Полезная информация

Пещеры и наскальные рисунки

Некоторым из самых известных в мире наскальных рисунков уже десятки тысяч лет. Несмотря на то, что людей, живших в эти эпохи, считали «доисторическими» или же попросту «пещерными людьми», многие из этих набросков демонстрируют впечатляющее творчество и мастерство тогдашних обитателей планеты Земля. Конкретных, универсальных теорий о предназначении всех этих древних рисунков не существует. Было ли у доисторических людей стремление к самовыражению? Хотели ли они сделать исторические зарисовки для будущих поколений? Или же они просто пытались общаться с другими такими же людьми, использовавшими данные пещеры в качестве убежища?

Из-за защищённой подземной среды многие наскальные рисунки находятся в удивительно хорошем состоянии. К великому сожалению, некоторые из наиболее популярных пещер пришлось закрыть, потому как большое количество посетителей изменило условия внутри пещер, что привело к выцветанию рисунков или росту плесени. Тем не менее, десятка нижеприведённых подобных мест всё ещё пытается предлагать посетителям увидеть воочию эти реликвии древней человеческой жизни.

Пещера Ласко

Рисунки в пещере Ласко на юго-западе Франции старейшими образцами искусства в мире не являются, но считаются одними из самых потрясающих. На картинах, написанных примерно 17 000 лет назад, изображаются крупные животные, такие как быки и лошади, обитавшие в этой части Европы в эпоху палеолита. Изображения были обнаружены группой подростков в 1940 году, а в 1979 пещера была внесена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Пещера Ласко

К сожалению, в настоящее время Ласко закрыта для широкой публики, наскальные рисунки стали неумолимо выцветать, а внутри самой пещеры была обнаружена плесень. Любопытным путешественникам придётся довольствоваться копией самого большого пещерного зала, имеющего название «Ласко II», она находится примерно в 200 метрах от настоящей пещеры. В наши дни предпринимаются серьёзные усилия по защите оригинальных картин от их дальнейшего выцветания.

Пещера Пловцов

Туристы могут увидеть оригинальные наскальные рисунки в другом известном месте – пещере Пловцов. На этих картинах изображаются плавающие люди, но сама пещера располагается в одном из последних мест на планете Земля, которые вы могли бы ассоциировать с водной деятельностью – она находится в пустыне Сахара в Египте, неподалёку от границы с Ливией. Некоторые учёные предполагают, что в доисторические времена в этом районе располагалось большое озеро или река, но в дальнейшем регион подвергся опустыниванию.

Пещера Пловцов

Многие люди могут быть знакомы с этой пещерой не понаслышке, дело в том, что она была показана в художественном фильме «Английский Пациент» (1996 год). Некоторые части пещеры всё же были повреждены посетителями, но местные власти приложили серьёзные усилия для обучения гидов, дабы те могли удерживать туристов от продолжения роста дальнейшего ущерба. Из-за своей удалённости небольшое количество людей действительно может посещать эту пещеру. К слову сказать, она является одной из многих в этом районе, где есть древние рисунки.

Пещера Альтамира

Наскальные рисунки были найдены по всей длине пещеры Альтамира, располагающейся в северной части Испании – примерно в 32 километрах от города Сантандер, автономное сообщество Кантабрия. Учёные полагают, что картины, выстроившиеся вдоль километровых проходов, создавались на протяжении долгих 20 000 лет, а некоторые исследователи и вовсе считают, что самые древние изображения были сделаны самими неандертальцами.

Пещера Альтамира

По всей видимости, пещера была запечатана камнепадом, поэтому все рисунки так идеально и сохранились. Раскупорили пещеру лишь в 1880-ых годах. Потребовались целые десятилетия, чтобы убедить скептиков, считавших, что древние люди не были достаточно изощрёнными, чтобы создавать подобные картины, что изображения действительно относятся к доисторическим временам. Из-за выделяемого при дыхании посетителей углекислого газа, картины Альтамиры начали тускнеть. В наши дни большинство людей бродят по точной копии пещеры, однако совсем недавно попечители Альтамиры стали впускать ограниченное число туристов и в настоящую каменную галерею. Их не смутили опасения некоторых экспертов, которые считают, что даже ограниченное еженедельное посещение может испортить все художества древних людей.

Наскальное Искусство Национального Парка «Какаду»

Национальный парк «Какаду» в малонаселённой Северной части Австралии содержит в себе одни из лучших сохранившихся образцов наскального искусства, созданных коренными народами Австралии. Картины находятся под выступами скал, где, скорее всего, люди прошлого укрывались от непогоды. Считается, что некоторым изображениям не менее 20 000 лет.

Наскальное Искусство Национального Парка «Какаду»

Эти картины рассказывают историю жизни человека в Австралии ещё с доисторических времён и вплоть до первого контакта с некоренными поселенцами и исследователями. Для многих из этих древних художников акт рисования считался более важным, чем само полученное изображение. Именно по этой причине некоторые из старых картин парка позднее были закрашены новыми эскизами.

Пещера Магура

Пещера Магура в Болгарии содержит в себе картины, сделанные между 8 000 и 10 000 лет назад. Считается, что на этих изображениях можно увидеть фестивали, другие важные события и божеств, уникальных для древних Балкан. Есть также свидетельства существования солнечного календаря – одного из старейших из когда-либо обнаруженных на нашей планете. Изучив все рисунки, учёные обнаружили, что они были нарисованы при помощи гуано летучих мышей, иными словами – из частично разложившихся остатков их помёта.

Пещера Магура

В настоящее время посетители могут увидеть некоторые из картин во время посещения пещеры, хотя для этого необходимо заранее заказать экскурсию и заплатить дополнительный взнос. Только таким образом можно увидеть все камеры, в которых находятся эти рисунки.

Пещера Рук

Один из самых интересных образцов доисторического искусства можно разыскать в Аргентине, а точнее в одном из регионов страны под названием Патагония. Метко названная Куэва-де-лас-Манос (она же Пещера Рук) имеет очертания нескольких человеческих рук, которые были нанесены на каменную стену при помощи трафарета. В пещере имеются и другие картины, большинство из которых изображают диких животных и охоту на них.

Пещера Рук

Отпечатки ладоней и другие изображения были сделаны более 9 000 лет назад. Большинство трафаретов сделаны левой рукой, что может рассказать нам о том, что художники сами делали все эти рисунки, используя какую-то трубку для краски, которую держали в правой руке. Из устройства краска выдувалась на левую руку и растекалась вокруг неё. Экскурсии по пещере доступны для всех, главное, это добраться до данного отдалённого места.

Скальные Жилища Бхимбетка

Скальные жилища Бхимбетка в штате Мадхья-Прадеш, Индия, содержат в себе одни из старейших наскальных рисунков на территории Южной Азии. Несмотря на огромное количество прошедших лет, все изображения прекрасно сохранились. По оценкам специалистов, самые старые экземпляры были нарисованы примерно 30 000 лет тому назад.

Скальные Жилища Бхимбетка

Некоторые из изображений намного моложе, а самые новые из них были созданы буквально недавно – в эпоху Средневековья. Собрать воедино произведения искусства от доисторических эпох до средних веков в одном месте – это большая редкость и действительно огромная удача. Жилища, являющиеся частью списка Всемирного наследия ЮНЕСКО, открыты для посещений ежедневно.

Карстовые Пещеры в Маросе и Панкепе

Карстовые пещеры в Маросе и Панкепе располагаются на острове Сулавеси, что в Индонезии, и привлекают к себе большое внимание, поскольку по оценкам, основанном на недавнем углеродном анализе, найденным здесь изображениям примерно 40 000 лет. Если датировка верна, то это будет означать, что местные художники делали свои картины раньше, чем европейские пещерные жители.

Карстовые Пещеры в Маросе и Панкепе

В карстовых пещерах имеются изображения рук, подобные тем, что можно встретить в аргентинской пещере, о которой написано выше. Также тут присутствуют фигурки животных. Люди могут посетить пещеру в рамках тура, который также включает в себя остановки у интересных скальных образований, найденных в окрестностях пещер.

Педра-Фурада / Камень с Отверстием

Вокруг Педра-Фурада, что на северо-востоке Бразилии, было обнаружено более 1 000 рисунков. У учёных эти места вызывают споры, некоторые из них считают, что люди, которые там проживали, пришли в этот регион ещё до так называемого племени Кловис. Большинство экспертов по предыстории считают, что именно члены племени Кловис стали самыми первыми людьми, поселившимися в Америке.

Педра-Фурада / Камень с Отверстием

В районе Педра-Фурада, который является частью Национального парка Серра-да-Капивара, находятся сотни археологических памятников. Более полутора сотен из них, в том числе некоторые места с наскальными рисунками, открыты для широкой аудитории.

Пещерный Комплекс Лас-Гель

Произведения искусства на скальных стенах пещерного комплекса Лас-Гель находятся за пределами Харгейсы – столицы автономного региона под названием Сомалиленд. При этом они уже очень давно известны местным жителям. Однако весь мир обратил на них своё внимание только после того, как в начале 2000-ых годов этот комплекс начали изучать французские археологи.

Пещерный Комплекс Лас-Гель

Картины, и по сей день остающиеся довольно яркими из-за местного засушливого климата, имеют возраст от 5 000 до 11 000 лет. На рисунках изображаются как люди, так и животные. Сомалиленд, расположенный к северу от нестабильного государства Сомали, относительно безопасен для посещения, хотя его туристическая индустрия находится только на самых ранних этапах развития.

Пещеры и наскальные рисунки Читать дальше »

Эпоха бронзового литья в России: А. Герен, Феликс Шопен и Карл Берто

Эпоха расцвета бронзового литья в России связана с фабрикой Феликса Шопена в Петербурге и с именами трех французов А. Герена, Ф. Шопена и К. Берто.
В 1805 году, во время царствования Александра I, в Петербург приехал Александр Герен и на Васильевском острове основал собственное дело: бронзолитейную мастерскую, которая впоследствии стала крупным производством, сыгравшим значительную роль в развитии художественной промышленности и декоративно-прикладного искусства России.
А. Герен был тесно связан с кругами парижских бронзовщиков. Одним из его французских компаньонов был мастер Жюльен Шопен. В начале 1810-х годов по запросу А. Герена Ж. Шопен прислал из Франции мастеров (литейщиков, чеканщиков, позолотчиков), необходимое оборудование и инструменты, благодаря чему мастерская была прекрасно оснащена и стала образцом для других предпринимателей в этой области.
Ж. Шопен в Россию для мастерской А. Герена поставлял модели известных скульпторов того времени, например, Томира. На Первую российскую мануфактурную выставку 1829 года А. Герен представил чисто французскую ампирную бронзу с аллегориями, мифологическими фигурами и вакханками и изготовил бронзовую оправу для стеклянной вазы работы Императорского стеклянного завода.
Уже в середине 1820-х годов А. Герен смог открыть собственные магазины в Петербурге на Большой Морской, а позже и в Москве на Тверской улице. В магазинах продавалось небольшое количество уже готовых изделий, которые можно было приобрести сразу, но основная часть работ выполнялась под заказ.


А. Герен выпускал в России дорогостоящую бронзу, взяв за пример практику, сложившуюся во Франции: о запущенных в производство моделях сообщалось в прейскуранте мастерской или фабрики и клиент мог заказать понравившийся образец. Прейскурант 1831 года предлагал настольные лампы, канделябры с экранами, люстры и часы, в том числе и часы с композицией «Кориолан и Волумния», по известной модели Томира.В 1838 году на должность управляющего мастерской А. Герен пригласил сына его парижского компаньона Феликса Шопена, которого в России называли Феликсом Юльяновичем. И уже в 1841–1842 годах мастерская вместе с магазинами перешла во владения Ф. Шопена. С Васильевского острова мастерская была переведена в центр Петербурга на Большую Морскую. Наследник А. Герена — Ф. Шопен, обученный на опыте парижских бронзовщиков, получив процветающую, хорошо оснащенную мастерскую, быстро расширил ее и превратил в фабрику.
В отличие от А. Герена Ф. Шопен сразу понял, какую пользу делу приносят всероссийские мануфактурные выставки, и с самого начала своей деятельности участвовал практически во всех выставках XIX века.
24 мая 1843 года в Москве открылась 7-я выставка Российских мануфактурных изделий, на которой отдельно были выделены изделия из металла: в 11 зале выставки экспонировались «все металлические, мебель, музыкальные изделия, физические и математические инструменты и все предметы высшей роскоши». На этой выставке фабрика Ф. Шопена получила золотую медаль за высокое качество интерьерной бронзы. Среди образцов работ был представлен бюст, демонстрировавший первый в России самостоятельный опыт использования метода гальванического золочения. Скорее всего, первый опыт использования метода гальванического золочения был еще несовершенным, поэтому в 1844 году этот процесс повторили вновь в присутствии самого изобретателя, профессора Б. С. Якоби. Вызолоченная новым методом крупная фигура Ники впоследствии вновь экспонировалась на Лондонской выставке промышленных работ 1851 года. Ф. Шопен первым из русских бронзовщиков освоил метод гальванозолочения и с конца 1840-х годов широко применял его в своей практике.
В 1847 году мастер серебряных и бронзовых дел фабрикант Ф. Шопен присовокупил к бронзовому заведению чугунно-литейный завод со слесарными мастерскими для изготовления чугунных и железных украшений, преимущественно для строений, как то: подъездов, балконов, решеток и каминов, а также для отливки разных машин и снарядов.
Фабрика Ф. Шопена выполнила ряд работ и список ее заказов весьма внушителен: работы для интерьеров Зимнего дворца, гигантские монументальные двери для Исаакиевского собора в Петербурге и храма Христа Спасителя в Москве, осветительные приборы и интерьерная бронза для Большого Кремлевского дворца (1845–1849), люстры, часы, канделябры для Мраморного дворца (1849), бронза для Собственного дворца цесаревича в Петергофе (1850), люстра для Гатчинского дворца (1851), различные бронзовые оправы для изделий Императорских фарфорового и стеклянного заводов и Петергофской гранильной фабрики (1843–1886), часы с фарфором для Царскосельского дворца (1857). Кроме того, наряду с другими придворными фабрикантами Ф. Шопен занимался такими мелкими работами для императорского двора, как оконная и дверная фурнитура, доделывал вещи из других материалов, ремонтировал старые изделия, изготавливал всякого рода украшения из бронзы, цинка и серебра, памятники, столовые приборы и церковную утварь.


На Всероссийской промышленной (мануфактурной) выставке 1849 года в Петербурге фабрика Ф. Шопена представила большую серию из 63, выполненных в натуральную величину, бюстов русских князей, царей и императоров от Рюрика до Павла I. Обнаруженные Ф. Шопеном в 1840 году мраморные бюсты были весьма далеки от исторических прототипов, поскольку в конце XVIII века, по заказу генерала Корсакова, их сделал довольно известный итальянский скульптор Агостино Пенна (ум. в 1800 г.). Агостино Пенна работал в Риме над оформлением церквей и в России никогда не бывал. Ф. Шопен добавил к этой серии бюст Александра I, которого не было у А. Пенны.
Какими бы ни были художественные достоинства этих бюстов, в данном случае они отразили становление эпохи историзма в рамках русско-византийских сюжетов и даже зарождение основ будущего «русского стиля». Бюсты вообще играли значительную роль в скульптурном убранстве интерьеров середины второй половины XIX столетия, поэтому Ф. Шопен обращался к этому жанру и позже, отливая бюсты Екатерины II, Николая I и Александра III.
После Крымской войны (1853–1856 гг.) у фабрики Ф. Шопена возникли значительные торговые и финансовые сложности, связаны с общим экономическим положением в стране. С июля по ноябрь 1867 года он писал прошения, в том числе и на Высочайшее имя, чтобы либо ему предоставили правительственную ссуду в размере 100 тысяч рублей, либо у него приобрели фабрику за 160 тысяч для устройства в ее высоких и просторных зданиях городского госпиталя на 300 мест (что предлагала специальная медицинская комиссия еще в 1864 году). Несмотря на все его хлопоты, Министерство финансов отказало Ф. Шопену из-за дефицита государственного бюджета и дабы не создавать прецедентов «подобных же домогательств» со стороны других фабрикантов. Министерство Императорского двора не ответило на прошения Ф. Шопена, но, возможно сделало очередной заказ, который поддержал фабриканта. Лишь так можно объяснить тот факт, что фабрика не только не закрылась, но смогла преодолеть трудности и сохранить свое лидирующее положение.


К началу 1860-х годов имя Ф. Шопена было широко известно. В этом же году Ф. Шопен приобрел во Франции патент на использование специального приспособления, с помощью которого мраморные и бронзовые скульптуры можно было уменьшать до любого размера. Во Франции этот прием, изобретенный еще в 1830-х годах Ашилем Колла, использовался очень широко, и фабриканты тиражировали любую скульптуру в нескольких размерах от самых дорогих фигур в человеческий рост до небольших скульптурных изображений по цене, доступной среднему покупателю.
Первым опытом уменьшения крупных, выполненных в натуральную величину бюстов, до размеров настольной кабинетной скульптуры на фабрике Ф. Шопена стал бронзовый бюст Петра I. Известно, что этот выразительный портретный образ один из лучших в иконографии великого русского императора, отливался на фабрике Ф. Шопена с 1860 года до конца 1890-х годов в нескольких размерах.

Статуя Екатерины II, отлитая по рисунку М. О. Микешина

На Всемирной лондонской выставке 1862 года его величественная статуя Екатерины II, отлитая по рисунку М. О. Микешина, завоевала медаль за высочайшую технику исполнения. А в 1873 году уменьшенная копия статуи Екатерины II (без постамента) была отлита на фабрике А. Морана и установлена в сквере Петербурга, перед Александринским театром.

В 1867 году Ф. Шопен участвовал в Парижской всемирной выставке, где вновь, уже в уменьшенном виде, выставил свою серию исторических бюстов. После этого он начал небольшими тиражами по «подписке» выпускать эти бюсты, которые уже рассматривались как настольная кабинетная скульптура.
Ф. Шопен стал одним из очень немногих русских бронзовщиков, оформивших патентное право на воспроизводство той или иной модели в течение определенного срока. Ф. Шопен оформил патентное право на исключительное эксклюзивное производство всех бюстов серии на 10 лет. В 1868 году он добавил бюст Николая І. На каждой модели было проставлено круглое патентное клеймо «отъ мф на 10 лет», с датой «1867» или «1868» на некоторых моделях, так как процесс запуска серии в производство был постепенным. На всех последующих отливках, которые могли производиться по этим моделям в течение заявленных 10 лет, проставленное клеймо сохранялось. Поэтому бюсты с подобным клеймом датируются 1867–1877 годами либо 1868–1878 годами. Подобные патентные клейма редко, но все же встречаются на отдельных отливках фабрики К. Ф. Верфеля и некоторых частных мастерских, таких, например, как петербургская бронзолитейная мастерская Антонова.В 1870 году магазин и фабрика были переведены на Обуховский проспект и объединены в одном месте.
В 1870–1880-е годы фабрика Ф. Шопена отливала скульптуры и изготавливала промышленно-художественные изделия по моделям ведущих русских скульпторов, архитекторов и рисовальщиков: Е. А. Лансере́, А. Л. Обер, М. О. Микешин, М. М. Антокольский, Н.А. Лаверецкий, И. А. Монигетти, Г. Боссе, А. Л. Гун, Д. Н. Чичагов, Ф. Ф. Каменский и другие. Благодаря таланту русских мастеров, особенно Лансере́, фабрика Ф. Шопена исполняла превосходные группы предметов, которые известны по всей Европе и Америке.
Многие работы фабрики были единичными отливками, так и оставались выставочными экспонатами. В те времена «шопеновская бронза» служила своеобразным эталоном, «истинным рассадником производства художественной бронзы». Фабрика Ф. Шопена воспитала целое поколение формовщиков, литейщиков, чеканщиков, которые разнесли свои знания и опыт по другим заведениям.
Практически на всей шопеновской скульптуре того периода были клейма. Самые ранние клейма, которые Ф. Шопен начал ставить с начала 1860-х годов, были в латинской транскрипции «Fx Chopin. St. Peters-bourg», в каминных часах их могли ставить на циферблате. Более поздние клейма, 1870–1880-х годов. — «Ф. Шопен» и «отл.Шопен», редко, в случаях заказных работ «отливал Шопен». Еще реже на предмете интерьерного характера можно встретить клеймо «Ф.Ш.». На произведениях Лансере, как правило, имя фабриканта сочеталось с подписью скульптора. Необходимо отметить, что дата, указанная на бронзовой скульптуре, это дата создания модели, тогда как бронзовый отлив этого произведения мог быть выполнен значительно позже.
В 1882 году Ф. Шопен как член Совета торговли и мануфактур получил орден Св. Владимира 3-й степени и был «награжден правом изображения герба за введение в России вместе с бронзовым делом многих новых моделей высокого достоинства, за долговременное существование фирмы и за постоянное стремление к усовершенствованию».
В 1886 году предприятие Ф. Шопена оказалось на грани ликвидации. В написанном в 1886 году отчете француза М. Вашона министру изящных искусств Франции Тюрке о промышленном и художественном кризисе во Франции и Европе отмечалось, что француз Ф. Шопен, в течение почти полувека первенствовавший в России, «ликвидирует свои дела». Но Ф. Шопен с честью вышел из затруднительного положения, пригласив в компаньоны Карла Берто (в России Карл Августович), поскольку доверить свое производство он мог только соотечественнику, прекрасно разбирающемуся в организации большого бронзолитейного предприятия.
В одном из писем в Кабинет его императорского величества Ф. Шопен писал: «Г-н Берто отличный художник, рисовальщик и ваятель, в течение 11 лет сотрудничал с господином Барбидьеном, известным бронзовым фабрикантом в Париже, и участвовал в управлении фабрикой последнего». Ф. Шопен повторил ту схему, по которой сам когда-то прибыл в Петербург в качестве управляющего мастерской А. Герена и затем стал его преемником и продолжателем дела.
В 1888 году Ф. Шопен в возрасте около 80 лет вернулся во Францию. К. Берто выполнял обязанности управляющего торговым домом Ф. Шопена по одним сведениям с 1886-го по 1888 год, по другим вплоть до 1892 года, а в 1893-м стал владельцем фабрики на Воронежской и магазина на Михайловской улицах.

К. Берто, сохранив высокое качество и ассортимент интерьерной и кабинетной бронзы своего предшественника и дополнив его некоторыми привезенными из Парижа моделями скульптур и кабинетных предметов, как и Ф. Шопен, клеймил свои изделия. С 1886-го до 1892 года на отливках фабрики могли ставить клеймо: «отл. Шопенъ и Берто», с 1893 года «Отл. К. Берто», «К. Берто». Возможно, промежуточным клеймом 1893–1894 годов стало редко встречающееся «К. Берто. Б-ший Шопен». Имя Ф. Шопена было настолько известным, что сменить его сразу в написании клейма было невозможно. Скульптуру, предназначавшуюся для экспорта во Францию или для одной из парижских выставок, К. Берто подписывал по-французски.
К. Берто удачно продолжил и традицию участия в промышленно-художественных выставках. Нижегородская выставка 1896 года и две парижские выставки 1889-го и 1900 годов принесли ему золотые медали и звание «Поставщика его Императорского Величества».
В 1903 году К. Берто закрыл фабрику и вернулся во Францию.
Практически все крупные отечественные бронзовщики XIX века были иностранцами. Те, кто из них смог развернуть более или менее крупное дело в России стремился принять русское подданство и получить звание «почетного гражданина», но А. Герен, Ф. Шопен и К. Берто не приняли подданства в России, при этом их труды внесли огромный вклад в развитие русской бронзолитейной промышленности.
Художественные работы фабрики Ф. Шопена приобрели своеобразные российские нотки, оттенок местного колорита, становясь произведениями искусства, которые с полным правом можно назвать русской бронзой — «русским стилем» и широко известны во всем мире. Сегодня художественные изделия фабрики можно встретить во дворцах и музеях, а также в коллекциях любителей изящных искусств и антиквариата.

Эпоха бронзового литья в России: А. Герен, Феликс Шопен и Карл Берто Читать дальше »

100 советов начинающему художнику

100 советов начинающему художнику:

  1. Пишите каждый день.
  2. Пишите до тех пор, пока не почувствуете физическую усталость, потом сделайте паузу и поработайте ещё немного.
  3. Размышляйте.
  4. Если оказались в тупике, присмотритесь к работам знаменитых художников.
  5. По возможности, покупайте лучшие художественные материалы.
  6. Пусть в полной мере проявится ваш энтузиазм.
  7. Найдите средства для собственной поддержки.
  8. Будьте строгим критиком своих работ.
  9. Развивайте умение посмеяться над самим собой.
  10. Пусть стремление к работе войдет в привычку. Начинайте писать с самого утра. Если вы на какое-то время прервали работу, не ешьте. Лучше выпейте стакан воды.
  11. Не берите за точку отсчета свой средний уровень.
  12. Не позволяйте неудачам раздавить себя. Рембрандту не везло. Успех рождается из неудач.
  13. Почувствуйте союзника в каждом стремящемся к успеху художнике.
  14. Не осложняйте. Будьте проще.
  15. Хорошо знайте свое оборудование и надлежащим образом следите за ним.
  16. Куда бы вы ни собирались, всегда имейте под рукой необходимые и готовые к работе инструменты и материалы.
  17. Всегда начинайте работать вовремя, никогда не опаздывайте к началу занятий или на деловые встречи.
  18. стремитесь опережать свой самый плотный график работы. Старайтесь быть лучше данного вами слова.
  19. Общайтесь с настоящими друзьями.
  20. Не завидуйте более талантливым художникам. Просто старайтесь работать на пределе возможностей.
  21. Очень приятно получать премии и награды. Но истинная конкуренция заключается в соперничестве со своим вчерашним результатом.
  22. Позвольте себе потерпеть неудачу, чтобы затем яростно бороться за покорение новой вершины.
  23. Засыпая, думайте о том, с чего в первую очередь вы начнете завтрашний день.
  24. Изучайте работы великих мастеров. Обратите внимание на то, каким образом расставлены акценты на их полотнах; что выделено, а что является второстепенным.
  25. Пользуйтесь минимумом бытовых вещей, без которых не можете обойтись.
  26. Запомните: Микеланджело когда-то был беспомощным ребенком. Шедевры создаются в результате героического труда.
  27. В искусстве нет абсолютно ценных трюков: стремитесь находить свои проблемы.
  28. каждой работе отдавайте самого себя.
  29. Посвятите искусству всю свою жизнь.
  30. Без борьбы прогресса не бывает.
  31. Лучше действовать, чем бездельничать.
  32. Не говорите себе: «Времени нет». У вас ежедневно его столько же, сколько было у выдающихся мастеров.
  33. Читайте. Будьте знакомы с великими идеями.
  34. Чем бы вы ни зарабатывали себе на жизнь, совершенствуйте своё искусство.
  35. Задавайте вопросы. Жадно учитесь.
  36. Вы ученик собственной художественной школы. Кроме того, вы в ней и учитель.
  37. Стремитесь находить художников, чьё мероприятие созвучно вашему и старайтесь постоянно расширять их круг.
  38. Гордитесь своими работами.
  39. Гордитесь самим собой.
  40. Учитесь управлять своими чувствами.
  41. Во время работы над картиной помните, о чем она.
  42. Будьте организованы.
  43. Если у вас неприятности, вспомните о судьбах тех, кто создавал великое искусство.
  44. Выражения типа, «Какой я несчастный!» вам не помогут.
  45. Пытайтесь найти то, чему можно поучиться у больших художников; не нужно искать в их произведениях недостатки.
  46. Всматривайтесь и наблюдайте окружающую жизнь.
  47. Преодолевайте ошибки вашей наблюдательности, подчеркивая контрасты и характерное.
  48. Критики — неудавшиеся художники.
  49. Держитесь подальше от заносчивых и высокомерных художников.
  50. Если вы не можете решить над чем работать дальше, напишите автопортрет.

    Борис Кустодиев
    Групповой портрет художников общества «Мир искусства». 1920

  51. Никогда не говорите: «Это мне не под силу». Подобные мысли мешают потенциальному развитию.
  52. Будьте изобретательны.
  53. Помните: если приложить достаточно усилий, открываются любые двери.
  54. Если искусство представляется чем-то очень сложным, это значит, вы пытаетесь выйти за рамки того, что уже умеете.
  55. Рисуйте всегда и везде. Художник — это, образно говоря, этюдник плюс личность.
  56. В каждой попытке создать прекрасное уже присутствует искусство.
  57. Если вы смогли вложить в работу личное отношение, зритель почувствует это: он станет вашим зрителем.
  58. Деньги — штука хорошая, но в жизни есть более важные вещи.
  59. Старайтесь тратить меньше, чем вы заработали.
  60. Будьте умеренным и самокритичным, но ставьте перед собой самые высокие цели.
  61. Не скрывайте ваши знания. Делитесь ими.
  62. Попробуйте поработать с тем, что вам не по нутру: так вы откроете, истинно своё.
  63. Праздную голову вдохновение не посещает. Оно приходит, когда вы погружены в работу.
  64. Привычка сильнее желания. Если вы сможете выработать у себя привычку рисовать каждый день, вас уже ничто не остановит.
  65. Существует три способа познания искусства: изучать жизнь, людей и природу; изучать великих художников; и писать.
  66. Помните: Рембрандт не был совершенен. Ему пришлось преодолевать посредственность.
  67. Не называйте себя художником. Пусть так вас назовут другие. Звание «художник» ко многому обязывает.
  68. Будьте скромным; учитесь у каждого.
  69. Научить способны только те произведения, которые отняли много сил; часто они же являются любимыми.
  70. Интенсивность цвета относительна. Найдите самый светлый тон и сравните с ним остальные светлые тона. То же самое сделайте с темными тонами.
  71. Выдержка и твердость характера — волшебные составляющие успеха.
  72. Пусть ваша картина сама приветствует зрителя.
  73. Стремитесь обогатить новыми именами круг ваших любимых художников.
  74. Анализируйте произведения художников, которые решают близкие вам проблемы.
  75. Перед демонстрацией работ в галерее настройтесь позитивно.
  76. Не изобретайте оригинальной живописной манеры. Этим вы можете связать себя на всю жизнь. Или, что ещё хуже, вам придется менять свой стиль каждые несколько лет.
  77. Если то, что вы хотите сказать, исходит из глубины ваших чувств, у вас будет свой зритель.
  78. Постарайтесь заканчивать рабочий день с сознанием того, с чего вы начнете работать завтра.
  79. Не завидуйте чужому успеху. Будьте душевно щедрым и поздравляйте других от всего сердца.
  80. Требования, предъявляемые к самому себе, должны быть выше и существеннее требований ваших критиков.
  81. Вкладывайте в картину сердце. А затем и всего себя.
  82. Вермеер мог найти сюжет для большой работы даже в уголке комнаты.
  83. В картинах Рембрандта наиболее важный элемент всегда очевиден.
  84. Если работа какого-нибудь художника остается неизвестной, его вины в этом может и не быть.
  85. Критики не имеют решительно никакого значения. Кто прислушивается к тому, что говорят критики о Микеланджело?
  86. Распределите свой день так, что бы у вас было время писать, читать, тренироваться и отдыхать.
  87. Будьте устремлены ввысь за пределы собственных возможностей.
  88. На стадии завершения картины старайтесь не торопиться.
  89. Согласно так называемой теории последнего дюйма, по мере приближения к концу работы над картиной вы должны собрать воедино все свои ресурсы.
  90. Пишите картину цельно, от крупных участков к мелким.
  91. Воспринимайте участки светлых тонов как форму; теневые участки как форму. Прищурьтесь и найдите крупные, подвижные формы.
  92. Обратите внимание на то, что Рембрандт в портретах снижал до минимума проработку деталей одежды, более тщательно прописывая голову и руки.
  93. Наиболее важным достоинством Рембрандта являлось умение глубоко сопереживать и сострадать.
  94. Выделение какого либо элемента означает, что остальные части картины должны изображаться приглушенно.
  95. Готовясь к работе на пленэре, сначала осмотритесь.
  96. Прорабатывая композицию картины, делайте множество эскизов и старайтесь избегать банального копирования увиденного.
  97. Присмотритесь к колориту и тону шедевров.
  98. Если вы преподаете, используйте индивидуальный подход. Найдите у вашего ученика слабые стороны и помогайте преодолеть их.
  99. Живопись — практичное искусство, использующее конкретные материальные предметы: краски, кисти, холсты и бумагу. Ее неотъемлемой частью является зарабатывание средств к существованию.
  100. И наконец, не будьте снобом от искусства. Большинство художников преподают, занимаются иллюстрированием или работают в сферах, близких к искусству. Смысл заключается в том, что бы выжить.

 

А может не надо слушать советов, а просто делать свое любимое дело и творить!?

Заседание совета художников, Леонид Осипович Пастернак

100 советов начинающему художнику Читать дальше »

Список русский художников, оставивших заметный вклад в оформлении и иллюстрировании книг

Список русских художников, оставивших заметный вклад в оформлении и иллюстрировании книг:

1. Алякринский П.А.
2. Бажанов Д.А.
3.  Белюкин А.И.

4. Бём Е.М.

Большое место в творчестве Елизаветы Меркурьевны Бём занимали иллюстрации. Она оформила полтора десятка книг, среди них – произведения И. Тургенева, Л. Толстого, И. Крылова, В. Гаршина, Н. Лескова, русские народные сказки, сказки для детей.

Е. Бём Сказка «Репка»

5.  Бенуа А.Н.

В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой «Азбука в картинах Александра Бенуа» (1905) и иллюстрациями к «Пиковой даме» А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к «Медному всаднику», трем вариантам которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22).

Страница из журнала «Мир искусства», №1 за 1904 год. Иллюстрация А. Бенуа. 1903

6.  Билибин И.Я.

Известность Иван Яковлевичу Билибину принесли иллюстрации к русским народным сказкам, издававшимся для детей: «Царевна-лягушка» (1901), «Василиса Прекрасная» (1902), «Марья Моревна» (1903). За ними последовали иллюстрации к другим сказкам, былинам, а также к сказкам А. С. Пушкина, среди которых выделялись иллюстрации к «Вольге» (1904) и «Сказке о золотом петушке» (1910).

И. Билибин, Иллюстрация «Сказка о Золотом петушке»

7.  Бисти Д.С.
8.  Бриммер Н.А.
9. Бродаты Л.Г.
10. Бургункер Е.О.
11. Васин А.А.

12. Васнецов В.М.

В академии Виктор Михайлович Васнецов рисовал иллюстрации к сказкам и литературно-педагогическим трудам Николая Столпянского — «Народная азбука», «Солдатская азбука». Виктор Михайлович Васнецов оставил глубокий след не только в области графики и живописи. Он создал целый ряд великолепных росписей, множество оформительских и декоративных работ, выполнил несколько уникальных архитектурных проектов, в число которых вошел и проект его собственного сказочного дома-мастерской.

В. Васнецов «Иван Царевич на Сером Волке»

13. Васнецов Ю.А.
14. Верейский О.Г.
15. Герасимов С.В.
16. Гончаров А.Д.
17. Горяев В.Н.
18. Грозевский Б.В.
19. Двораковский В.Д.
20. Дейнека А.А.

С самого начала художника увлекало изображение человеческих фигур, создание сюжетных работ. Также живописец иллюстрировал басни Крылова. Своеобразная авторская манера уже ярко прослеживается в картине «Футбол», где Александр Дейнека представил полуобнаженных атлетов как мощное единство.

А. Дейнека. «Футбол», 1924

21. Дехтерев Б.А.
22. Добужинский М.В.

Книга «Три толстяка» была написана в 1924 году, но опубликована только в 1928-м. Первым иллюстратором «толстяков» стал Мстислав Добужинский. Издание украшают 25 цветных иллюстраций, выполненных в технике автотипии. За работу над этой книгой художнику был присужден диплом по завершении в Москве большой книжной выставки новинок.

М. Добужинский Обложка «Три толстяка»

23. Дубинский Д.А.
24. Дувидов В.А.
25. Егоров Я.Д.
26. Епифанов Г.Д.
27. Ечеистов Г.Д.
28. Зотов О.К.
29. Ильин Н.И.
30. Каневский А.М.
31. Кардовский Д.Н.
32. Кибрик Е.А.
33. Кирнарский М.А.
34. Клячко М.П.
35. Коган Е.И.
36. Кокорин А.В.
37. Колтунов В.И.
38. Конашевич В.М.
39. Кравченко А.И.
40. Кузьмин Н.В.
41. Кукрыниксы (Крылов П.Н., Купреянов М.В., Соколов Н.А.)
42. Купреянов Н.Н.
43. Курдов В.И.
44. Кустодиев Б.М.

Кустодиев вошел в отечественное искусство как художник праздника, праздничное веселье разлилось в его искусстве бурной и широкой рекой. Художник идеализирует народное гулянье. В его полотнах нет нищих и пьяниц, которые были непременным сопровождением праздников. Он видел это все в жизни: дождь, грязь, слякоть, пьяное мужичье, ужасающие мостовые, но ничего этого не допускал в свое искусство – он творил образ радости.

Борис Кустодиев. Масленица (Масленичное катание). 1919. Холст, масло. 71×98 см. Музей-квартира И. И. Бродского, Санкт-Петербург

45. Кыштымов Б.П.
46. Ламм Л.И.
47. Лансере Е.А.
48. Лебедев В.А.
49. Лео А.Н.
50. Лисицкий Л.М.
51. Лосин В.Н.
52. Маврина Т.А.
53. Маркевич Б.А.
54. Масляненко П.
55. Минаев В.Н.
56. Митрохин Д.И.
57. Мочалов С.М.
58. Нарбут Г.И.
59. Нивинский И.И.
60. Остроумова-Лебедева А.П.

Остроумовой-Лебедевой принадлежала главная роль в деле возрождения в России станковой гравюры на дереве как самостоятельного вида творчества — после долгого существования в качестве репродукционной техники; особенно велика заслуга художницы в возрождении гравюры цветной. Оригинальные приемы обобщения формы и цвета, выработанные ею, были усвоены и использованы многими другими художниками. Основной темой ее гравюр был Петербург, изображению которого она посвятила несколько десятилетий неустанного труда.

Ее цветные и черно-белые гравюры — как станковые, объединенные в циклы («Петербург», 1908- 10; «Павловск», 1922-23, и др.), так и исполненные для книг В. Я. Курбатова «Петербург» (1912) и Н. П. Анциферова «Душа Петербурга» (1920) — до сих пор непревзойденны по точности ощущения и передачи величественной красоты города и по редкому лаконизму выразительных средств. Воспроизводимые помногу раз и но разным поводам, они давно стали хрестоматийными и пользуются исключительной популярностью.

Цветная ксилография «Весенний мотив. Вид с Каменного на Крестовский и Елагин острова». Год создания: 1904

61. Павлинов П.Я.
62. Пахомов А.Ф.
63. Пахомов В.В.
64. Пивоваров В.С.
65. Пиков М.И.
66. Пискарев Н.И.
67. Пожарский С.М.
68. Рачев Е.М.
69. Рерберг И.Ф.
70. Родченко А.М.
71. Седельников Н.А.
72. Степанова В.Ф.
73. Телингатер С.Б.
74. Титов Б.Б.
75. Успенская М.Е.
76. Фаворский В.А.
77. Фишер Г.И.
78. Фомина И.А.
79. Фомина И.И.
80. Хайкин Д.
81. Хижинский Л.С.
82. Чарушин Е.И.
83. Чехонин С.В.
84. Шмаринов Д.А.
85. Юдовин С.Б.

Всего за свою творческую жизнь Соломон Юдовин создал иллюстрации к 60 книгам, семь из которых, по тем или иным причинам, не увидели света. В числе неизданных оказались и его лучшие работы на еврейскую тему: «Еврейский народный орнамент», «Еврей Зюсс» и «Путешествие Вениамина 3-го».

Л. Фейхтвангер «Еврей Зюсс». Иллюстрация

Список русский художников, оставивших заметный вклад в оформлении и иллюстрировании книг Читать дальше »

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст?

Качество будущей картины зависит не только от мастерства художника, выбранных кистей и красок, но и от основы для рисования. Именно этот фактор определяет, насколько комфортно вам будет работать и как долго проживет ваше творение. Холст для живописи – не просто какая-то ткань, это специальный художественный материал, чьи характеристики: основа, ткань, зернистость, плотность, качество грунта, должны соответствовать ряду жестких требований. Далеко не каждое полотно может выдержать вес красок и испытание временем.
Общие правила для выбора идеальной основы вашей картины:

◯  Холст должен быть качественно натянут на подрамник. Не морщиться по углам и не провисать. Если холст натянут правильно, то на ровной горизонтальной поверхности будет лежать плотно всеми четырьмя углами. Если же он качается, то это значит, что он перекошен, от покупки лучше отказаться.

Если холст на подрамнике, то измерьте ширину рейки. У холстов с наибольшей стороной до 50 см, ширина каждой рейки должна составлять не менее 4 см. Для большего размера –минимальная ширина планки не менее 5,5 см. Для объемных – обязательно наличие поперечных планок.

Желательно, чтобы подрамник был модульным, в комплект должны входить специальные колышки для регулировки натяжения холста.

◯ Поверхность ткани должна выглядеть равномерной и без узлов. Обязательно проверьте, нет ли на холсте ткацких дефектов (узелков, прорех, торчащих ниток, неровностей и пр.), которые будут мешать проклейке, грунтовке и нанесению краски, а в будущем разрушать красочный слой.

◯ Продольные и поперечные нити должны быть параллельны сторонам подрамника;

◯ Выбирайте синтетический или натуральный холст мелкой зернистости (можно средней зернистости, в зависимости от работы);

◯ Холст должен быть с плотностью не меньше 220 г/м.кв. (если холст и грунт тонкие, при надавливании будут оставаться вмятины, что может отразиться на качестве картины);

◯ Используйте холсты с акриловым трехслойным грунтом, который является универсальным для масляной и акриловой живописи;

◯ Холст должен быть хорошо прогрунтован, в том числе и все боковые стороны. Если там есть зазоры, то краска быстро отвалится.

◯ Для пейзажей лучше взять холст, у которого грунт имеет натуральный оттенок – бежевый, коричневый.
◯ Новичкам желательно избегать крупнозернистых холстов, поскольку просветы нужно заклеивать или дополнительно грунтовать.

От качества материалов зависит продажа. Какие картины продаются лучше всего?

Подрамник и виды основы для холста
Основа – одна из важнейших характеристик холста. Его либо натягивают на подрамник, либо наклеивают на оргалит (древесноволокнистую плиту, ДВП, МДФ) или толстый картон.

Подрамник представляет собой конструкцию из деревянных, алюминиевых или пластиковых реек, на которую натягивается полотно. Холст на подрамнике «дышит», а красочный слой сохнет быстрее и равномернее. Рейки обязательно имеют бортики, которые предотвращают его соприкосновение с основой. Если это произойдет, то он может приклеиться к рейкам, и тогда натяжение изменится.

— Деревянные рейки изготавливают из твердых пород дерева – сосны, березы, дуба, бука, хорошо переносящих перепады влажности и температуры.

— Алюминиевые отличаются небольшим весом и долговечностью, но их острые углы и края могут прорезать полотно.

— Для окончательного закрепления можно обжигать в обычной духовке. Это абсолютно безопасно, так как при этом испаряется только вода.

— Пластиковые подрамники, хотя и дешевы, но ненадежны и неудобны в работе, с их помощью нельзя как следует натянуть полотно.

Они отличаются и по конструкции.

У глухого подрамника рейки соединены между собой клеем или железными скобами. Отрегулировать натяжение полотна в случае его провисания нельзя.

Глухой подрамник

У модульного подрамника рейки соединяются по принципу «шип-паз», в комплекте идут небольшие клинья (поэтому они также называют клиновыми). Если холст провиснет, то натянуть его можно, забив клинья в специальные пазы.

Модульный подрамник

Плотная основа делает работу с холстом более удобной на пленэре, так как позволяет обойтись без мольберта. Кроме того, наклеенное полотно менее подвержено деформации и повреждениям, нет опасности, что оно провиснет и таким образом, ухудшит качество красочного слоя.

— Холст на основе из толстого картона – отличный вариант для начинающих живописцев и учащихся. Он подходит для эскизов и этюдов небольшого формата, выполненных акрилом или маслом. Позволяет оформлять работу в стандартные рамы.

— Основа из оргалита или древесно-волокнистой плиты отлично справляется с многослойным красочным покрытием и обилием декоративных элементов. Минусы: она намного тяжелее, чем картон или даже холст на подрамнике, кроме того, может прогибаться к центру тяжести.

— Холст в рулоне – это оптимальный вариант для поклонников крупномасштабных работ. От рулона отрезается кусок полотна нужного размера, и художник фиксирует его на подрамник или плотную основу самостоятельно. С одной стороны, это весьма экономичное решение, с другой – натяжка полотна на любую основу требует определенных навыков.

Какую ткань выбрать для холста?

Художники используют для своих работ самые разные ткани из натуральных, искусственных, смесовых волокон, однако они не одинаково пригодны для живописи. Рассмотрим плюсы и минусы наиболее популярных вариантов.

Хлопковый холст

Хлопковый холст

Хлопковая основа – гарантия приятной работы. Это очень послушный и довольно долговечный материал. Дело в том, что на нем начали писать относительно недавно, и испытание временем он еще не прошел.

Плюсы:

— Гладкая и мягкая поверхность с мелкой фактурой.

— Имеет бело-кремовый оттенок.

— При хорошей натяжке удобен в работе.

— Стоит не так дорого, как лен.

Минусы:

— Легко впитывает влагу, может стать домиком для плесени.

— Со временем и из-за перепада температур может провисать.

— Если долго находится на подрамнике, то может деформироваться.

— По прочности уступает льняному холсту.

Хлопковые холсты предназначены в основном для ученических и любительских работ.

 

Льняной холст

Льняной холст

Льняные холсты считаются классикой и предназначены для профессиональных работ. Их используют в живописи столетиями. После такого испытания временем они зарекомендовали себя с наилучшей стороны. Холсты делают из волокон стебля льна, и потому они имеют характерный серый или желтоватый оттенок. Лен – очень прочный материал, устойчивый к деформации и механическим повреждениям, отлично сохраняет фактуру и форму, поэтому качество рисунка никак не страдает.

Плюсы:

— холст не впитывает влагу и не плесневеет;

— не провисает;

— хорошо сохраняет первоначальную зернистость.

Минусы:

— стоит дороже, чем другие виды холста;

— весит больше, чем хлопок или синтетика, что неудобно, если картины много путешествуют по выставкам.

Льняные холсты нужно уметь выбирать, и здесь новички могут попасть впросак. Дело в том, что полотно ткут как из длинного волокна, так из отходов обработки пряжи – короткого волокна и очеса.

— Нити пряжи длинного волокна имеют одинаковую толщину по всей длине и образуют плотное равномерное переплетение.

— Нити из коротких волокон и очеса очень неровные, на них встречаются узелки, растительные частицы.

Суровое и театральное полотно изготавливают как раз из коротких волокон и очеса, они имеют очень низкое качество, поэтому их лучше для живописи не использовать. Это технические ткани.

Синтетический холст

Синтетический холст

 

Холсты из искусственного волокна (100% полиэстер) появились не так давно, и о том, насколько они надежны и смогут ли обеспечить картине долгую жизнь, пока говорить рано.

Плюсы:

— Материал не впитывает влагу, не подвержен гниению и образованию плесени.

— Небольшой вес.

— Холст не деформируется под воздействием температуры.

Минусом синтетических холстов считается их малое использование, то есть они еще не проверены временем, а потому профессиональные художники выбирают их редко.

Смесовые ткани

Это холсты, которые сотканы из нитей разных видов. Наиболее популярна комбинация хлопка и льна. Полотно объединяет плюсы обоих материалов:

— гладкая плотная поверхность;

— высокая прочность;

— относительно невысокая стоимость.

Существенным минусом является высокая способность материала впитывать влагу. Холст, состоящий из хлопковых и полиэстеровых (лавсановых) нитей, отличается идеальной ровной и гладкой поверхностью, практически без фактурной зернистости

Плюсы:

— высокая устойчивость к изменению влажностно-температурного режима;

— более прочный холст, по сравнению с хлопком;

— подходит для масляной живописи.

Минусы: в различных условиях и хлопок, и синтетика будут вести себя по-разному, кроме того, смесовые ткани используются сравнительно недавно, и как долго картина сохранит свое первоначальное состояние, не скажет никто.

Опытные художники советуют выбирать холсты известных производителей и тщательно изучать состав полотна.

 

Зернистость холста

Это еще одна важная характеристика живописной основы, на которую нужно обратить внимание при покупке. Зернистость также называют фактурой. Говоря простыми словами, это толщина нити, из которой соткан материал. У негрунтованного качественного холста фактура одинакова с лицевой и изнаночной стороны.

— Мелкозернистое полотно (плотность 200-300 г/м2) имеет почти гладкую поверхность. Оно подходит для создания портретов, миниатюр и работ в других жанрах, где требуются тончайшие цветовые переходы и детальная прорисовка. Также оно удобно для лессировки, когда краска наносится полупрозрачными слоями.

— Среднезернистый холст (плотность 300-400г/м2) – универсальный вариант, поскольку подходит для большинства работ разных форматов. Отличный выбор для начинающих живописцев.

— Крупнозернистые холсты (плотность 500-600 г/м2) – основа для больших работ, написанных густыми красками, поскольку они хорошо держат толстый красочный слой. На них удобно работать мастихином. Учтите, что их фактура будет видна через краску.

Существуют и специфические виды холстов, например:

— репинский – из длинноволокнистой рогожки с переплетением 4 на 4 нити, имеет очень рельефную крупную фактуру;

— этюдный – с эмульсионным грунтом, подходит для всех техник;

— живописный – для масляных красок. Выдерживает толстый красочный слой, но не подходит для акриловых и темперных красок, так как пропускает воду.

Переплетение холста должно быть или полотняным (для льна), или миткалевым (для хлопка). Это означает, что нити утка и основы переплетаются в ткани последовательно, образуя равномерное плетение.

Холст обязан строго соответствовать выбранной технике письма. Так, для гладкой живописи тонкими слоями следует выбирать мелкую или среднюю фактуру. Для пастозной живописи необходимо крупнозернистое полотно. Редкое переплетение не выдержит тяжести красок в любом случае.

 

Как выбрать правильный грунт? Виды грунта

Грунт – это специальный материал, который наносится на холст для того, чтобы создать прочную связь между основой и краской. Также он необходим для получения какой-то определенной фактуры или фона, которые предполагает задумка художника. Как правило, грунт наносится на основу в несколько слоев.

Многие холсты продаются уже грунтованными, то есть они полностью готовы к живописи, на них нанесены соответствующие проклейка и грунт. Это оптимальное решение для новичков, правда, и здесь есть свои нюансы при выборе, о них мы скажем чуть позже. Также встречаются грунтованный картон и бумага.

Опытные художники предпочитают самостоятельно готовить основу к работе и приобретают негрунтованные холсты в рулонах или на подрамниках. От вида грунта зависит, насколько прочным будет красочный слой.

— Клеевой грунт – идеальный выбор для масляной живописи, подходит для всех видов основы. Масляные краски хорошо себя ведут себя на клеевом грунте, сохнут относительно быстро, без образования трещин.

— Эмульсионный грунт подходит для любой основы и всех техник живописи. Он не растворяется в воде, поэтому на нем можно писать не только маслом, но и акриловыми и темперными красками.

— Масляный грунт предназначен для всех основ, но его предпочитают далеко не все художники. Используется только для тонкой масляной живописи, если вы пишете пастозно, то стоит выбрать другой вариант. Если вы решили самостоятельно нанести масляный грунт, учтите, что он полностью высыхает в течение 10-12 месяцев.

— Акриловый грунт подходит для масляной, акриловой, темперной живописи, его можно наносить на любые основы. Рекомендуется для самостоятельной грунтовки полотна, так как он очень пластичный и не склонен к растрескиванию.

 

Как проверить качество грунтованной основы?

— На поверхности не должно быть никаких зазоров, точек, ниток и т. д. Фактура может проступать только у крупнозернистого холста.

— Нанесите на натянутый холст живописное льняное масло. Если грунт качественный, то ничего не изменится. Холст сохранит первоначальный цвет и гладкость, хотя весь будет покрыт тонким слоем масла. Если на холсте появились темные пятна, там, где масло через микротрещины проникло внутрь и впиталось в основу, то рисовать на нем нельзя. На готовой картине появятся некрасивые матовые пятна, причем убрать их лаком не получится.

Именно поэтому готовые грунтованные холсты никогда не лишне доработать, то есть покрыть либо готовым акриловым грунтом, либо желатиновым клеем в 1-2 слоя.

 

Можно ли самостоятельно загрунтовать холст?

Этот вопрос волнует многих новичков. Да, можно, но для этого нужны определенная сноровка, терпение и время.

Самый популярный рецепт грунтовки холста:
  • Возьмите желатин (желательно насыщенного желтого цвета) и разведите его по инструкции производителя.
  • Когда желатин остынет, шпателем нанесите его на натянутый холст, тщательно втирая в нитки и отверстия между ними. После просыхания первого слоя нанесите еще один, дайте высохнуть.
  • Теперь нанесите на холст белую фасадную краску, если вы хотите получить цветной фон, добавьте соответствующий краситель. Краска должна иметь консистенцию жидкой сметаны. Нанесите ее в два слоя широкой щетинной кистью, давая просохнуть каждому покрытию.
  • В завершение холст покрывают прозрачной фасадной глубинной пропиткой в один слой. Примерно через 5-7 дней холст будет полностью сухим и готовым к работе. Некоторые художники добавляют прямо в желатин истолченный мел или сухие цинковые белила, тогда нанесение белой фасадной краски не нужно.

Какие инструменты нужны?

Жидкие клеевые составы наносят жесткой и широкой кистью, например, малярной, или щеткой, студенистые — распределяют, используя мастихин, линейку или нож. Для разравнивания слоя и удаления лишнего клей может использоваться резиновый шпатель, нож или другой удобный предмет.

Как правильно сушить холст?

Просушка проводится после нанесения каждого слоя. На этом этапе не стоит торопиться, т. к. нарушение технологии ухудшит качество поверхности.

Время зависит от используемых смесей. Клеевые грунты сохнут в среднем до 5 дней, эмульсии – 1–2 недели, составы, содержащие масла, – от нескольких месяцев до года. Время между нанесениями слоев клея обычно составляет 12 часов.

Поверхность должна сохнуть равномерно при комнатной температуре. Нельзя выносить полотно на солнце, ставить у батареи, в местах со сквозняком.

Решение проблем с холстом

Если вы начинающий художник, обязательно прислушайтесь к советам опытных товарищей. Итак, что делать, если…

…холст провис?

Подоткните клинья-колышки в свободные пазы, и полотно выровняется.

…на холсте образовалась вмятина?

Такое случается при неправильном хранении (см. Правила хранения и содержания картин), когда на картину опираются подрамником работы меньшего формата. В этом случае сбрызнете полотно с обратной стороны водой из пульверизатора. При высыхании холст снова натянется без изъянов.

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст? Читать дальше »

Аэрография: «Девальвация живописи с помощью механического аппарата»

Аэрография сегодня признана разновидностью декоративно-прикладного искусства. С помощью аэрографии изображения смотрятся очень эффектными и достоверными, но лишь малая часть профессиональных художников используют ее для написания традиционных картин.. Художники используют жидкие или порошковые краски, которые распыляются под давлением. Изображениями, созданными с помощью этой техники, часто украшают автомобили и мотоциклы, ее используют в моделизме, в интерьерах развлекательных центров, кафе и ресторанов, предметов обстановки жилых и коммерческих помещений, в создании фресок, в текстильном дизайне, в полиграфии, в росписи игрушек, стекла и керамики. Также есть ряд уличных художников, которые работают с красками в баллончиках, создавая интересные «космические картины».
Кроме того, аэрография используется при изготовлении рекламных конструкций и декораций. С помощью особых, безвредных для здоровья человека красок аэрографом наносят макияж на тела моделей в боди-арте и грим на лицо или руки артистов в ходе съемок фильмов.
Аэрография. Ганс Рудольф Гигер
Аэрография (от греческих слов «aero» и «grafos» — «воздух» и «пишу») — это искусство художественной росписи с помощью специального пневматического устройства, разбрызгивающего краску. Аэрография позволяет создавать фактурные разноцветные изображения практически на любых поверхностях. Работа с этой техникой не отличается особой сложностью, но требует от художника наличия базовых умений обращения со специнструментом – аэрографом.
Главная отличительная черта аэрографии – возможность создавать плавные переходы цвета, придавать рисункам объемность, достигать фотографической достоверности изображения. Краски наносятся на специально подготовленную поверхность и позже фиксируются лаком. Благодаря мелкодисперсному распылению художники могут достигать глубины и фактурности рисунка, которые недостижимы при помощи обычной кисти.
Аэрография в наши дни востребована в самых разнообразных сферах деятельности человека.
Первые попытки применения техники аэрографии в истории человечества зафиксированы в глубокой древности, в эпоху палеолита. По самым скромным подсчетам ученых возраст обнаруженных в пещерах изображений составляет около 30 000 лет. Древние художники использовали трубчатую кость или толстую соломинку, через которую выдували краску на стены пещер, используя в качестве трафарета собственные кисти рук.
Аэрография. Образец древней аэрографии эпохи палеолита. Около 30 000 лет до нашей эры

Современная история аэрографии началась лишь в XIX веке, когда в 1876 году американский предприниматель Фрэнсис Эдгар Стэнли создал ручной прибор для раскрашивания и ретуши фотографий (прибор мелкодисперсного разбрызгивания краски) — первый образец аэрографа, на который Фрэнсис Эдгар Стэнли оформил авторский патент.

Разработанный Стэнли прибор усовершенствовал ювелир Эбнер Пилер, подключив прибор к ручному компрессору. По мнению Пилера, его изобретение могло быть использовано для живописи акварелью. Три года спустя он продал патент компании «Liberty Walkup», и уже осенью 1884 года были проданы первые 63 аэрографа, покупателями которых стали фотографы. Несколько позже прибор усовершенствовали, теперь поток воздуха и краски можно было регулировать одной кнопкой – и одной рукой. Первым художником, который стал использовать аэрографию в живописи, стал американский импрессионист Уилсон Ирвайн.
В 1882 году права на патент приобрел Либерти Уолкап, на основе которого он создал аэрограф двойного действия. Спустя 6 лет Уолкап основал первую компанию по промышленному производству аэрографов — Аirbrush Мanufactoring Сompany. Эти приборы первоначально предназначались для ретуширования и раскрашивания фотографий.

В Европу аэрограф попал только в 1893 году, а в 1900 году открылась компания Чарльза Бредика «Aerograph», которая выпускала продукцию, весьма схожую с современными «воздушными кистями». Аэрграфы стали использовать в промышленности – например, с их помощью наносили узоры на машинки «Зингер», расписывали ткани. Несколько лет спустя Ман Рей, один из отцов-основателей дадаизма, очень заинтересовался техникой аэрографии и использовал ее в своих работах, которые в 1920 году показал в Париже на выставке «Первый напыленный объект». Критика встретила новшество в штыки, назвав новаторство Ман Рея «девальвацией живописи с помощью механического аппарата».

Аэрограф использовали при создании плакатов, иллюстраций и афиш. Известно, например, что сестра Владимира Маяковского – художница и дизайнер Людмила Маяковская – помогала брату с созданием плакатов Окон РОСТА и использовала для этого аэрограф. Маяковская была руководителем аэрографного цеха московской Трехгорной мануфактуры, где технику «воздушной кисти» применяли для создания новых способов декора ткани.

До начала 30-х гг. ХХ века основной сферой применения аэрографии оставалось фотоискусство, она долгое время была незаменимым помощником фотографов при ретушировании снимков. В СССР с помощью аэрографа ретушировали фотографии советских партийных деятелей, удаляя со снимков нежелательных персон.
Индустриализация и бурное развитие машиностроения повлияли на резкий всплеск интереса к аэрографии со стороны владельцев автомобилей. На капотах машин начали появляться художественные изображения животных и птиц, причудливых орнаментов и рисунков. Увлечение новой техникой росписи для украшения авто и автомобильных аксессуарах быстро стало массовым сначала в США, а позже и в Западной Европе.
Благодаря усилиям известного американского мастера Альберто Варгаса  в 1930-1950-х годах XX века аэрография проникла в пин-ап . Американец перуанского происхождения покорил зрителей красочными и эффектными изображениями сексуальных девушек, нарисованных с помощью аэрографов. В годы Второй мировой войны рисунками полуобнаженных девушек пестрил журнал «Esquire». Его мастерское владение аэрографом было отмечено премией Vargas Award, которую ежегодно присуждает авторитетный журнал Airbrush Action Magazine.
Аэрография. Альберто Варгас
Значительный вклад в популяризацию аэрографии также внес художник Джордж Петти. Он на протяжении 30 лет на собственной студии занимался созданием картин в стиле пин-ап. Репродукции его работ часто украшали фюзеляжи военных американских самолетов.
В 1960-е аэрограф стали использовать представители поп-арта – Аллен Джонс, Энди Уорхол, Джексона Поллока и Питер Филлипс. На Парижской биеннале 1972 года «реализм, доведенный до совершенства» стал одним из главных событий выставки: аэрография получила признание и свое место в мировом изобразительном искусстве.
Позже приобрели известность другие мастера аэрографической живописи: Геррино Боатто,  Ганс Рудольф Гигер, Ренато Касаро,  Хадзиме Сораяма.
Ганс Рудольф Гигер. Позитивный ресурс. 1970
Аэрография. Хадзиме Сораяма
В настоящее время аэрографии можно увидеть практически в любой отрасли и это техника остается востребованным способом самовыражения не только художника, но и его заказчика. Среди произведений, выполненных в этой технике, всегда найдутся настоящие шедевры искусства.
Чтобы понять принципы работы с аэрографом, узнать всё про оборудование и материалы для рисования аэрографии, можно найти курсы по «Основам аэрографии» , на которых вы можете:
  • Научиться делать упражнения на моторику рук;
  • Отличать укрывистость и прозрачность красок, добиться нужного оттенка, знать правила нанесения и смешивания красок;
  • Видеть свет и тень, создавать живые, объемные рисунки с детализацией;
  • Делать опорные трафареты, эскизы в фотошопе, переносить изображения на любую поверхность;
  • Создавать различные текстуры, научитесь рисовать шерсть животного, кожу человека, волосы и другое;
  • Рисовать реалистичные картины на любой поверхности, от бумаги и холста до стен и автомобилей.

Сферы применения аэрографии огромное и Вы всегда сможете на этом зарабатывать и самовыражаться.

Аэрография: «Девальвация живописи с помощью механического аппарата» Читать дальше »

Как вступить в Союз Художников. Вы думали это просто?

Что дают союзы художников, архитекторов, дизайнеров и вообще творческих людей? Что это такое сейчас? И нужно ли в них вступать?

Если посмотреть историю, то мы увидим, что в том, или ином виде объединения художников, писателей композиторов, и вообще творческих людей существуют довольно давно.

Общий смысл таких организаций состоит в объединении людей с тем, чтобы создать взаимовыгодную структуру, основанную на общих профессиональных интересах.

Во времена Российской Империи сразу вспоминаются такие объединения как товарищество передвижных художественных выставок(передвижники), Союз русских художников и т.д.

В советское время появились официальные государственные Союзы писателей, художников, композиторов. И надо сказать, что членство в этих Союзах в то время реально давало некие преференции. Например, художники могли получить студии для работы.

Надо отметить, что в современных реалиях членство в творческих Союзах даёт некоторые небольшие привилегии: возможность со скидкой покупать художественные товары; участвовать в конкурсах, проводимых Союзом; посещать выставки и не платить за входной билет; участвовать в мероприятиях и выставках объединения. Но, будет ли для это для Вас мотивацией вступать в творческий союз и иметь обязательства? Ведь, чтобы пользоваться опционными «привилегиями» Союза, нужно выполнять обязательства. Но тщеславие никто не отменял… И это, наверное, самая главная движущая сила — быть признанным обществом, чтобы твое имя попало в анналы истории.

Как вступить в Союз Художников. Вы думали это просто?

  1. Для вступления в Союз художников России необходимо соответствовать определенным формальным признакам. Членом Союза может стать гражданин Российской Федерации в возрасте старше 18 лет, профессионально занимающийся любым видом изобразительного искусства. Рассматриваются заявки от художников, реставраторов, искусствоведов и студентов, обучающихся по данным специальностям.
  2. Перед вступлением необходимо ознакомиться с Уставом Союза художников России. Этот документ в полной мере дает представление о целях, задачах Союза, направлениях его деятельности, правах и обязанностях членов. Согласие с положениями Устава – обязательное условие для претендентов. Найти текст Устава несложно. Он размещен в интернете, а также имеется в каждом региональном отделении Союза и в библиотеках художественных вузов.
  3. После изучения Устава посетите региональное отделение Союза художников. Там вы сможете уточнить возникшие вопросы по поводу политики Союза и получите необходимые для заполнения документы. Кроме того, вы познакомитесь с действующими членами Союза, ощутите атмосферу творческого объединения.
  4. Затем приступайте к сбору документов. Вы должны представить на рассмотрение комиссии:
    — автобиографию;
    — альбом репродукций творческих работ;
    — список основных работ в хронологическом порядке с начала творческой деятельности;
    — список художественных выставок, в которых вы приняли участие, в хронологическом порядке;
    — список профессиональных творческих наград с приложением копий дипломов, почетных грамот, благодарственных писем;
    — список публикаций о вашем творчестве и ксерокопии этих публикаций в хронологическом порядке;
    — творческую характеристику, составленную и подписанную искусствоведом- членом Союза художников России;
    — рекомендацию председателя профильной секции регионального отделения Союза художников России;
    — рекомендации трех членов Союза художников России со стажем не менее 5 лет;
    — справку с места жительства;
    — ксерокопию паспорта;
    — ксерокопию диплома об образовании;
    — ксерокопию свидетельства о постановке на налоговый учет (ИНН);
    — ксерокопию пенсионного страхового свидетельства;
    — 4 фотографии размером 3х4 см.
  5. Важнейшей частью вашего портфолио является альбом репродукций. В нем должно быть представлено не менее 20 произведений. Отберите наиболее яркие и значимые работы, характеризующие вас как художника. Сделайте их профессиональные фотографии размером 15х20 см. Затем наклейте каждую фотографию на отдельный лист плотного белого картона. Внизу укажите полные каталожные данные художественного произведения.
  6. При подаче документов вам предложат образец заявления о вступлении в Союз художников и личную карточку учета кадров, которые вы заполните собственноручно.
  7. Затем руководство регионального отделения назначит дату рассмотрения вашего заявления. На этом заседании вам нужно присутствовать для представления своих произведений.
  8. Художникам, успешно прошедшим вступительные испытания, выдается членский билет Союза и назначается срок уплаты членских взносов.

Вступать или не вступать в какой-либо творческий Союз? Каждый решает сам. Но согласитесь, что как звучит «картины члена Союза Художников». Хотя, работы талантливого  художника говорят сами за себя.

Как вступить в Союз Художников. Вы думали это просто? Читать дальше »

Как смешать краски, чтобы получить нужный цвет: правила, таблицы колорирования

У новичков и, даже у профессиональных художников и дизайнеров, всегда появляется много вопросов по поводу правильного смешивания цветов. Существует несколько главных оттенков, которые позволяют создавать разные цвета при грамотном сочетании. В основном эта необходимость проявляется, когда становится мало одной краски и надо срочно ее использовать. Для получения нового цвета обычно используется от двух расцветок.

Как правильно смешивать краски для получения нужного цвета: правила

Важно сказать, что смешивать краски не сложно, а вот добиться подходящего оттенка может быть трудновато. Иногда краски дают неожиданную реакцию, что может сильно повлиять на итоговый результат. Например, цвет получится темнее, чем требуется, либо он потеряет тональность и будет серым.

Еще один интересный факт — синий и красный нельзя смешать из других расцветок, но зато их можно активно использовать в различных комбинациях.

Гамма расцветок, которые использует человек безгранична. Но основные цвета спектра: синий, желтый, красный. Они существуют сами по себе и не имеют в своем составе других пигментов. Смешивая их в разных пропорциях можно получить необходимый нам тон. Если соотношение тонов одинаковое – получается одна краска, но стоит изменить пропорции, как получается совсем другой цвет.

Расцветки, которые присутствуют в радуге, получили название — хроматические. Они поглощают и отображают световые волны различной длины. Волны, которые отражаются от предмета, мы воспринимаем, как его цвет. Например, лист дерева поглощает все тона, кроме зеленого. Зеленый он отражает и мы видим его таковым.
Зеленый так же является производным базовых цветов. Смешивая желтый + синий, мы получаем зеленый. Добавим к нему алый — получим яркий коричневый.
Черный, белый, серый – ахроматические. Темный цвет съедает волны полностью, а белоснежный отображает их.
Все существующие оттенки взаимодействуют один с другим, что приводит к такому разнообразию в нашем прекрасном мире.

 

Цветовой круг — это инструмент, на котором можно зрительно построить все существенные колористические схемы. Колористам, художникам и дизайнерам в работе необходима таблица смешивания красок и цветовой круг.
Помимо основных, существуют добавочные расцветки, при смешивании вместе которых мы создаем черный, белый или серый. В цветовом круге они располагаются в противоположных секторах: зеленый + желтый, оранжевый + синий, фиолетовый + желтый.

Как смешивать краски, чтобы произвести тот или иной цвет

Формирование всевозможных оттенков одного колера – это целая наука. Иногда, добиться точного результата очень не просто. Добавляя черный, белый или серый к основному пигменту мы можем получить разные результаты. Так же можно варьировать пропорции смешиваемых колеров.
Если нет соответствующей подготовки, то процесс подбора нужного цвета и оттенка занимает много времени. Особенно сложно работать с подбором для уже покрашенной детали. Колорист, не имеющий рецепта, может самостоятельно получить подходящий оттенок. Важную роль играет свет в помещении, где проходит работа. Лучше заранее подготовить необходимые условия и доступ к естественному свету. Любая лампа дневного света исказит работу колориста.

Перед художником или дизайнером обычно стоит задача не увидеть, что получится если смешать одну краску с другой, а наоборот — получить желаемый оттенок, то есть узнать какие краски и в какой пропорции нужно смешать, чтобы получить этот оттенок. Цветов и их оттенков в реальности существует практически бесконечное количество, поэтому гораздо чаще найденный оттенок будет в большей или меньшей степени похож на нужный, но не на 100%. В таких случаях без эксперимента не обойтись…

Коричневый

Часто применяется при написании полотен, получают его достаточно просто:

  • Травяной + алый;
  • Алый + синий + яркий желтый;
  • Алый + капля белого + черный + одна капля желтого.

  • Горчичный легко создать, если смешать желтый + красный + зеленый + черный.
  • Табак – это алый, зеленый, желтый, белый.
  • По-осеннему яркий коричневый – сочетание яркого желтого, алого, зеленого, белого, синего.

Фиолетовый

Интересный фиолетовый возможно получить смешав синий и красный, либо голубой и розовый, но только надо использовать их в разном количестве.

Образование множества тонов фиолетового: светло-фиолетового можно быстро разбавить имеющийся темный колер белилами, аккуратно добавляя их по одной капле, и у вас получится большая гамма оттенков.
Для пунцового отлива в фиолетовом надо включать больше капель алого колера.

 

Красный

Сочный, огненный. Без него сложно представить современный мир.

Получить настоящий красный у вас не получится. Но с его помощью вы сотворите множество оттенков.

  • Каштановый — это красный + черный.
  • Яркий огненно — оранжевый цвет – красный + немного желтого.
  • Краситель пурпурный – синий + желтый + красный пигмент.
  • Цвет спелой малины — красный + белый + коричневый + синий

Бежевый

Нежный и такой лаконичный колер может играть множеством оттенков. Часто можно встретить бежевый в дизайне, спокойных интерьерах и мастерской колориста. Расцветка часто применяется для создания портретов.

Коричневый + белый – мы создадим бежевый. А добавляя к нему по капле основные краски — скорректировать от теплого до холодного колера. Чтобы он был ярче, можно прибавить немного желтого.

 

Зеленый

Самый приятный нашему глазу цвет. Его любят применять при создании интерьерных планов, а при произведении полотен он просто необходим.


Как получить зеленый цвет? Самое логичное – добавить к желтому синий. Если добавить больше яркого синего – цвет будет более напитанным, а если белого – мятным. Хвоя – последствие смешения ярко — травяного, черного и желтого.

Серый

Без серого не обойтись в современном дизайне. Ценен от тем, что сочетается со всем. А сколько оттенков колорист может образовать из этого цвета нельзя сосчитать.

Есть множество вариантов, но для получения основного серого цвета нужно смешивать белый и черный цвет. Так же всегда можно добавить для эксперимента один из цветов радуги для придания ярких переливов и меняя тональность.

 

Черный

Самый глубокий, а так же необходимый в палитре. С его помощью художник быстро изобразит тень или подгонит любой колер до нужного тона.

Глубокий черный смешается из синего и темного кофейного. Так же объединить в равном соотношении синий, красный, желтый. Изысканные разновидности черного:

  • аспид (с частичкой серого колера);
  • антрацит (с металлическим отблеском );
  • кровь быка (красивые переливы алого).

 

Синий

Часто используется колористами. Без него не обойтись ни одному художнику при изображении небесного полотна, озер, льда и других частых элементов.

Красивый синий, как основной среди множества цветов, образовать путем очередного смешивания невозможно. Перемешать фиолетовый с нежно — голубым — краска будет слишком темной. Осветлить ее можно, добавив несколько капель светлого пигмента.

 

Розовый

За основание для розового используют яркую белоснежную краску и к ней по капле вводят алый (красный). Чем интенсивнее нужен оттенок, тем больше алого должно вводиться, так управляют необходимой тональностью. Добавляя разное количество белого, можно управлять тональностью.

 

Желтый

Настоящий желтый так же нельзя получить, смешивая другие имеющиеся краски. Аккуратно добавляя светлый зеленый к оранжевому можно добиться лишь похожего.

 

Оранжевый

Как сделать оранжевый цвет? Совместим в одном соотношении сочную желтую и алую краску. Чем больше присутствует красного, тем ярче получается оттенок, а дальше корректируем:

  • Для светло-апельсинового берут яркий розовый + желтый, также при необходимости можно включить несколько капель белил;
  • Для кораллового соединяют грязно — оранжевый, розовый, белый в похожем соотношении;
  • Для нежного персикового нужны такие, как оранжевый, желтый, розовый, возможно, каплю белил;
  • Для медного используем ярко-оранжевый + каплю кофейного. Яркости цвету можно придать белилами, добавляя постепенно по одной капле.

Если вы обнаружите, что тот или иной цвет отсутствует в вашей палитре, уже не будете сомневаться, а создадите его для себя из того, что есть под рукой. Все необходимые инструменты уже имеются у колориста, нужно только лишь знать, как это сделать.

Нет ограничений в фантазии человека, что бы пробовать, экспериментировать, изобретать свои интересные краски. Можно сочетать одно с другим, создавая что-то новое.

Как смешать краски, чтобы получить нужный цвет: правила, таблицы колорирования Читать дальше »

50 сайтов для художников

Если вы художник или просто увлекаетесь рисованием, то специально для вас мы собрали ссылки на 50 ресурсов, посредством которых можете продавать ваши художественные работы, и краткое описание первой двадцатки. Весьма полезная информация, может пригодиться в будущем:

1) DeviantArt — https://www.deviantart.com — крупнейшая социальная сеть для художников. Порядка 100 миллионов работ. Платформа предоставляет возможность демонстрировать свои произведения, делиться мнениями с другими художниками и любителями искусства, а также рекламировать и продавать свои материалы.
2) Amazon Handmade — https://services.amazon.com/handmade/handmade.htm — платформа имеет наибольший охват на рынке продаж в интернете. Amazon Handmade дает возможность художникам продавать свои работы, однако необходимо подать заявку на участие в конкурсе и пройти отбор жюри.
3) Patreon — https://www.patreon.com/ — проект, позволяющий творческим людям найти финансовую поддержку. Поклонники определяют сумму, которую они хотят заплатить (единовременно или на регулярной основе), а художник предлагает «награды» за пожертвования. Создайте и запустите свою страницу, а затем рекламируйте ее доступными вам способами, чтобы привлечь покровителей.
4) FineArtAmerica — https://fineartamerica.com/ — платформа позволяет создать профиль художника, публиковать и продавать творческие работы. Один из основных сервисов — печать принтов, поздравительных открыток, футляров для сотовых телефонов, подушек и т. д.
5) Ebay — https://www.ebay.com/ — весьма популярная платформа для продажи всего на свете. Не самый востребованный ресурс в среде профессиональных художников, однако может оказаться весьма привлекательным для начинающих творческих личностей. Все просто — загружайте работу и продавайте.
6) Etsy — https://www.etsy.com/ — весьма известный портал, где художники могут открыть свой онлайн-магазин и продавать свои работы. Etsy предлагает онлайн-сообщества для вашей поддержки и помощь в продажах.
7) SaatchiArt — https://www.saatchiart.com/ — популярный в среде профессиональных художников сервис для продажи оригинальных работ и принтов. Загружайте и продавайте, получая 65% прибыли с продаж. На сайте присутствуют опции печати и доставки, однако художник оплачивает стоимость упаковочных материалов.
8) Portraity — http://www.portraity.com/ — вы художник-портретист или фотограф? Проект предназначен для тех, кто создает портреты на заказ. Художники загружают свое портфолио на сайт, а кнопка «контакт» позволяет потенциальным клиентам связаться с вами.
9) AbstractArtGallery — http://www.abstractart.gallery/ — сайт, посвященный абстрактному искусству. Сервис предоставляет возможность создать страницу профиля/портфолио и общаться с коллекционерами по всему миру. Художники получают 80% прибыли с продаж.
10) ArtBoost — https://artboost.com/ — cайт продает оригинальные работы художников во всем мире, позволяет установить личный контакт между художником и покупателем. Продажи осуществляются через Paypal, при этом ArtBoost берет 15% от стоимости продажи, включая НДС.
11) Artebooking — https://www.artebooking.com/ — бесплатная профессиональная глобальная художественная сеть. Художники могут создать здесь собственную галерею, продавать оригинальные работы, распечатывать работы для продаж (без комиссии или сборов). Сервис предлагает интересный рекламный пакет за 27 Евро в месяц.
12) Artenet — https://en.artenet.es/ — бесплатный сервис для продажи оригинальных творческих работ. Создайте профиль, загрузите свои материалы. Потенциальные клиенты свяжутся с вами через форму на сайте. Сервис не поддерживает транзакции.
13) FoundMyself — https://www.foundmyself.com/ — бесплатная загрузка изображений, отсутствие комиссии с продаж (художник получает 100% ), которые осуществляются посредством контакта покупателя непосредственно с художником. Система добровольных пожертвований в пользу проекта.
14) OffTheEasel — http://www.offtheeasel.net/ — бесплатный рекламный сервис для продвижения вашего портфолио в социальных сетях. Добровольные пожертвования в пользу проекта.
15) ArtFido — http://www.artfido.com/ — глобальная сеть по арт-продажам художниками и галереями. Бесплатная загрузка изображений, комиссия с продаж — 10%.
16) Tattoodo — https://www.tattoodo.com/ — хотите создавать дизайн для татуировок? Проект позволяет клиентам запрашивать индивидуальные татуировки, а художники на конкурсной основе предоставляют свои интерпретации. Победители получают от $100 до $300 за работу в зависимости от параметров конкурса. Участие бесплатное.
17) Touchtalent — http://www.touchtalent.com/ — cоциальная сеть и галерея по продажам художественных работ или участию в аукционах и выставках. Обязательно членство в интерактивном сообществе ($60 в год).
18) ArtHit — https://arthit.com/ — сервис по продажам картин и доставке их по всему миру. Создайте персональную страницу и загрузите свои творческие работы. Комиссия — 15% плюс стоимость доставки.
19) Artistize — https://www.artistize.com/ — проект позволяет установить контакт творческих людей (в том числе художников) по всему миру с ценителями искусства, ищущими таланты. Абсолютно бесплатное использование: регистрация, создание портфолио и различные дополнительные возможности.
20) Artists&Clients — https://www.artistsnclients.com/ — загрузите свои работы, опишите тип выполняемой работы и установите цены. Когда поступают заказы, вы договариваетесь с клиентом о финальной стоимости и получаете 85% от продажи.

21) LiveLoveArt — https://www.live-love-art.com/
22) RiotArt — http://www.riotart.co/
23) Pinterest — https://www.pinterest.com/
24) ArtistSites — http://artistsites.org/
25) ArtistsToWatch — https://www.artiststowatch.com/
26) MyBestCanvas — http://www.mybestcanvas.com/
27) RedBubble — https://www.redbubble.com/
28) NewBloodArt — https://newbloodart.com/
29) GalleryToday — https://www.gallerytoday.com/
30) MobilePrints — http://mobileprints.com/
31) ColourInYourLife — http://www.colourinyourlife.com.au/
32) CommishArtify — http://commishartify.com/
33) Orangenious — https://orangenius.com/
34) Society6 — https://society6.com/
35) HarnGallery — http://www.harngallery.com/
36) EBSQArt — https://www.ebsqart.com/
37) Ugallery — https://www.ugallery.com/
38) Vango — https://www.vangoart.co/
39) FotoMoto — http://www.fotomoto.com/
40) Artmajeur — https://www.artmajeur.com/ru/
41) Artpal — https://www.artpal.com/
42) CreativeMarket — https://creativemarket.com/
43) ArtQuid — http://www.artquid.com/
44) Pixels — https://pixels.com/
45) PropheticsGallery — https://www.propheticsgallery.com/
46) ShairArt — https://shairart.com/
47) HireAnIllustrator — https://www.hireanillustrator.com/i/
48) HandmadeArtists — https://handmadeartists.com/
49) GreenBoxArt — https://www.greenboxart.com/
50) Cargoh — http://www.cargoh.com/

Надеемся, что информация выше была вам полезной и нужной. Поделитесь ссылкой с друзьями.

50 сайтов для художников Читать дальше »

Жизнь цветов: Стили и правила составления икебаны

Икебана — искусство расстановки (аранжировки) срезанных цветов в вазах. Икебана в переводе на русский язык означает «Жизнь цветов» (Ике — «жизнь», Бана — «цветы»).

Несмотря на то, что настоящий культ оживления цветов пришел в мир из Японии, родилось искусство «Икебана» в Индии. Изначально икебана являла собой не только составление букетов, но и органичность единения человека с живой природой. Каждая композиция отражала духовный мир составившего ее человека, его мировоззрение и чувства. Пройдя путь через Китай и Корею в Японию, икебана из ритуального подношения цветов Будде превратилась в особенно ценный вид искусства и стала неотъемлемой частью духовной жизни японского народа, одной из его наиболее красивых национальных традиций.

Икебана тесно связана с живой природой, в ней отразился один из основных буддийских постулатов об эфемерности и недолговечности высоко ценимой красоты мира, краткости и бренности человеческой жизни. В мире нет ничего определенного и постоянного. Икебана стала одной из наиболее подходящих художественных форм, отражающих эти естественные процессы. В цветах, которые изменяются и в конце концов опадают, видится постоянство только самой природы.

Подобно средневековому тексту, икебана может быть «прочитана» и на самом глубинном философско-религиозном уровне, предстать как образ идеального мира и быть воспринята как соединение нескольких символов, содержащих нравственный урок; она может быть и нежным любовным или дружеским посланием и вызывать восхищение своей красотой.

Из истории икебаны:

Изначально икебана базировалась на философских и эстетических постулатах синтоизма, а затем и буддизма. Согласно синтоизму, каждый природный предмет, тело, явление содержит в себе божественный дух и потому требует к себе уважительного отношения, как к живому существу. Японцы любят отождествлять себя с природой, стремясь жить с ней без каких-либо барьеров и поддерживая сбалансированное сосуществование. Ее истоки связывают с древним обычаем преподношения цветов умершим предкам. В буддийских храмах развился ритуал постановки цветов к статуям Будды. При этом совершенная форма вазы и пышное, помпезное великолепие самого букета, который создавался по определенным, строго канонизированным правилам, воплощали торжество и величие буддизма. Но по мере развития мировой и национальной культуры философско-религиозный смысл икебаны постепенно утрачивался. Становление икебаны в Японии как искусства датируется XV веком, ею тогда занимались главным образом священнослужители храмов и монастырей. Но постепенно она становится популярна и в высших слоях общества, а затем широко входит в повседневный быт народа и чаще воспринимается как предмет подлинного искусства.

В основе этого искусства в Японии лежит не идея продления прежней жизни растения, а идея создания «второй реальности», особого микромира, на новом уровне воссоздающего природу. Обучение икебане японский мастер обычно начинает рассказом о двух эпизодах из истории этого искусства. Прославленный мастер чайной церемонии Сэнно Рикю (16 век) создал оригинальную композицию, поместив цветы в сосуд, сделанный из колена бамбука. При изготовлении этой вазы бамбук слегка треснул, поэтому из трещины в вазе медленно капала вода. В ответ на недоуменные вопросы учеников, ошеломленных необычайной красотой икебаны и не знающих, можно ли признать композицию совершенной, поскольку сосуд в ней надтреснут, Сэнно Рикю ответил: «И моя жизнь тоже дала трещину». Эта ваза впоследствии стала одним из национальных сокровищ Японии. Другая история также связана с именем этого знаменитого мастера. Его сад, славившийся прекрасными цветами повилики, захотел увидеть тогдашний правитель Японии — сегун Тоетоми Хидэеси. Ранним утром он прибыл в этот сад, и велико же было его изумление, когда он увидел, что все цветы срезаны и лишь из одного сделана икебана в его честь. Сэнно Рикю пояснил гостю свое странное поведение: «Множество цветов рассеяло бы ваше внимание, а этот один, самый прекрасный, призван воплотить красоту всего сада”.

Растительный материал — собственно аранжировка ветвей, цветов и трав — конструируется в икебане по строгим нормам, стилистическое своеобразие икебаны выражено наиболее ярко тем или иным соотношением основных конструктивных элементов — «ветвей». Обычно их три, но бывает и от двух до девяти. Особенности стиля икебаны находят воплощение и в характере геометрической фигуры, которую она образует, и в организации пространства, в абрисе пустот между основными конструктивными элементами.

Правила составления икебаны:

Тем не менее, существует три золотых правила составления букета, которым следуют как японские, так и европейские мастера:

  1. Все элементы в икебане устанавливаются ассиметрично и являют собой некое подобие треугольника, причем элементы не должны находиться в одной плоскости.
  2. Пропорции трех основных элементов букета предопределяются размерами сосуда — его диаметром и высотой.
  3. При составлении букета желательно, чтобы сосуд сочетался с используемым материалом. Кроме того, сосуд должен быть однотонным.

Стили икебаны:

Структуру икебаны определяют ее стиль, школа и форма композиции:

РИККИ. История искусства икебаны открывается созданием великолепного торжественного стиля, который получил название Рикки (дословно — «поставленные цветы»), что означает «стоящие цветы», высоко возвышались над своими узорчатыми бронзовыми сосудами, которые наряду с остальным украшением храмов привозили из Китая. Кончики ветвей, а также цветы, были устремлены в небо, символизируя веру. Постепенно становясь более гибкими и распространяясь в ширину вместо высоты, сложные рикки продолжали быть господствующей формой аранжировки в храмах и дворцах до создания правительства Камакура в конце XII в. Составители рикки исходили из положения, что цветы должны каким-то образом олицетворять священную гору буддистов Сумисен, символ вселенной. Аранжировку рикка часто называли «маленьким садом внутри дома», потому что художник в своей композиции создавал миниатюрный ландшафт.

СЕКА (СЕЙКА). Этот новый и более простой стиль икебаны появился в XV в. наряду с архитектурными упрощениями. Строящиеся в этот период и большие строения, и маленькие домики отражали любовь к простоте. В домах сооружалась «токо-нома» — встроенный и стену альков, предназначенный для поклонения и содержащий произведения искусства (картины, свитки с иероглифами), а также икебану. Правила аранжировки в это время были упрощены, чтобы люди всех классов общества могли наслаждаться цветочной композицией своего собственного изготовления. Основу композиции в стиле сека составляют три главные ветки, дополненные более короткими веточками и цветами, размещенные в ряду друг за другом, но создающие эффект выходящих из единого ствола и не соприкасающихся со стенками вазы. Ассортимент секи ограничивается одним-двумя видами растений и редко достигает трех. Сека в переводе означает примерно то же, что и слово икебана, а именно: аранжированные цветы, живые цветы или умение выставить цветы в выгодном свете.

НАГЕИРЭ. Этот стиль появился в XVI в. в связи с созданием чайных домиков, где мастера чайной церемонии придавали менее формальный вид своим композициям из цветов. Благодаря этому появилась натуралистическая аранжировка, известная под названием «нагеирэ», что означает «вброшенные цветы». Также, как и композиция в стиле сека, она составляется из трех компонентов, образующих разносторонний треугольник. В отличие от секи, где формальная группа плотно прижата к кензану и ни одна часть аранжировки не касается стенок вазы, этот стиль позволяет применить более свободную аранжировку, при которой цветы могут лежать на ободке горла вазы. В нагеирэ применяют высокие вазы, в которых ветки и цветы закрепляют без каких-либо особых приспособлений, хотя существует несколько способов их фиксирования в вазах.

МОРИБАНА. Композиции в низких и плоских вазах, характеризующих стиль морибана, существуют около 80 лет. В стиле морибана (в переводе «нагроможденные цветы») в равной степени сочетаются формальный стиль рикка и натуралистический стиль нагеирэ, а также присутствует и дополнительный третий элемент — создание какого-то пейзажа или картины природы с тем, чтобы аранжировка производила впечатление ландшафта. Зелень и цветы используются более обильно, чем в аранжировках первых двух стилей. Морибана — это естественная форма выражения, направленная на воспроизведение в миниатюре пейзажа или части сада. Хотя в аранжировках морибана очевиден философский символ Небо — Человек — Земля, в них нет той традиционной сжатости и тех формальных сосудов, которые присущи аранжировкам классического стиля. Для составления икебаны в стиле морибана также используется кензан, представляя собой металлическую подставку с тяжелой основой и иголками, между которыми крепят цветы и ветки. Появление морибаны связывают с необходимостью украшения чуждых условности европейских домов, появившихся в Японии во второй половине XIX в., когда страна установила связи с западными странами. Эту задачу не смогли выполнить ни неподвижная формальная аранжировка стиля рикка, используемая чаще во время торжественных церемоний, ни натуралистическая нагеирэ, применяемая для украшения традиционного японского дома.

Многообразию форм, которые составляют композицию икебаны, не уступает ее цветовое богатство, которое имеет столь же глубокий символический смысл, как и геометрические фигуры и линии.

Символика цветов и деревьев, их сочетаний в икебане образует сложный язык. Так, сосна и роза — это вечная молодость и долголетие, сосна и родея (омото) — молодость и вечность, сосна и пион — молодость и процветание, пион и бамбук — процветание и мир, цветы капусты (хаботан), хризантема, орхидея — радость.

Бамбук является символом долголетия, так как он вечнозеленый, и конфуцианского принципа сыновней почтительности, так как, согласно легенде, молодые побеги бамбука появились внезапно в ответ на мольбы и слезы почтительного сына, который хотел исполнить желание старой матери: ей очень хотелось похлебки из побегов молодого бамбука. Бамбук олицетворяет также мужскую волю и несгибаемость, утверждаемые этикой дзэн-буддизма: он полый внутри — этой пустоте уподоблено очищенное от эгоистичных стремлений сердце самурая, бамбук не ломается и очень прочен.

Веточки бамбука, сосны и сливы часто группируют вместе, и они олицетворяют долголетие, так как все эти растения остаются зелеными и в холодную пору.

Символом Японии являются цветы хризантемы. Естественно, что эти цветы — частый мотив икебаны: искусство составления композиций из хризантем продумано японскими мастерами с особой тщательностью. Философско-поэтические ассоциации, связанные с этим цветком, особенно многоплановы и глубоки. Хризантемы уподобляют одиноким вершинам с их чувством собственного достоинства и покоем, они словно благородные люди с их чувством долга. Такие растения уникальны — они возвышаются над пошлостью и воплощают сущность осени.

Ветка абрикосового дерева также нередко используется в икебане, это растение выступает как символ красоты и изящества женщины: глаза японок часто сравнивают с яйцевидными зернышками абрикоса. Цветущая ветка яблони выражает пожелание мира в семье, который воцаряется благодаря добродетели жены и матери, икебана в виде натюрморта из нескольких яблок знаменует вечное согласие. Жасмин олицетворяет сладостность наслаждения жизнью, ее полноту и терпкий аромат. Это растение используется в чайной церемонии. Белизна его цветов, совершенство каждого лепестка, сильный запах очерчивают своеобразие жасмина как знака подлинного бытия и стремления насладиться им, обрести это бытие.

В Японии это искусство продолжает оставаться объектом серьезного познания, длительного и трудоемкого обучения, освоения священного ритуального действа, поскольку для многих икебана остается не только элементом национальной культурной традиции, но и совершенной моделью мироздания. Три начала, определяют структуру икэбаны: Небо, т.е. природа, Земля, условно говоря, земные дела, и Человек, как связующее звено между этими первоначалами мира. Небо, Земля и Человек составляют традиционную основу любой композиции икебана.

Икебана — удивительный способ выражения мыслей и всевозможных символов; на языке икебана можно выразить настроение, чувства и образы. Так, например, икебана может олицетворять собой развитие во времени. Материал композиций может подсказать время года. Весна — это ветки кустарников с полураспустившимися бутонами, а также — цветы, характерные для этого периода (мимоза и нарцисс — март, тюльпан и сакура — апрель, пионы — май). Лето — царство распустившихся лепестков роз, букетов из ирисов и подсолнухов. Осень — тонкие ветки кустарников с плодами. Зима — ветви деревьев, розы и фрезия. Весне характерен нежно-зеленый цвет, лету — красный, осени и зиме — белый.

Определенные правила есть и для составления букетов к каждому празднику. Букеты к Новому году составляют из листьев бамбук и веток сосны. На свадьбу предпочтительнее наполнить букет цветами сливы и ветками абрикосового дерева. Более других японцы почитают четыре «благородных» растения — хризантему, орхидею, побеги молодого бамбука и дикую сливу. Два первых являются олицетворением радости, бамбук являет собой отображение мужской воли и несгибаемости. Хризантема же является официальным символом Японии.

В японской культуре икебана нередко выступает как посредник в общении между людьми. Икебану дарят родным или друзьям как знак добрых пожеланий. Гостя приглашают полюбоваться икебаной, созданной для того, чтобы почтить его или выразить радость по поводу его прибытия. Икебану готовят, чтобы отметить особые совместные празднества или просто использовать ее как объект для дружеской беседы. Правила пристойности в японском обществе не дозволяют смотреть собеседнику прямо в глаза, что может быть сочтено как непочтительность, назойливое любопытство и т.п. Лучшим способом установления контакта и является икебана, которая может положить начало интересной беседе, дружескому общению. В японских интерьерах икебану можно увидеть не только на алтаре перед изображением божества, но и на полочках, где она помещается рядом с какими-нибудь художественными изделиями, статуэткой из нефрита, лаковой шкатулкой с инкрустацией, или в традиционных нишах токонома, перед свитком с изображением пейзажа или каллиграфической надписью.

Несмотря на то, что освоить искусство «Живых цветов» довольно сложно, это очень увлекательно, ведь икебана — не только самовыражение человека, но и глубокая духовная пища, как бы частичка особой красоты, вспыхивающая в том, кто окунается в этот мир удивительного и прекрасного!

Жизнь цветов: Стили и правила составления икебаны Читать дальше »

Шаржи и карикатура: Происхождение, история и основы

Как и другие модные термины в изобразительном искусстве корни слова «шарж» ведут во Францию. По французски «сharge» означает преувеличивать. Именно от слова «charge» (юмористический портрет) происходит современное понятие изображения человека с элементами сатиры. В 19 веке распространились картины и рисунки, в которых люди почему-то изображались с неестественно большими размерами головы. Несмотря на эту деталь (а скорее даже благодаря ей) жанр стал набирать обороты популярности. Шаржи были отчасти привилегией для  политических деятелей и знаменитых артистов. Вскоре стало понятно, что для создания шаржа базовых навыков живописи недостаточно. Художник должен быть хорошим психологом, иметь «цепкое» зрение и богатый жизненный опыт. Вследствие этого, хорошие шаржисты стали дефицитом. Так что те, кто думает будто всё очень просто, ошибаются — нарушение стандартных пропорций тела не является гарантией успешного шаржа. Как ни крути, но и здесь тоже необходима гармония. Более того — великий Моор (русский художник, мастер графики, основоположник советского политического плаката) утверждал, что для работы над подобными изображениями нужна композиция.

 

Со временем шаржи стали появляться в самых популярных изданиях массовой информации. Они стали обязательными, сродни литературным пародиям и гороскопам. Ещё позже стало модным рисовать шаржи во время проведения различных праздников, дабы развеселить гостей. Часто бывало и так, что тот или иной гость, увидев результат работы художника, называл это мазнёй и жалким подобием на себя. Доходило и до оскорблений автора вплоть до изгнания с приёма. Правда, это случалось в основном по одной причине — отсутствие чувства юмора. Особенно тяжело приходилось авторам политических шаржей в советское время. Могли сразу упечь в тюрьму, или сначала посмеяться, а потом упечь. Есть и обратная сторона медали: некоторые художники в ответ на просьбу сделать шарж говорят сквозь зубы, что, мол, это низкопробное искусство и они не станут тратить на него время. Тут уже труднее определить, в чём дело — то ли в мании величия, то ли просто в отсутствии опыта. Вместе с этим шаржи, связанные с политикой, могли стать своеобразным рупором народной мысли. собирательный, но каков эффект!

Многие мастера искусства на протяжении всей своей жизни говорили, что шаржу нужно учиться отдельно и усердно. Клод Моне, рисовал дружеские шаржи на своих друзей. Они выглядят смешно и по-доброму. Нужно быть гениальным, чтобы точно передать хитрость, наивность, глупость или жадность в иронической форме. В результате сам персонаж может стать ближе и понятнее простым людям. В людных местах центра города часто можно встретить на своём пути сидящего на улице художника, готового изобразить Вас или Вашего друга в шуточной форме. Баснословных денег это не стоит, а памятный рисунок останется навсегда и при случае будет поднимать настроение.

Карикатуры Клода Моне.

Материалы для написания шаржей могут быть самыми разными: от простого карандаша до более серьёзных, таких как пастель, акварель, цветные мелки и фломастеры.

Новое прочтение шаржа можно отметить в 1924 году, когда один из участников петербургского творческого объединения «Мир искусства», художник Мстислав Добужинский составляет серию акварельных шаржей к «Весёлой азбуке» Натальи Павловой. Книга радует глаз своим оформлением: красочным, изящным, остроумным.

Полусумасшедший изобретатель — вполне в духе фантастики и детективов двадцатых…

Образцы профессионального шаржа оставили потомкам художники завсегдатаи кабаре «Бродячая собака» в Петербурге, а также создатели уникального альманаха «Чукоккала», который составлял Корней Чуковский с 1914 по 1969 год. Он содержит автографы и рисунки поэтов, писателей, музыкантов, художников и других выдающихся людей ХХ веком. «Чукоккала» полна юмора: здесь можно увидеть шуточные экспромты, шаржи, пародии, эпиграммы  реплики из шутливой перепалки её авторов. Но есть в ней и горькие, пессимистичные или резкие, язвительные высказывания «о наболевшем». Само собой, цензорам они должны были показаться крамольными, да и сам факт присутствия на страницах альманаха, запрещённых, авторов делал её публикацию совершенно невозможной. Поэтому «Чукоккала» долгое время не покидала дом своего владельца.

Близкий к шаржу жанр  это портрет-гротеск.  Разница весьма условная.  Вероятно, шарж, это гротескный портрет с юмором.

Отличие шаржа от карикатуры. Шарж часто путают с карикатурой. В западноевропейских языках, что шарж что карикатура, всё одно слово caricature. По русски, однако, имеются смысловые оттенки. Шарж в нашем понимании это беззлобный, добродушный рисунок. Если карикатура это сарказм, то шарж это юмор. Не зря говорят «дружеский шарж», но «политическая карикатура».

Карикатура. Джеймс Гилрей. Наполеон и Питт делят мир. 1805
В карикатуре автор сознательно искажает черты лица и фигуры, манеру поведения персонажей для их осмеивания. Комический эффект также достигается с помощью методов художественного преувеличения и неожиданного сопоставления общеизвестных фактов. Название термина «карикатура» происходит от итальянского слова «caricare» (загружать, преувеличивать).
Карикатура — это жанр искусства с ярко выраженной социально-критической направленностью. Она нередко становится действенным инструментом в борьбе с пороками общества, негативными явлениями в социальной, политической и бытовой сферах жизни людей. Легкомысленные карикатурные образы позволяют в доступной форме донести массовому зрителю основную идею сатирического произведения.
История карикатуры берет свое начало в глубокой древности. Еще в античной Греции большой популярностью пользовались изображения на амфорах, изобличающие всевозможные человеческие пороки (алчность, гордыню, прелюбодеяние, похоть).
Карикатура. Леонардо да Винчи. Гротескные головы. 1490
В картинах Питера Брейгеля Старшего (Pieter Bruegel de Oude) и Иеронима Босха (Hiëronymus Bosch) часто встречаются сатирические сюжеты и образы. Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) создавал зарисовки с гротескными изображениями людей, а Джузеппе Арчимбольдо (Giuseppe Arcimboldo) — свои знаменитые «курьёзные» картины.
Карикатура обычно представляет собой сатирический рисунок на злободневную тематику. Произведения этого жанра классифицируют по следующим критериям:
  • по цветовому решению (монохромная или цветная);
  • по степени критического воздействия (оскорбительная или дружелюбная);
  • по тематике (политическая, социальная, бытовая, научная, религиозная, рекламная);
  • по технике исполнения (графика, живопись, коллаж, плакат, инсталляция);
  • по области применения (для печатных СМИ, в качестве книжных иллюстраций, в календарях, буклетах).
Первый профессиональный карикатурист — Пьер-Леоне Гецци (Pier Leone Ghezzi) жил и работал в Италии в конце XVII — начале XVIII века. В его творческом наследии имеются изящные картины, фрески и росписи по эмали в стиле рококо, но огромную популярность выдающийся график приобрел благодаря своим многочисленным сатирическим изображениям современников.

Полноценное зарождение жанра карикатуры состоялось лишь в XVI веке в Германии, во время Крестьянской войны и периода Реформации. Неизвестные народные авторы изображали на печатных листках сатирические образы представителей власти и католической церкви. Чуть позже молодой жанр появился в ходе буржуазных революций в других странах Европы (Голландии, Англии и Франции).

Карикатура. Уильям Хогарт. Агитация. 1755
В середине XVIII века жанр карикатуры получил широкое распространение в других странах Европы и Северной Америке. Выдающийся мастер Уильям Хогарт (William Hogarth) первым в Англии начал создавать карикатурные гравюры. Его художественный почин продолжили другие представители жанра — Джеймс Гилрей (James Gillray) и Томас Роулендсон (Thomas Rowlandson). Карикатуристы той эпохи смело критиковали аристократов и даже королевских особ, а властители весьма снисходительно относились к их творчеству.
Карикатура. Джордж Крукшанк. «Примерка сапог Наполеона королем Франции Людовиком XVIII», 1823
В XIX веке искусство карикатуры пережило подлинный расцвет. Этому способствовало несколько факторов:
  • появление новых техник гравюры и живописи;
  • бурный рост печатного производства;
  • стремительная политизация общества;
  • многочисленные революционные события в странах Европы.
Карикатура. Оноре Домье. Гаргантюа. 1831
Величайшим карикатуристом XIX века по признанию большинства историков был Оноре Домье (Honoré Daumier). Именно французский мастер изобразительной сатиры сделал карикатуру полноценным жанром искусства. Его карандашные рисунки и литографии приводили в бешенство короля Франции Луи-Филиппа. Полные злобных насмешек сатирические образы были легко узнаваемыми и точно попадали в цель. За одну из своих работ Домье даже угодил на полгода в тюрьму.
В ХХ веке интерес к карикатуре только усилился. С развитием демократии художники этого жанра стали более защищенными от нападок властей, а спрос на изобличительные сатирические рисунки значительно возрос. По достоинству оценили силу карикатуры и правители тоталитарных режимов. В гитлеровской Германии и сталинском Советском Союзе сатирические образы умело использовались для пропаганды господствующей идеологии и расправы над инакомыслием.

 

Карикатура. Алекс Гард. Идеальный американский образец военного призывника. 1943
Карикатура. Кукрыниксы. Потеряла я колечко. 1944
Карикатура. Борис Ефимов. Нет — звездным войнам. 1986
Даже в начале XXI века карикатура не утратила своей социальной остроты. Этот жанр продолжает выполнять свою главную функцию — критикует пороки нашего общества. К сожалению, профессиональная деятельность карикатуристов не всегда вызывает должную оценку. В январе 2015 года исламские фанатики учинили кровавую бойню в редакции французского журнала Charlie Hebdo, который опубликовал сатирические изображения пророка Мухаммеда. Жертвами террористов стали 17 человек: сотрудники печатного издания и полицейские.
С каждым веком человек становится всё нежнее и циничнее. Мы все реже задумываемся о природе, об окружающих и даже самых близких людях, зато всё чаще с экранов телевизора можно услышать о войне, катастрофах и трагедиях. В кого же мы превращаемся, раз нас интересует только это? Историю и наше будущее показывают карикатуры, а добрый смех над собой и поднимают настроение шаржи, которые в наши дни остаются чрезвычайно важными для общества жанром изобразительного искусства. Они нравятся зрителям разных возрастов, полов и социального положения, добросовестно выполняя свои функции.

Карикатуристы, художники-портретисты и шаржисты из года в год рисуя на улицах больших городов  несут искусство в массы. Если заказать портрет не всем по карману, то шарж Вам нарисуют за смешную цену, хотя шедевры и бесценны …

 

Шаржи и карикатура: Происхождение, история и основы Читать дальше »

Лучшие книги по анатомии человека и животных для художников

Анатомия всегда являлась самой больной темой каждого художника. На ее изучение уходят многие годы, в такой ситуации без помощников не обойтись. Поэтому я составила для вас свой ТОП-7 лучших книг по анатомии человека для художников.

 

1. Готтфрид Баммес «Образ человека»

Готтфрид Баммес «Образ человека»

Этот учебник и практическое руководство по пластической анатомии для художников по праву считается одним из самых популярных в мире. Мастерство преподавателя и его безупречные знания пластической анатомии соединились в эту книгу. В этом учебном пособии Баммес использует схематичные рисунки, разделенные на простые геометрические формы, что позволяет понять плоскости той или иной части тела.

2. Николай Ли «Основы учебного академического рисунка»

Николай Ли «Основы учебного академического рисунка»

Как вы могли понять из названия, в данном учебном пособии целый курс по учебному академическому рисунку. Это настольная книга многих художников, в которой также обширно расписан анатомический курс. Также это пособие поможет вам подготовиться к экзаменам в творческий университет.

3. Улдис Заринс и Сандис Кондратс «Анатомия для скульпторов»

Улдис Заринс и Сандис Кондратс «Анатомия для скульпторов»

Эта книга благодаря своему визуальному сопровождению поможет вам понять анатомию человека. Ею пользуются не только скульпторы, а также художники и иллюстраторы. Каждая мышца рассматривается не просто на нарисованных художником иллюстрации, а также на реальных фотографиях человека. Мышцы разделены на разные цвета, что помогает процессу запоминания и понимания.

4. Енё Барчаи «Для художников»

Енё Барчаи – профессор, много лет преподававший в Будапештской высшей школе изобразительного искусства. Книга «Анатомия для художников» — результат его многолетней педагогической деятельности.

Общеизвестно, что без знания анатомии невозможно верно передать особенности фигуры человека, характер его движений. Профессор Барчаи пользуется для показа человеческого тела методом художественного изображения. Его анатомические рисунки не только точное воспроизведение человеческий костей и мускульной системы, но и работы художественной ценности. Книга «Анатомия для художника» — хороший справочник для начинающего художника при изучении строения человеческого тела.

5. Рабинович М.Ц. «Пластическая анатомия человека, четвероногих животных и птиц»

Рабинович М.Ц. «Пластическая анатомия человека, четвероногих животных и птиц»

Рабинович занимает особое место. именно по его пособиям изучают пластическую анатомию в университете. Особенность этой книги в том, что автор имеет не только художественное образование, но и высшее медицинское, поэтому информация в ней имеет большую практическую ценность для художников и студентов. Эту книгу стоит не только смотреть, но и очень внимательно читать, так как именно в тексте описаны все нюансы той или иной мышцы и кости, что невозможно изобразить в картинке. Есть несколько его пособий, но это является самым доступным для поиска в интернете.

6. Наум Механик «Основы пластической анатомии»

Наум Механик «Основы пластической анатомии»

Издание представляет собой руководство по пластической анатомии для высших художественных учебных заведений.
Преподаватели рисунка, живописи и скульптуры должны найти в таком руководстве достаточно полный по объему и научный по содержанию материал, пользуясь которым, они сумеют помочь учащимся глубоко изучить пластическую форму человека.

7. Готтфрид Баммес «Анатомия животных»

Готтфрид Баммес «Анатомия животных»

На многие вопросы по анатомии человека и животных вы найдете ответы в нашей подборке книг и пособий. Эти книги рекомендуются студентам и преподавателям педагогических вузов и колледжей, руководителям изостудий и художественных кружков, самодеятельным художникам.

Лучшие книги по анатомии человека и животных для художников Читать дальше »

10 самых знаменитых пейзажей русских художников

Картины знаменитых русских художников о природе раскрывают многоликую красоту огромной России. Мы видим на них прозрачные берёзовые рощи и суровую тайгу, сдержанную поэзию северных земель и сочные краски южных краёв, разливы рек и буйство морей, таинственную глубину омутов и затерянные лесные тропинки. Зимние снега, весенняя оттепель, солнечный летний жар, осенняя печаль — всё это есть в работах мастеров-пейзажистов.

Специально для Вас мы подобрали 10 самых знаменитых пейзажей русских художников.

 

1. Алексей Саврасов «Грачи прилетели», 1871

Новаторский стиль автора, взгляд на русскую природу стали значимой вехой в истории живописи, его проникновенный художественный голос не стих. Интерес к личности и творчеству Саврасова по-прежнему велик: о нем снимают фильмы, пишут критические статьи, делают выставки, обобщающие богатое наследие художника в глазах потомков.

Грачи прилетели. Холст, масло. 62х48. 1871.

Саврасова по праву можно считать основоположником русского пейзажа. Более подробнее о Алексее Саврасове можно прочитать тут >>>

 

2. Иван Шишкин «Утро в сосновом лесу», 1889

Шишкинские тёмные леса, яркие рощи и поляны, белые цветы и люди вдалеке, каменные глыбы и просёлочные дороги — каждая из этих деталей удобно сливаются, выходя из-под кисти автора, заставляя пейзаж навсегда остаться в памяти человека, и завлекая его своей матовой шероховатостью холста.

Утро в сосновом лесу. И. Шишкин. 1889

Смело можно сказать, что Иван Шишкин — царь леса и деревьев. Более подробнее о Иване Шишкине можно прочитать тут >>>

 

3. Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре», 1880

В поиске новых эффектных цветовых решений Куинджи экспериментировал с красками, различными пигментами, изучал влияние света на материалы. Его эксперименты, вызывавшие большой интерес коллег, впрочем, не были поддержаны другими художниками, которые опасались (и справедливо) недолговечности новых комбинаций красок.

Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре», 1880

О Архипе Куинджи и его магических картинах можно узнать тут >>>

 

4. Иван Айвазовский «Девятый вал», 1850

Смотрите и восхищайтесь — «Царь моря» русский маринист Иван Айвазовский и его знаменитая картина «Девятый вал». Сила и мощь стихии завораживает.

Иван Айвазовский «Девятый вал», 1850

Насладиться морем: то тревожным сине-зеленым, то безмятежным, тихим, спящим, то бледно-голубым, порытым туманной дымкой можно тут >>>

 

5. Василий Поленов «Московский дворик», 1878

Многогранное творчество художника не исчерпывалось достижениями в области пейзажного жанра. Живописец и театральный художник, архитектор и музыкант, он раскрыл свое дарование в каждом из жанров и видов искусства, во многих отношениях выступил как новатор.

Василий Паленов — Московский дворик (1878)

О творчестве и таланте Василия Поленова можно узнать тут >>>

 

6. Исаак Левитан «Вечерний звон», 1892

Женщины, влюблявшиеся в художника (а таковых были десятки), теряли сон и покой. Внешняя Левитанова привлекательность в среде его знакомых стала притчей во языцах, друг художника Антон Чехов иронизировал в письмах: «Я приеду к вам, красивый, как Левитан».

Исаак Левитан. «Вечерний звон», 1892

О мастере «пейзажного настроения» и медитативных полотен в русском искусстве Исааке Левитане можно узнать тут >>>

 

7. Исаак Левитан «Золотая осень», 1895

Картина написана почти в импрессионистической манере, и, судя по всему, Левитан не подсмотрел её у французов, а пришёл к ней сам.

Исаак Левитан «Золотая осень», 1895

О трагической судьбе и мастере пейзажей Исааке Левитане можно узнать тут >>>

 

8. Игорь Грабарь «Февральская лазурь», 1904

Картина «Февральская лазурь» написана довольно объёмными мазками, и играет настоящим живым искрящимся светом. Грусть и чистота света создает уютную атмосферу зимнего пейзажа.

Игорь Грабарь «Февральская лазурь», 1904

О «Прирожденном жизнерадостнике» (как сам себя охарактеризовал Игорь Грабарь в письме к А. Н. Бенуа), человеке огромной деловой энергии можно подробнее прочитать тут >>>

 

9. Иван Шишкин «Рожь», 1878

И снова «царь леса и деревьев» Иван Шишкин. Засеянное поле, просёлок, деревья — типичный пейзаж родных степных краях России. Шишкин написал эту картину неподалёку: в окрестностях Елабуги.

Иван Шишкин «Рожь», 1878

Более подробнее о Иване Шишкине можно прочитать тут >>>

 

10. Исаак Левитан «Над вечным покоем», 1894

Шедевр Левитана «Над вечным покоем» называют «самой русской картиной». Художник писал её под звуки траурного марша из «Героической симфонии» Бетховена. Один из друзей Левитана назвал эту картину «реквиемом самому себе».

Левитан И.И. Над вечным покоем. 1894

О трагической судьбе и мастере пейзажей Исааке Левитане можно узнать тут >>>

 

Картины русских художников о природе — драгоценный ларец в мировой сокровищнице живописи. Россия дала планете плеяду великих пейзажистов, запечатлевших в своих произведениях бескрайние просторы и укромные уголки Родины. Картины великих русских художников отображают природу через призму творческого взгляда, передавая чувства и настроение.

10 самых знаменитых пейзажей русских художников Читать дальше »

Основы рисования: 15 лучших учебников для художника

Если вы самостоятельно решили изучать курс рисования, то вам понадобятся профессиональные и понятные книги и учебники. Часто у нас не хватает времени подобрать необходимую литературу для самостоятельного обучения, а это главное —  нужно тщательно подготовиться, потому что вашим учителем будете вы сами.

В первую очередь необходимо понять, какими именно знаниями вы должны овладеть. Решающее значение в самостоятельном обучении имеют правильно подобранные книги.  В учебных заведениях для художников-живописцев преподают следующие дисциплины: рисунок, живопись, композиция, цветоведение, анатомия и перспектива.

Специально для вас мы подобрали 15 учебников для начинающих художников.

Рисунок

1. Владимир Шаров: Академическое обучение изобразительному искусству

Данная книга представляет