждают придумывать «кричащие» и новомодные названия своих салонов. Зачастую, арт-базар – это малюсенькая сувенирная лавка. Ничего личного – только бизнес.

Не все могут себе позволить занимать большую площадь и располагать внушительной коллекцией экспонатов.  Обычно, частные галереи могут создаваться по художественным направлениям и пристрастием владельца: реализм, абстракционизм, сюрреализм, скульптуры, дизайна, поп-арт, соцреализм, наивное искусство, декоративно-прикладное или актуальное  искусство.

Галереи, салоны и поклонники искусства принимают участие в благотворительной деятельности.

Частные галереи отличаются тем, что не только устраивают показы-выставки, но и продают работы молодых  художников. Здесь можно воспользоваться услугой создания картины на заказ. Обычно, например,  частные салоны — это место, куда профессиональные художники и любители сдают на комиссию свои произведения и поделки. Салон не имеет никакой стратегической линии — продал, и всё.

Многие галереи имеют идеологи и поддерживать талантливых и перспективных художников и умельцев. Галерея может давать художнику гранты, делать выставки и перфомансы и сама собирать коллекцию, делать персональные выставки, предоставлять бесплатно помещения для выставки, демосцены, чтобы за определенный процент продавать авторские работы.

Также галереи могут бесплатно организовать аукционы  продаж. На нашем сайте вы также можете увидеть и купить авторские работы или копии картин.

Сейчас очень популярным видом галереи является виртуальная галерея. Виртуальная галерея — это электронный ресурс, который позволяет познакомиться с искусством и сделать заказ, находясь в любой точке мира. Виртуальная выставка позволяет обеспечить более широкий круг потенциальных покупателей.  Размещение картин в такой галерее может предоставляться бесплатно или символическую стоимость. На сайте галереи можно найти информацию о каждом авторе, заказать критические статьи, новости о конкурсах для художников.

Но все-таки советуем, ходить в реальные художественные галереи, где вы можете просто смотреть, фанатеть, восхищаться и пообщаться с самим автором, поучаствовать в мастер-классах, послушать интересные лекции и, кроме всего этого, вы ещё можете выпить на халяву шампанское  и купить картину или статуэтку, не отходя от кассы!

Галереи и художественные салоны как арт-пространства Читать дальше »

О краудфандинге или народном финансировании культурных проектов

Краудфандинг — это хороший способ поддержать небольшие, но очень важные и интересные, общественно значимые социальные и культурные проекты.

Допустим, художники или сообщество творческих и инициативных людей хотят выпустить каталог картин или исчезающих памятников архитектуры , или подарить детям из детского дома книжки с оригинальными авторскими рисунками, стихами и рассказами. Соответственно, чтобы издать каталог или книгу необходимо, как минимум, оплатить типографские и издательские услуги, которые стоят дорого и не каждый человек в одиночку может позволить это мероприятие осуществить.

Для совместных проектов, как говорится «с миру по нитке», и существует такая форма народного софинансирования частных гражданских инициатив как краудфандинг. Краудфандинг позволяет за относительно короткое время получить необходимые для запуска проекта денежные ресурсы.

В России с помощью краудфандинга перезапускался журнал «Искусство кино», реализовались проекты Русской виртуальной библиотеки, XXI Фестиваль камерной музыки «Возвращение», Архитектурный путеводитель по Самаре,  Программа «Наступление на наследие», художественный фильм «28 панфиловцев», музыкальные альбомы группы «Алиса» и Виталия Дубинина из группы «Ария» и многие другие, а также  художники-мультипликаторы  собирают и принимают участие в народном финансировании  новых мультфильмов и кино. У многих молодых музыкантов и художников нет денег на аренду студии или оборудования, приобретения материалов  — им поможет краудфандинг, то есть спонсирование их другими людьми (например, поклонниками их творчества).

Термин «краудфандинг» происходит от английского слова “crowdfunding” — «народное финансирование», «финансирование группой людей».

Краудфандинг — это народный сбор средств на какое-либо дело: помощь пострадавшим людям (благотворительность), запуск нового проекта, выпуск каких-нибудь вещей, поддержка и проведение благотворительных мероприятий, сбор и покупка необходимых материалов, совместная аренда арт-помещений и мастерских для проведения выставок или создание арт галерей для начинающих и талантливых людей, издание книг, поддержка поэтов и писателей  и т.д.

Деньги на разные нужды собирались и несколько веков назад. Даже, если вы сами и ваши друзья перечислите, хотя бы 100 рублей, то это поможет реализовать новый проект. От участия каждого человека зависит успех и результат проекта.

 

Покупая картину или изделия декоративно-прикладного искусства, вы поддерживаете мастера и художника, который вложил свое мастерство, время и энергию в создание произведения. Мир полон добрых людей, которые оценят ваши творения.

О социальном значении поддержки культурных инициатив говорят много проведенных мероприятий для детей-сирот, домов ветеранов, людей с ограниченными возможностями. Много талантливых художников, архитекторов, мастеров народного творчества всегда поддерживались частными меценатами и народными деньгами.

Как это работает?

Некоммерческие организации, учреждение культуры или физическое лицо (фаундеры) представляют свой проект на краудфандинговой или краудлендинговой площадке в интернете, устанавливают срок сбора средств и приглашают всех желающих, зарегистрированных на данной площадке (донаторов), принять участие в финансировании конкретного проекта.

Далее донаторы (благотворители) и меценаты действуют безвозмездно и/или получают небольшой подарок за свои взносы (например, постер с автографом артиста или сувенир).

Наша интернет-площадка art-torgi.ru участвует и организует народные сборы на культурные и социальные инициативы, в которых вы можете принять посильное участие и посмотреть здесь.

О краудфандинге или народном финансировании культурных проектов Читать дальше »

Какие кисти выбрать для рисования и творчества?

Как говорят опытные художники, для получения высокого качества работы необходимо правильно подобрать подручные инструменты и материалы. Для рисования надо уметь выбирать качественную бумагу, холст, дерево, карандаши, лучшие краски, конечно же, кисти.

Также, важно, чтобы ворс был аккуратно собран и острижен, ручка была удобной и в меру длинной, стальная перемычка не ржавела и надежно удерживала рабочую часть на черенке. Но самое главное – кисть должна выполнять возложенную на нее функцию. Чтобы понять, какую кисть следует покупать и как выбрать оптимальный инструмент, придется погрузиться в тонкости классификации, то есть, познакомиться со всеми видами кистей для живописи и творчества.

Строение кисти

Несколько столетий назад каждый художник сам изготавливал необходимые инструменты, в том числе и кисти. Ремесленники, занимающиеся изготовлением кистей, появились позже, а современных век технологий поставил изготовление кистей на массовый поток. Поэтому в настоящее время диапазон материалов, размеров и типов кистей может ввести начинающего живописца в настоящую растерянность.

Чтобы детально рассмотреть вопрос о существующих разновидностях художественных кистей, необходимо знать, из чего состоит это важный инструмент. Все кисти имеют абсолютно одинаковое строение.

Выделяют три детали, которые и отличают разные модели друг от друга.

  • Волосяной пучок. Он является рабочей частью кисти и представляет собой набор тонких синтетических или натуральных волосков. Форма или размер пучка могут быть любыми.
  • Капсюль или гильза– это обойма из металла, удерживающая волосяной пучок и являющаяся для него опорой. Отчасти, именно гильза определяет форму пучка. Она также служит крепежным элементом, чтобы удерживать пучок на ручке. Обычно изготавливается из нержавеющей стали, так как постоянно попадающая влага может вызвать коррозию, что нелицеприятно отразится на эстетичности инструмента. Отличить дорогую и качественную кисть можно по цельнометаллической обойме. Такой капсюль не содержит шва.
  • Ручка или древко выполнены из древесины, хотя часто встречаются варианты из пластика. Древко хорошей кисти сделано из ольхи, бука, березы или осины. Чтобы краски не проникали сквозь поры древесины, ручка покрывается лаком.

Классификация по материалу

В данной классификации традиционно выделяют две группы. Кисти делятся на натуральные и искусственные. Принадлежность к той или иной группе определяет щетина.

Натуральные кисти

В натуральных кистях ворс сделан из шести животных. Для изготовления искусственных кистей используется синтетическое волокно. В терминологии художников употребляются названия животных, шерсть и волосы которых образуют волосяной пучок. В соответствии с этим кисти получили название:

  • Белка;
  • Коза;
  • Колонок;
  • Пони.

В беличьей кисти используется натуральный мех белки. Пучок этой кисти отличается высокой мягкостью. Он хорошо впитывает воду и удерживает ее длительное время. Они идеально подходят для работы акварелью. Кроме того, белка позволяет применять различные художественные приемы. Наиболее популярными из них считается заливка, отмывка и лессировка.

Беличья кисть отличается долговечностью при условии правильного хранения и щадящего использования. К сожалению, таким инструментом нельзя работать с маслом и акриловыми красками.

Он также не подходит к любому типу кроющей краски высокой вязкости. Толстые и тяжелые слои краски меняют структуру волосяного пучка, в результате чего кисть быстро изнашивается. Она все хуже выполняет свои функции, и это заметно буквально с каждой последующей работой. Но не только в этом причина ограниченной применимости. В живописи густые краски играют важную роль своей фактурой, созданной при нанесении мазка. Мягкая беличья кисть просто не способна сделать такой фактурный мазок.

Намешивать краску или накладывать ее на холст будет крайне неудобно.

Кисть «колонок» сделана из меха одного из семейств куниц. Колонковые кисти несколько жестче, нежели беличьи, однако они тоже хорошо держат влагу. Благодаря более высокой жесткости колонок расширяет границы применимости.

Такие кисти можно использовать при работе с гуашью, но только фрагментарно. В целом, художники предпочитают именно колонковые кисти, так как они более упругие, но следует отметить, что стоят они дороже беличьих.

Кисти из козы оптимально подходят для работы с акриловыми красками. В меру жесткий ворс дает отличный мазок, имеющий своеобразную фактуру. Можно даже работать с пастозной техникой.

Низкая стоимость, отсутствие аллергенов и практичность козьих кистей способствует тому, что эти инструменты чаще всего выбираются для детского творчества.

Кисть делает мазок клеевыми красками, гуашью или акрилом. Работать с маслом при наличии кисти из козы не рекомендуется. Волосяной пучок оказывается слишком и пушистым. С другой стороны, волос козы не подходит и для акварели, так как будет чрезмерно жестким. Практичность представлена тем, что пучок практически не деформируется и не изнашивается, а также он хорошо промывается в воде. В силу особенностей ворса козьей кистью нельзя прорисовывать мелкие детали. Мелкие волоски торчат из пучка в разные стороны.

Одними из самых дешевых натуральных кистей являются кисти из пони. Они считаются отличной альтернативой колонковым и беличьим кистям.

Кисти из пони рекомендуют начинающим художникам, которые желают научиться работать с акварелью.

Особой разницы между пони и белкой они не заметят. Если же судить более строго, то пучок из волос пони не так хорошо «отдает» воду бумаге, как белка или колонок, потому что он не такой пластичный.

Но опытный художник способен обратить все недостатки в свою пользу. Некоторые живописцы в процессе работы меняют пони на белку.

Кисть из меха барсука никаких отличительных особенностей не имеет. Классический волосяной пучок достаточно мягкий. Такие кисти подходят для работы с гуашью и акварелью при прорисовке мелких деталей.

Очередной инструмент для работы с водорастворимыми красками низкой вязкости – кисти из шерсти соболя. К таким краскам относят гуашь и акварель. Шерсть соболя вряд ли подойдет для художественной школы, так как такие кисти стоят достаточно дорого.

Опытные живописцы бережно относятся к соболю, так как он позволяет вести линию, регулируя направление мазка и нажим одновременно.

Если пристально рассмотреть волосяной пучок, то можно заметить, что волоски подобраны по длине один к одному, а лежат они строго в одном направлении. То есть, кисть обладает высокой степенью универсальности, позволяя работать как с крупными деталями, так и прорисовывать мелкие фрагменты. Заметим, что даже самая качественная белка не обладает такими свойствами. Обобщая можно сказать, что кисть из соболя вобрала в себя все плюсы белки и колонка.

Щетинные кисти могут быть разной жесткости, так как они изготовлены из свиной щетины. Жесткими кистями удобно работать с маслом, темперой и акрилом. В то же время мягкая щетина позволяет рисовать гуашью и даже акварелью.

Оптимально подобранная жесткость влияет на результат работы. При желании художник щетинными кистями может набрать краску с палитры и сделать плотный мазок.

У щетины есть одно важно преимущество – она позволяет реализовать технику «сухая кисть». Цвета краски можно смешивать с разной степенью однородности и получать при этом красивые визуальные эффекты. Мазок получается рельефным, с тонкими бороздками, оставленными волосками.

Искусственные кисти

Искусственные или синтетические кисти изготовлены специально для работы с масляными и акриловыми красками. Но нельзя утверждать, что абсолютно вся синтетика подходит для масляной живописи.

Кисти подбираются для каждого конкретного случая. Синтетический пучок, в отличие от щетины, обладает большей упругостью и мягкостью, причем эти свойства остаются постоянными для всей поверхности пучка. Будет достаточно сложно намешать густую краску и положить фактурный рельефный мазок. Для синтетических кистей подбирают специальные краски – гуашь. Волокно практически не изнашивается и хорошо моется.

Частицы масляной краски могут забиваться под металлическую оправу и затвердевать. В результате того, что в основании пучка появляется твердое инородное тело, ворс деформируется, а кисть становится похожей на растрепанную метелку.

Синтетические волокна плохо выпускают из себя краску, поэтому кисти следует мыть тщательно. Если пучок деформировался, то восстанавливать его бесполезно.

Такую кисть можно выкинуть. Не поможет и разбавитель. Длительное замачивание кисти приведет к тому, что ворс у основания расширится, а на самих волосках будут образовываться мелкие скатки краски.

Казалось бы, у синтетики больше минусов, нежели плюсов. Тем не менее, они незаменимы, когда картину нужно покрыть лаком или выполнять размытие акварели.

Длина ручки

Несмотря на то, что основным рабочим элементом кисти является волосяной пучок, длина ручки играет фундаментальную роль при выборе. Такой критерий дает еще один вид классификации.

Опытные живописцы всегда выбирают инструмент с деревянной ручкой. Пластик не выдерживает воздействия разбавителя, к тому же он может деформироваться при промывке кисти, особенно когда приходится работать маслом. Нет единой теории по подбору длины ручки.

В данном вопросе все зависит от предпочтений самого художника. Но от длины древка зависит и масса кисти, а, как известно, чересчур легкий или слишком тяжелый инструмент вносит в процесс работы только дискомфорт. рекомендуется при выборе кисти подержать ее в руке, оценить хват и массу.

Следует помнить, что кисти с коротким древком помещаются в любой пенал.

Длинные же кисти смотрятся более эстетично, а само древко служит художнику инструментом для замеров. Чтобы подытожить данный вопрос, отметим, что длинные кисти хороши при рисовании стоя. Сидя художник вынужден держать кисть ближе к обойме, а длинное древко при этом создает противовес и становится причиной возникновения сторонних вынужденных колебаний.

Длина ворса

Длинный ворс кисти удобен в работе над этюдами, когда художник накладывает мазки свободными движениями с большой амплитудой. Постепенно он переходит к кистям с более короткими пучками.

Интересен метод нанесения мазков «тычком». Для этого метода используют совсем старые кисти с изрядно изношенным ворсом. Эти кисти художники называют «растопырками».

Считается, что покупка кистей с коротким ворсом не оправдана, так как длинный ворс с течением времени сам изнашивается.

Некоторые мастера подрезают пучок по своему усмотрению. В синтетических пучках износ происходит интенсивнее, особенно если краска плохо промывается и скапливается у основания волосков. Для акварели лучше покупать кисти с длинным ворсом.

Щетинный пучок позволят работать с более густыми красками. Для тех, кто не желает тратить деньги на покупку новой щетинной кисти, есть специальный лайфхак по реанимации ворса. Волоски внутри обоймы склеены в пучок при помощи канифоли, которая хорошо плавится при повышенной температуре. Этот ресурс можно использовать в своих целях.

Цоколь кисти нагревается на открытом пламени горелки или свечи, а после того, как канифоль расплавится, ворс подтягивается из обоймы наружу при помощи плоскогубцев. Важно здесь не переборщить и не вытянуть волоски совсем из обоймы. обычно удается удлинить пучок на 2 – 3 см.

Классификация по качеству черенка

Качество материала, из которого сделан черенок, влияет на комфорт работы. Ручка кисти – не менее важный элемент, чем ее ворс. Идеальным вариантом считается в меру длинная ручка, сделанная из древесины, и покрытая краской или лаком.

Лак дает своеобразную защиту во время работы.

Попавшая влага и краска не помешают художнику удобно удерживать кисть в руке, а разбавители не нанесут ущерба древесине. Излишки засохшей краски снимаются с черенка методом промывания в воде с хозяйственным мылом. На крайний случай, всегда можно отшлифовать древко мелкой наждачкой и снова покрыть его лаком. Защитный слой не исключает порчи древка.

Любой черенок может со временем деформироваться или испортиться, так как лак постепенно трескается и целостность защитного слоя нарушается.

Основной причиной порчи ручки кисти является ненадлежащие условия хранения.

Инструмент нельзя надолго оставлять в воде и, тем более, в разбавителе. Деформированный стержень не только неудобно держать в руке. В процессе работы сколы с поверхности попадают на холст.

Форма кисти

Все кисти по форме цоколя можно разделить на три группы.

  • Первую группу составляют круглые кисти, цоколь которых выполнен в виде цилиндра.
  • Обойма плоских кистей сильно сплющена. В профиль она представляет собой прямоугольник с длиной короткой стороны около 2-3 мм. Так как цоколь задает форму пучка, то толщина пучка тоже не превышает 3 мм у основания.
  • Сжатые кисти – промежуточный вариант. Их цоколь сплюснут до толщины в 5–6 мм.

Кисти каждой из групп востребованы и служат для выполнения определенных задач. С помощью плоской кисти художник делает наброски. Кисть оставляет широкий, но не слишком фактурный мазок. Ими обычно пишут этюды большого формата.

Для получения же фактурных мазков используют сжатые кисти. Своеобразный пучок овального сечения хорошо набирает краску и отдает ее впоследствии на холст.

Художники выбирают данный тип кистей за то, что ими удобно на палитре смешивать краски так, чтобы они перемешивались не до конца.

В итоге получаются оттенки, придающие этюдам большую выразительность. Круглые кисти служат для прорисовки мелких деталей в заранее подготовленную композицию. В арсенале опытного живописца присутствуют все разновидности кистей.

Здесь же целесообразно рассмотреть разновидности кончика волосяного пучка, так как от него тоже зависит форма. Пучок круглых кистей обычно заострен или выполнен в виде овала. Заостренный кончик получается, если несколько волосков сходятся в один жгутик. При помощи острых пучков художник прорисовывает тонкие линии. Варьируя усилием нажима, живописец изменяет толщину линии.

Тонкие пучки обычно применяют для формирования обводок, для подчеркивания или вписывания элементов с высокой степенью точности.

Овальная кисть приспособлена для растушевки и формирования объема. Плоские кисти также делятся на несколько видов. Бывают пучки с квадратным и прямоугольным профилем, с овальным профилем и со скругленными углами.

Новичку вряд ли поможет такая градация, а опытный художник может получать различные эффекты, варьируя силуэтами мазка. Квадратный профиль пучка востребован при написании пейзажей и натюрмортов, так как дает «рваный» характер.

Скругленные углы добавляют деликатности мазкам. Такой кистью рисуют фигуры людей и животных. Для рисования портретов используют овальные кисти, так как с их помощью можно наносить мазки друг на друга, как бы втирая один в другой.

Размер кистей

Единого стандарта для размеров, к сожалению, нет, так как разные производители вводят свои собственные шкалы. Они не соответствуют друг другу ни по абсолютным значениям, ни по диапазонам.

Объединяет шкалы лишь то, что с увеличением порядкового номера увеличивается размер волосяного пучка. В продаже можно встретить кисти с номерами «0» и «00». Такие кисти практически не применяются в живописи, а используются в художественной росписи.

Чтобы создать полноценное художественное произведение, понадобятся кисти разных размеров. Если в одной картине встречаются мазки разных размеров, то это говорит о профессионализме художника и о высоком качестве его творения. Рисовать начинают большими кистями.

Номера их размеров лежат в диапазоне от №20 до №30. Такими кистями формируется цвето-тональная основа. Конкретные объекты прорисовываются среднеразмерным инструментом (№10 — №20). Детализация подразумевает применение кистей №3 — №10, а самые тонкие пучки применяются для обрамления, обозначения краев объекта, прорисовки уголков глаз и бликов. Можно заметить, что в нумерации плоских кистей есть своя особенность, заключающаяся в отсутствии нечетных номеров. Обычно плоская кисть является круглой кистью с расплющенным цоколем.

При сжимании круглой кисти №1 практически получается плоская кисть №2, а при сжимании круглой №2 получается плоская №4, но может получиться и №3. Чтобы избежать путаницы и большого числа размеров, у плоских кистей убрали нечетные номера.

Специальные кисти

Как было уже сказано выше, большинство художественных работ формируется при помощи нескольких видов кистей, среди которых есть как круглые, так и плоские варианты.

Но иногда приходится применять специальные кисти.

Они не так часто востребованы, но незаменимы при создании определенных визуальных эффектов.

  • Ретушные кисти. Ретушные кисти используют для получения сверхточного мазка. Они похожи на обычные плоские кисти, но пучок срезан не под прямым, а под острым углом. Специфическая форма кончика позволяет художнику изменять толщину рабочей области пучка. Острыми волосками удается закрасить труднодоступные места в картине или прорисовать тонкие контуры.
  • Трафаретные кисти. Волосяной пучок трафаретной кисти достаточно плотный и тугой. Он представляет собой цилиндр и отличается тупым плоским кончиком. Трафаретная кисть удобна в использовании при нанесении краски методом вертикального удара. К такому методу прибегают при прорисовке через трафарет. Помимо данного назначения трафаретную кисть используют при лессировках.
  • Кисти Флейц. Обрабатывать большие площади удобно кистями с широким пучком. Кисть Флейц относится к плоским кистям. Она предназначена для свободной заливки или для формирования широких мазков на больших форматах. Так как волосяной пучок Флейц способен удерживать влагу, то его выбирают при работе с акварелью.
  • Веерные кисти. Веерная кисть также относится к плоским кистям, но отличается негустым пучком, волоски которого расположены веером. Веерной кистью удобно растушевывать нанесенные на холст краски. Художники широко применяют веер для цветовой растяжки. При достаточно мягком пучке можно смешивать цвета прямо на холсте. Работа веером востребована в абстрактной живописи, в написании портретов и пейзажей. Смягчение фактуры и контрастов дает оригинальные визуальные эффекты.
  • Кисть Моп. Кисть Моп называют шваброй по той причине, что ее пучок способен впитать огромное количество краски. Она принадлежит к круглым кистям, а пучок сделан из натурального волоса. Кончик пучка полукруглый и очень мягкий. Такой кистью можно не только наносить краску и влагу на основу, но и убирать лишнюю влагу с холста.
  • Шлепперы. Шлепперы или шрифтовые кисти можно отличить по внешнему виду. Это тонкие кисти с длинным пучком, имеющим заостренный кончик. Обычно они применяются при нанесении надписей, тонких окантовок и при создании подсветки. В длинном пучке скапливается много краски, поэтому есть возможность вести длинную линию без отрыва и без наполнения кисти.
  • Лайнеры. Ворс кисти Лайнер тоже образует длинный пучок. Его длина может достигать 25 мм. Но в отличие от шлеппера, пучок лайнера тонкий только на кончике. Эти кисти применяются в аэрографии. Ими удобно подчеркивать контуры или формировать линии одинаковой толщины. Регулируя усилие нажима, художник получает возможность рисовать линии разной толщины. Относительно толстый пучок в районе цоколя является резервуаром для краски.

Как выбрать подходящую кисть?

Ответ на вопрос «Как выбрать подходящую кисточку?» очень сложен и, в тоже время, прост. Для создания хорошей композиции понадобится целый набор кистей. Универсального инструмента для художника просто не существует.

Соответственно, прежде чем сделать свой выбор, необходимо наперед проанализировать все методики, которые будут применяться при создании вашей работы или написании рисунка.

Первый критерий – тип полотна и тип краски с которыми будет работать художник. Здесь можно запомнить одно простое правило – с густыми и тяжелыми красками удобнее работать при помощи жестких кистей (синтетические или щетинные). Акварель или гуашь наносятся на холст при помощи мягких кистей.

От выбранных методик зависит форма волосяного пучка. Перечислять все методики нет необходимости. Кроме того, приведенные выше примеры являются лишь частным видением. Каждый художник реализует тот или иной метод своими средствами.

Необходимо подбирать кисть так, чтобы руке было комфортно.

Ее движения ничто не должно стеснять. От свободного взмаха зависит судьба всей картины. Кисть должна быть увесистой, но не тяжелой. Что же касается длины древка, то в данном вопросе нет единого мнения. Выбор кисти основывается лишь на личных предпочтениях мастера.

Наконец, ценовая категория для многих начинающих живописцев является определяющим фактором. Художники со стажем этот критерий не рассматривают совсем, так как им важнее качество, нежели стоимость.

Они отмечают, что кисть с хорошим и ровным ворсом, отличающаяся долговечностью, с удобным древком, покрытым лаком, не может стоить дешево, поэтому на покупке инструментов сэкономить не получится.

 

Какие кисти выбрать для рисования и творчества? Читать дальше »

ТОП-10 профессий будущего для художников

Где и как, мы бедные художники и творческие люди, можем заработать!? Если у нашей деятельности будущее!?  Ответ на оба вопроса однозначный «ДА». Будущее есть — его не может не быть….

Новые модные течения в искусстве, материалы, формы создает природа и сам человек, а современные технологии лишь помогают нам реализовывать себя и хорошо зарабатывать на своем хобби и увлечениях. Ни одна технология не сможет заменить художника, его вдохновение, создать сложную творческую работу и создать что-нибудь такое этакое от чего все будут в восторге.

Поэтому, если посмотреть в прошлое, оценить настоящее и, соответственно, заглянуть в будущее, то без нас — художников — никуда, так как наше творчество создает нечто такое, чего не было и не существовало ранее.

Уже сейчас, как и в будущем, если получить необходимые знания, опыт и имея творческий потенциал, можно реализовать себя и зарабатывать  на хорошо оплачиваемой работе. А хорошо оплачиваемая профессия — это залог успеха, стабильности и прекрасной жизни!

ТОП-10 профессий будущего для художников

1. CONTEMPORARY ARTIST

Надеюсь, всем знакомо искусство последних десятилетий Contemporary art !? Актуальное искусство, немного шокирующее (Прим. Какое искусство не шокировало обывателей, современников эпохи?), но содержащие в себе смыслы и использующее неординарные формы, сочетания, техники, нестандартные и смешанные материалы для передачи этого смысла.

И так, открывает рейтинг ТОП-10 современных профессий будущего художник, генерирующий историю актуального современного искусства. Возможности для реализации и воплощения идей безгранично. В каждой эпохе были яркие творцы и художники, первооткрыватели, которые создали уникальные и неповторимые шедевры.

На этой профессии можно заработать миллионы!!!

2. ДИЗАЙНЕР

Неоспоримое второе место, а может быть и первое, занимает популярная профессия дизайнера. Если объективно смотреть и оценивать перспективы будущего, дизайнер одна из самых креативных профессий и сфера применения обширная. В настоящее время уже многие художники подрабатывают на оказании услуг дизайнера и зарабатывают хорошие деньги. Дизайнерские услуги используются практически везде: дизайн квартир, разработка логотипов и бред-буков, ландшафтный дизайн, принты для футболок, тканей, одежды, дизайнеры мебели, моделирование и дизайн автомобилей и самолетов, мебель, игрушки и так далее. Можно долго перечислять места где можно заработать деньги и занять свою нишу, работая дизайнером.

3. GAME-ХУДОЖНИК или VR-ХУДОЖНИК

Третье место профессий  настоящего и будущего занимает художник игровой графики. Гейм-индустрия и виртуальная реальность продолжает набирать обороты и все больше и больше разрабатывает компьютерных игр и, как следствие, зарабатывает много денег. А нам, «бедным» game-художникам и VR-художникам, только и остается рисовать персонажей, прорисовывать окружение (локации). А также  участвовать в разработке концепта игр, дизайна, игрового пространства.

За game- и VR-художниками будущее, но чтобы хорошо зарабатывать, придется освоить компьютеры и современные программные продукты.

4. ИЛЛЮСТРАТОР

Четвертое место в ТОП-10 профессий будущего тесно связано с game-художниками, или наоборот, сначала были иллюстраторы, а потом из них немного трансформировались в game-художников.

Каждый художник работает в определенном жанре, стиле и манере, а главное в определенном временном режиме. Современные технологии позволяют художнику работать удаленно и самостоятельно определять и создавать изображения с повествованием для определенной темы и среды. В любое время дня и ночи искать способы передать чувства, настроение и контекст на заданную тему Заказчика. И поле деятельности для творчества огромное, главное найти себя. Создавать бренды или иллюстрировать литературное произведение, каталоги, бумажные или цифровые книги, материалы, сайты, а так же нецелевые и пикантные иллюстрации, загружаемые на стоки… Это не весь спектр, на котором можно заработать деньги художнику-иллюстратору.

5. АНИМАТОР или МУЛЬТИПЛИКАТОР

Несколько лет и в будущем лидером популярных профессий для художников будет профессия аниматоры. Видеоклипы, зарисовки, музыкальные клипы, мультфильмы, видеоконтенты блогеров, динамическая реклама — везде применяются услуги аниматоров и мультипликаторов. Для качественной и оригинальной «ожившей» картине, хорошо прорисованного изображения, потребуется художнику-аниматору освоить несколько сложных компьютерных программ.

Даже в настоящее время работа художников-аниматоров и мультипликаторов цениться и дорого оплачивается. За созданием визуальных картинок и видеоконтента будущее. Многие аниматоры и мультипликаторы в последствии выросли в великих режиссеров. Бюджеты видеоклипов, мультфильмов баснословные и исчисляются миллионами долларов.

6. ФОТОГРАФ и ВИДЕОПЕРАТОР

Свадебные съемки, корпоративы, видеосъемка юбилеев, дни рождения, праздники, культурно-досуговые мероприятия, документальная фото- и видеосъемка, рекламная съемка товаров, фоторепортажи и можно очень долго перечислять где часто используются профессии фотографа и видеооператора . Современные технологии и фото- и видеооборудование позволяют профессионально обрабатывать фото и видео любому художнику и творческому человеку, имея минимальный опыт. Главное — это креативных подход и любому можно открыть фотостудию или фотосалон для съемок. Сдавать в аренду помещения арт-студию, сдавать в аренду костюмы и декорации и одновременно оказывать профессиональные услуги фотографа, зарабатывая деньги.

Профессии фотографа и видеооператора большинство людей выбирают как дополнительный заработок, поэтому и большая конкуренция.

7. ПРЕПОДАВАТЕЛЬ ХУДОЖЕСТВЕННОГО НАПРАВЛЕНИЯ

Казалось бы, как такая профессия, как преподаватель могла попасть в ТОП, но если хорошо подумать — кто-то же должен научить рисовать всех тех, кто мечтает о реализации себя в востребованных профессиях?) Ну а если серьезно, современные технологии позволяют собирать «классы» и целые школы учеников не выходя из собственной квартиры. По всему миру существует множество художественных он-лайн школ и их число только растет. Людям больше не хочется тратить время на поход в студию, можно рисовать у себя дома, глядя на уроки преподавателей в записи. Можно открыть youtube и посмотреть мастер-классы любимых художников. И так как монетизация всего и вся позволяет на этом не только стать известным, но и хорошо зарабатывать — это хорошая перспективная профессия для тех, кто нашел себя в передаче знаний другим людям.

8. СТРИТ-АРТ

Украшение рисунками окружающего пространства (осознанное и неосознанное) — одно из древнейших проявлений творческого мышления человека. И по сей день, а так же и в довольно далеком будущем, эта потребность никуда не исчезнет, а с учетом того, как удручающе порой выглядит наша окружающая действительность — художники в качестве декораторов всё еще выступают единственным вариантом внести разнообразие и креатив в обыденные серые будни. Всё чаще городские власти в разных странах позволяют, а иногда и сами заказывают художникам украсить стены домов и целых кварталов картинами невероятной величины. Эти рисунки всё реже расцениваются, как вандализм, и всё чаще влияют на смягчение криминогенной обстановки районов, повышение настроения населению и осознанности в отношении некоторых социальных тем, которые мягко и лаконично затрагивают в своих работах уличные художники.

Так же в теме и 3D-художники, создающие объемные изображения прямо на асфальте. Такие рисунки становятся достопримечательностями городов, привлекают туристов и жителей города в определенные районы, развивают коммуникации. Отличительный плюс этого направления в том, что вам не нужно быть профессиональным художником для того, что бы получить такой заказ, достаточно иметь «портфолио» в виде ранее выполненных подобных работ. Однако ждать такого заказа можно долго, поэтому если вы имеете склонность к такому творчеству, самостоятельно узнавайте о фестивалях, а так же городских заказах и заявляйте о себе — на самом деле таких художников не так уж и много.

9. РЕСТАВРАТОР

Как ни крути, а всё имеет свой срок. И предметы искусства тоже не вечны. Однако, желание владеть редкими шедеврами накладывает ответственность за их сохранность. И именитые галереи, а так же обеспеченные частные коллекционеры не перестанут выкладывать звонкую монету за профессиональное восстановление полотен, скульптур, книг и прочих ценных экземпляров своих коллекций. Быть искусным реставратором почётно, сложно, интересно и прибыльно. А учитывая многовековую историю миллионов артефактов, можно быть уверенным, что реставратор — даже теперь — несомненно, профессия будущего.

10. АРТ-КОНСУЛЬТАНТ (ГИД, КУРАТОР, МЕНЕДЖЕР)

Не удивительно, что в таком количестве разных профессий по незнанию можно и запутаться. А что если вы хотите приобрести произведение искусства в качестве долгосрочной инвестиции, но не знаете, на что можно обратить внимание? Или вы — галерея, аукцион или профессиональная он-лайн платформа, для которой хотите найти сотрудника, который виртуозно во всём разбирается, способен организовать выставку или галерейную встречу? Или вы — художник и хотите узнать тренды и мотивы современности, чтобы начать творить в духе актуального? К кому обратиться в таком случае? Конечно к человеку, который не только подскажет, на что смотреть и куда нести свои деньги, но и свяжет вас с нужными людьми, расскажет о предстоящих событиях в мире искусства, предостережет в случае юридических опасностей и всячески поможет, чтобы вам было легко и просто разобраться в дремучем творческом мире.

А если вы сами хотите стать таким человеком на вес золота (в самом прямом смысле, только начальная зарплата такого профессионала в Европе колеблется от 1,5 до 3 млн.р/год) — необходимо иметь знания современного изобразительного искусства, уметь эффективно ими делиться, планировать, организовывать, проводить презентации и маркетинг выставок, знать юридические аспекты работы в сфере искусства, разбираться в мировых тенденциях и уметь заглядывать в будущее. Ну и конечно, в совершенстве владеть как минимум английским языком.

Есть много интересных и разных профессий для художников.

Творческих успехов вам в поиске профессии своей мечты и реализации себя!

ТОП-10 профессий будущего для художников Читать дальше »

Аукцион или Fix-price: Что лучше для реализации творческих работ?

Как ни странно, но ответа на данный вопрос нет…. А почему?

Надеюсь, что все знают, что такое аукцион. Аукцион — это торги на повышение или понижение стоимости товара, работ или услуг. Если коротко, то это рынок с определенными правилами и условиями договоренности о цене, где есть товар и есть купец.

Магазин, а для творческих людей более понятно — Арт-галерея или по модному Art Gallery, там обычно выставляются и продаются произведения искусства по фиксированным ценам, или коротенько и нам уже привычно Fix-price. В магазинах, впрочем и везде, важен оборот и, поэтому часто делаются скидки (это слово на иностранном языке нам тоже знакомо — SALE).

Галереи искусств, салоны, красиво и со вкусом презентуют Ваши картины, делают привлекательные витрины, чтобы привлечь Покупателей, но и … В настоящее время время скоротечно и современные технологии позволяют нам немного лениться, то есть не гулять по выставкам, арт холлам, современным пространствам искусства, и, как следствие, все больше людей выбирают интернет-ресурсы для выставления своего творчества напоказ и продажу. А попробуй найти среди всего разнообразия своего единственного творца и, с другой стороны, своего мецената и ценителя именно твоего творения.

А если по сути, то никто никогда не знает где встретит своих почитателей, которые смогут позволить приобрести или поддержать творческого человека. Многие художники дарят свои картины в музеи, чтобы остаться в истории, и их признавали спустя много лет. А что уж говорить про моду и ажиотаж, по-моему часто псевдоискусства… Вспомните за сколько миллионов долларов был продан кусок мяса акулы.

Но в данной статье хотелось найти ответ на вопрос «Что лучше для реализации творческих работ?»

Попробуем ответить лаконично и банально:

  1. Талант
  2. Фортуна
  3. Друзья
  4. Нескромность (не надо стесняться творить и показывать свои творения миру)
  5. Труд
  6. Бескорыстность (дарить указанным в п.3 и детям свои художественные произведения)
  7. Жизнь

Используйте всевозможные  современные инструменты продвижения и продажи своих картин, декоративно-прикладных изделий, поделок, игрушек, дизайнерских работ, расписных и ювелирных изделий. Моделируйте, шейте, вяжите, плетите бисером, рисуйте, пишите, стройте, пилите, творите, а друзья вам помогут и расскажут своим друзьям, а те в свою очередь своим друзьям, о Вас и ваших увлечениях и хобби.

А как и где лучше продавать свои работы, выбирать только вам: или на аукционных торгах, торговых площадках, по фиксированной цене. Торг уместен везде.

Аукцион или Fix-price: Что лучше для реализации творческих работ? Читать дальше »

Интернет-магазины для художников: Обзор лучших магазинов для творчества

Здесь вы найдете ссылки и описание магазинов, где можно купить наборы для творчества: бумагу и карандаши разных фирм, акварель и масло, мольберты и этюдники.

Конечно, уровень этих магазинов товаров для творчества различен. Какие-то существуют как реальные крупные магазины для творчества в Москве или Санкт-Петербурге, и у них бывают даже собственные линейки товаров, они проводят регулярные акции и скидки, а какие-то живут только в интернет-пространстве.

1. Интернет-магазин “АРТ-КВАРТАЛ”  https://artkvartal.ru/

2. Интернет-магазин  “КРАСНЫЙ КАРАНДАШ”  http://krasniykarandash.ru/

3. Интернет-магазин “ПЕРЕДВИЖНИК” http://www.peredvizhnik.ru/

4. Интернет-магазин “КРАСКИ-КИСТИ”  https://www.kraski-kisti.ru/

5. Интернет-магазин “FOR ART”  http://www.for-art.ru/

6. Интернет- магазин “ЭТЮД”  http://www.etudesite.ru/

7. Интернет-магазин “АРТЛАВКА”  https://www.artlavka.ru/

8. Интернет-магазин “ЛАБОРАТОРИЯ ХУДОЖНИКА”  http://artists-lab.ru/

9. Интернет-магазин “ЧЁРНАЯ РЕЧКА”  http://www.artmaterial.ru/

10. Интернет магазин “ArtSklad”  https://artsklad.ru

11. Интернет магазин “Две Краски”  https://2kraski.ru/

12. Интернет-магазин “Палитра красок”  http://artistcolor.ru/

13. Интернет-магазин “Art Bytik”  http://artbytik.ru/

14. Интернет-магазин “ARTPROFY”  http://www.artprofy.ru/

15. Интернет-магазин “Pro ARTists”  http://proartists.ru/

16. Интернет-магазин  “Арт Этюд” http://www.artetud.ru/

17. Интернет-магазин “Коллаж”  http://artkollage.ru/

18. Интернет-магазин “ВикАрт-Мольберт”  http://vikart-molbert.ru/

19. Интернет-магазин  “Нарисуефф”  http://magazinhudozhnik.ru/

20. Интернет-магазин “Fine Art”  http://www.cosyma.ru/

21. Интернет-магазин “Self-made Shop”  http://www.selfmadeshop.ru/

22. Интернет-магазин “Artsnab”  https://артснаб.рф/

23. Интернет-магазин “Все подрамники”  https://vsepodramniki.ru

24. Интернет-магазин “Леонардо”  https://leonardo.ru

Интернет-магазины для художников: Обзор лучших магазинов для творчества Читать дальше »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх