Петербургские искусствоведческие тетради

Василий Звонцов: В «искусстве надо идти пешочком, осматривая все, а не мчаться к славе на лайнерах и крылатых конях.»

Выпускник графического факультета Академии художеств Звонцов Василий Михайлович, как художник и педагог, явление уникальное с особым даром. Он сравним с камертоном, путеводной звездой, источником силы и твердости духа.

Родился Василий Михайлович 13 апреля 1917 г. в деревне Вахонькино Вологодской области в семье сельских учителей. Детство прошло в деревне, затем в г. Череповце.
В 1952 году, сразу по окончании Института им. И. Е. Репина, получив диплом с отличием и звание художника, член Ленинградского отделения Союза художников СССР В. М. Звонцов приступил к педагогической деятельности.
Василий Михайлович Звонцов

С его именем связан расцвет преподавания офорта в Академии художеств. Приобщая молодых к сложному и изысканному искусству офорта, он вскоре стал одним из любимейших педагогов. На эту самую неподатливую, трудоемкую и химически вредную технику студенты шли ради учителя. Увлеченность самого Звонцова этой техникой «просто завораживала. Будучи глубоко поэтической натурой, настоящим лириком, он умел, как никто из преподавателей дать другим душевный настрой, пробудить энтузиазм к работе». Основательно и значительно выглядела под руководством В. М. Звонцова офортная мастерская. Звонцов учил на своем примере, сам работал, рассуждал, показывал. И то, как он брал в руки офортную доску, как разглядывал ее…— а его движения были неспешны, как будто он совершал ритуал,— студентам казалось, «что они присутствуют при совершении таинства. Его движения уже были примером как это надо делать, а, главное, как ко всему этому надо относиться».
Он любил повторять, что в «искусстве надо идти пешочком, медленно, осматривая все, примечая все, а не мчаться к славе на лайнерах и крылатых конях. Толку не будет никакого. Сейчас молодые озабочены тем, как найти краткий путь к успеху. Такого пути не бывает». То, что нет предела совершенствованию мастерства, и то, что «постоянная неудовлетворенность до сих пор сделанным, нескончаемая работа над приобретением и совершенствованием мастерства— естественное и необходимое состояние художника», видели ученики Звонцова на примере учителя. И это было убедительнее любых словесных увещеваний.

Василий Михайлович Звонцов.
«Пуховая зима». 1961.
Лавис, сухая игла. 27 х 16,5 см.

Строгий и требовательный он вместе с тем никому не навязывал своих пристрастий, поэтому из его мастерский вышли такие разные художники, как В. Шистко, М Брусиловский, М. Майофис, Г. Врабие, К. Претро, В. Алексеев, Т. Соловьёва-Домашенко, Е. Звонцова, В. Хвостов, В. Курочкин и многие другие. Но какими бы разными не были выпускники Звонцова, всем им передалось его особое очарование природой. Он учил любить, видеть и понимать русскую природу, улавливать тончайшие изменения в ее состоянии, учил прежде всего вниманию. Летняя практика, проводимая каждый год в Пушкинских горах, давала для этого богатые возможности. Влюбленный в заповедный край, Звонцов открывал своим ученикам его очарование. Делались этюды, писались пейзажи, создавались композиции по мотивам пушкинских произведений, а в конце практики устраивались выставки студенческих работ и лучшие из них остались в подарок заповеднику. Эта традиция, зародившаяся в 1957 году, нашла отклик как у преподавателей графического, так и живописного факультета института.

Василий Михайлович Звонцов.
«Осенняя Сороть». 1968.
Сухая игла. 25 х 30,5 см.

Звонцова любили и доморощенный праздник— «день офортиста»— отмечали 13 апреля, в день рождения учителя. Через шутливый обряд посвящения проходили третьекурсники, выбравшие офорт и пополнившие собой трудолюбивое и увлеченное сообщество учеников В. М. Звонцова. До сих пор бывшие его ученики поддерживают эту традицию и отмечают день рождения своего учителя как «день офортиста».
Годы блестящей преподавательской работы в Академии художеств увенчались учебником по офорту, написанным совместно со своим учеником В. И. Шистко. Это пособие — настольная книга всех российских офортистов, самый популярный учебник для графиков, в котором очень просто и понятно рассказано о графических техниках, разновидностях эстампа, даны необходимые справочные сведения по технологии этого вида гравюры, оборудованию и материалам. Изданный в 1971 году, переведенный на иностранные языки, этот учебник до сих пор остается единственным в своем роде. В 2004 году вышло второе издание этой книги, дополненное новой информацией, которой обогатились авторы за годы длительной практики.
Звонцов мог бы продолжать преподавательскую деятельность в Институте им. Репина, но в 1970 году он считает это уже неприемлемым в силу сложившейся ситуации на графическом факультете, и принимает предложение издательства «Аврора», где 1970 по 1974 гг. являлся главным редактором экспортного специализированного издательства, выпускающего литературу по изобразительному искусству.

Никогда не прекращалась его творческая деятельность. Его графические листы были всегда украшением петербургских, республиканских, всесоюзных и международных выставок. Персональные выставки работ В. М. Звонцова экспонировались во многих городах России, в том числе и в Пушкинских горах, где он постоянно работал, приезжая для этого из Ленинграда по несколько раз в год.

В последующие годы мастер всецело отдается творчеству. Он много работает до последних своих дней, сохраняя удивительную легкость и энергичность рисунка, тонкость цветовых нюансов и чарующую красоту композиционных решений. Высочайший уровень мастерства счастливо соединился в Звонцове с богатейшим жизненным опытом и благородством его души.

Василий Михайлович Звонцов.
«Багульник». 1971.
Китайская тушь, акварель. 44,5 х 29,5 см.
Умер В.М. Звонцов 20 ноября 1994 г. (77 лет) в Санкт-Петербурге.
Как человек очень неравнодушный, Звонцов всегда принимал активное участие в общественной жизни Союза художников. К его мнению прислушивались, в его присутствии как-то не решались пустословить. И когда в организационной структуре Ленинградского Союза художников был введен институт секретариата, Звонцов был избран секретарем по графике. Нововведение это просуществовало один выборный срок, то есть четыре года, и было отменено.
Так и остался Василий Михайлович первым и единственным художником-графиком, занимавшим эту должность.
Василий Михайлович Звонцов.
«Марусин хутор». 1986.
Уголь. 32 х 38 см.
Графика — искусство камерное. По негласной установившейся традиции в каталогах больших отчетных выставок советского периода раздел графики всегда занимал третью позицию после живописи и скульптуры.

 

Василий Звонцов: В «искусстве надо идти пешочком, осматривая все, а не мчаться к славе на лайнерах и крылатых конях.» Read More »

Гага Ковенчук: Остросатирические и ироничные хулиганские трюки

Живописец и эссеист, график, плакатист, художник книги и сценограф, также занимавшейся керамикой и малоформатной скульптурой Гага (Георгий Васильевич) Ковенчук родился в Ленинграде 2 декабря 1933 года.
Отец художника — Василий Григорьевич Ковенчук (1905–1987), вое-вавший с 1941 г. в народном ополчении на фронте ВОВ, в 1950 г. по ложному обвинению в шпионаже был репрессирован. Мама— театральный скульптор и бутафор Нина Николаевна Ковенчук работала в театре Акимова, дед— художник и теоретик русского авангарда Николай Кульбин. Раннее детство Ковенчука прошло в доме 20 на ул. Правды. Во время блокады Ленинграда был в эвакуации, с мамой, сначала в Куйбышеве, а затем в Сталинабаде. Первая мастерская (с 1960 г. на двоих с М. Беломлинским) находилась на улице Репина, впоследствии в 1970–80-е гг. (16 лет) занимал мастерскую на наб. реки Карповки, позже работал в своей мастерской в Пушкине. Впоследствии жил в коммунальной квартире на ул. Гороховой, которую описал в своих рассказах. В начале 1980-х Г. В. Ковенчук переехал в квартиру на набережной канала Грибоедова, д. 116.

Гага Ковенчук

Азы искусства Георгий Ковенчук осваивал в СХШ, затем на графическом факультете в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, в мастерской А. Ф. Пахомова (1954–1960). Защитил диплом серией плакатов за которую получил оценку «отлично». Еще студентом художник становится участником творческого объединения мастеров плаката «Боевой карандаш». Сразу после окончания института был принят на секцию графики в ЛОССХ (с 1960 г.), член Союза журналистов. В 1960–80-е годы создает множество остросатирических, а порой ироничных социальных плакатов, издававшихся тысячными тиражами, но ставших теперь коллекционной редкостью. Пожалуй, самым знаменитым стал плакат, нарисованный Ковенчуком в 24 года: «Не за узкие брюки, а за хулиганские трюки. (Комсомольский патруль)» (1957 г., 44 × 58 см) воспроизведенный впоследствии в отрывном календаре (1959 г., тир. 1500 000 экз.) и неоднократно репродуцированный в позднейшее время. Так же к числу наиболее известных плакатов Г. К. принадлежат: «Этот вирус из лени вырос» (1959 г., 58 × 44 см); «За такие шутки получают сутки» (1972 г., 58 × 44 см, тир. 4400 экз.); «Джентльмен у дачи» (1972 г., 56 × 42 см) и другие.

«Не за узкие брюки, а за хулиганские трюки. (Комсомольский патруль)» (1957 г., 44 × 58 см)

Первая персональная выставка Ковенчука открылась в Ленинграде в 1971 году, но, проработав всего несколько дней, была закрытая властями по идеологическим соображениям, с формулировкой за формализм.
Художник работал как иллюстратор для издательств и ряда журналов: Аврора, Костёр, Мурзилка (с 1975) и других. От журнала «Костёр» Ковенчук два раза ездил в творческие командировки на БАМ. В журнале Аврора около двух лет со дня основания журнала занимал должность главного художника (1969–1972). В 1973 году, к 40-летию художника коллеги по редакции в единственном экз. подготовили спецвыпуск Авроры, над которым работали: Леонид Каминский, Геннадий Никеев, Александр Шарымов. На протяжении всей жизни Ковенчук работал как книжный художник, иллюстрируя сочинения русских писателей XX века (братьев Стругацких, Даниила Гранина, Виктора Голявкина, Александра Житинского, Сергея Вольфа, Александра Шалимова, Симона Соловейчика и др.); некоторые из этих книг были опубликованы за рубежом (например, сборник рассказов М. М. Зощенко в 2011 году вышел в Японии). Наиболее известны оформленные им книги: «Из записных книжек» И. А. Ильфа (выдержало несколько переизданий) и выпущенный тиражом 30000 экземпляров «Клоп» В. В. Маяковского. Для своего времени эта книга Ковенчука стала значительным культурным событием, сенсацией3. Издание этой книги имеет непростую историю. Если бы не азарт и энергия художника и помощь, оказанная ему Лилей Брик, Константином Симоновым и Валентином Плучеком, ее не случилось бы. Впрочем, в итоге за графику к комедии Маяковского «Клоп» Георгий Ковенчук был награжден дипломом «Лучшая книга года» (1975); серебряной медалью Международной бьеннале графики в г. Брно (Чехия, 1994). В 1986 году в польском театре «Стара Проховня» (Варшава) Войцехом Семионом был поставлен кукольный спектакль «Клоп»; сценография Жанны и Георгия Ковенчуков, керамические фигуры персонажей по мотивам своих иллюстраций к В. Маяковскому сделал Г. Ковенчук. Достаточно точно творческую универсальность Ковенчука характеризуют следующие слова Александра Боровского: «Имя Гаги Ковенчука— веселое имя. Это художник неунывающий. Массу вещей он начал делать первым: увлекся тем, что сегодня называется медийным искусством— использовал в своих работах кино- и фотоматериалы, искал и находил для этого особую визуальную форму. Я тогда сердился на него — почему не закрепляешь свои находки в декларациях и текстах? Гаге все это было неинтересно: вымучивать манифесты, осваивать терминологию, цитировать Гройса, заниматься public relations. Всю жизнь ему интересно рисовать, писать маслом, оформлять книги и спектакли…»
В 2013 году в формате книги художника издательством Тимофея Маркова, ориентированном на выпуск коллекционных книг, была подготовлена новая авторская версия «Клопа» (отпечатанная шелкографией в цвете). В процессе работы над ней Г. Ковенчуком при участии А. Парыгина было подготовлено 25 заново переосмысленных композиций, сформированных на основе материала из трех рабочих макетов Г. В. Ковенчука (конца 1960-х гг.) и окончательного варианта книги 1974 года. Вся работа заняла около 12 месяцев и была закончена в середине 2013 г. Издание выпущено лимитированным тиражом в двух вариантах: как увраж в папке и в твердом подарочном футляре. Общий тираж — 70 экземпляров, 50 экз. на плотной цветной бумаге Canson + 20 экз. на белой (формат всех листов 30 × 42 см). Каждый лист подписан художником и несет указание на номер экземпляра в тираже.
Отдельного упоминания требуют эстампные листы Г. В. Ковенчука. Более чем за 50 лет работы в печатной графике он создал около 300 композиций, используя, казалось бы, все известные техники: офорт и акватинта, литография и линогравюра, ксилография и монотипия, шелкография, трафарет и другие. Наиболее ранние его гравюры датируются первой половиной 1960-х годов. Это монохромные линогравюры, отпечатанные черной краской в сероватом тоне. Г. В. Ковенчук неутомимо экспериментирует с материалом доски, со способами ее обработки и печати: «Зима» (1965 г., 28 × 21,9 см, линогравюра), «На рынке» (1965 г., 17,5 × 22,5 см, линогравюра). Для художника не столь важен тираж, сколь нахождение острой и легкой, графически выразительной фактуры композиции. При этом, один и тот же сюжетный мотив он часто гравирует в различных техниках с незначительными композиционными изменениями. В середине 1960-х гг. Ковенчук работая в литографской мастерской создает серию городских пейзажей и жанровых сцен: «Последний троллейбус» (1965 г., цв. литография); «Ресторан Восточный» (1965 г., цв. литография); «Бокал вина» (1965 г., цв. литография); «Танго» (1965 г., литография) и др. В 1966–68 гг. он начинает использовать картон, как печатную форму, часто комбинируя ее с приклеенными обрезками ткани или марли и кракелюрной текстурой застывшей клеевой массы: «Время» (1968 г., 37,5 × 29,6 см, гр. на картоне); в 1969 г. гравирует серию малоформатных эстампов офортом с сухой иглой, стилистическое решение которых выглядит порой сюрреалистично: «Человек с газетой» (1969 г., 17 × 11,5 см, офорт), «Композиция» (1969 г., 19 × 14,5 см, офорт); в начале 1970-х увлекается гравюрой на дереве и гравюрой на фанере: «Львиный мостик» (1972 г., 25 × 21 см, ксилография), «Канал Грибоедова» (1974 г., 25,5 × 21 см, ксилография), «Мытищи» (1974 г., 25,5 × 19,2 см, ксилография). Примерно, в это же время Ковенчук создает несколько цветных композиций, напечатанных через трафареты.
Заведующая отделом графики Русского музея Наталья Козырева пишет об этом периоде так: «В 1970-е годы широкую известность приобретает графика Ковенчука, пластический язык которой оригинален и самобытен. Его рисунки, исполненные пером или фломастером, всегда отличала сильная, упругая, наполненная жизненной энергией линия, которая под рукой автора сопротивлялась, гнулась и вновь выпрямлялась, набирая крепость. <…>
Ковенчук с удовольствием погрузился в процесс поисков единственно необходимого ему материала и, пройдя через работу в литографии, линогравюре и офорте, изобрел для себя гравюру на картоне, усложненную введением дополнительных элементов, обогативших и изменивших фактуру оттиска».
В 1960–80-е гг. Ковенчук много ездит по стране: он побывал в тундре, в Якутии, в шахтах Кузбасса, на Каракумском канале, шесть раз был на Сахалине, на Курильских островах (Шикотане, Кунашире, Итурупе). В середине 1970-х гг. художник увлечен эффектами, которые дает гравюра на картоне («Геодезисты БАМа», 1974 г, 59 × 49,5 см, гр. на картоне; «Мост че-рез реку Тында», 1978 г., 63 × 50,5 см, гр. на картоне; «На север», 1978 г., 63,5 × 50 см, гр. на картоне и др.). В начале 1980-х гг., по следам своих многочисленных творческих командировок по республикам Советского Союза, художник гравирует серию крупноформатных эстампов: «Рынок в городе Мары» (1980 г., 39,7 × 60 см, гр. на фанере), «Озеро» (1980 г., 40 × 60 см, гр. на фанере) и других. В 2006 г., по впечатлениям от жизни в Париже, Г. В. Ковенчук создает серию примерно из десяти линогравюр, под общим названием «Мулен Руж». В середине 2000-х гг. художником был выполнен ряд цветных литографий на Монмартре, в мастерской Печатник Тома: «Моряки Кронштадта» (2005 г., 45 × 65 см, цв. литография), «В сибирском селе» (2005 г., 45 × 65 см, цв. литография).

Матрос Кронштадта

В 2013 г. в студии авторской печатной графики AP-TM Printmaking (СПб) по рисункам художника, при непосредственном участии Г. В. Ковенчука, был напечатан тираж из 12 цветных шелкографских композиций (32 экз. каждого сюжета). В этой же студии Гагой Ковенчуком была создана последняя в его жизни литография: «Утро в Коломне» (2013 г., 32,3 × 24 см, цв. литография, тир. 90 экз.).
Несмотря на весьма прохладные отношения художника с официальным искусством, в 2003 году он был удостоен серебряной медали Российской академии художеств и звания Заслуженный художник Российской Федерации.
В 1980–2000-е годы Георгий Ковенчук много путешествовал, непрерывно делая путевые наброски и композиционные зарисовки новых сюжетов для живописи. В эти годы он по приглашению галерей и коллег-художников побывал в большинстве европейских стран (Англия, Норвегия, Швеция, Фин-ляндия, Германия, Чехия, Польша, Монако, Бельгия и т. д.), а также в США, Тунисе, Египте, Японии, Китае и других странах мира. На протяжении своей жизни художник встречался, работал, дружил или осуществлял совместные творческие проекты с выдающимися людьми своего времени, в числе которых были: Николай Акимов, Георг Шолти, Алексей Кручёных, Алексей Хвостенко, Марк Шагал, Лиля Брик, Марлен Дитрих, Отар Иоселиани, Булат Окуджава, Даниил Гранин, Грег Капелян, Олег Целков, Рене Герра, Иосиф Бродский, Андрей Битов, Сергей Довлатов, Михаил Беломлинский.


Особые отношения связывают Г. В. Ковенчука с Францией. Начиная с середины 1980-х гг., регулярно, в течение многих лет он жил и работал в этой стране, чаще всего останавливаясь в Париже на Рю Лепик (одной из самых знаменитых улиц Монмартра). В 2004 г. этом городе Гага Ковенчук встретился и сдружился с философом и профессором литературы Леонардо Клеричи, внуком итальянского футуриста Томмазо Маринетти посещавшего в 1914 г. Россию по приглашению деда Г. К.

Мулен Руж

Живописные и графические серии работ, созданные в Париже, занимают в творческом наследии мастера особое место. Излюбленным местом стал для художника Мулен Руж. Свои взаимоотношения с Парижем художник описывал со свойственной ему ироничностью: Галерейщик увидел из окна дома напротив мои картины и сделал в своей галерее выставку. Там была выставлена картина с изображением «Мулен Руж». Эту картину увидел директор «Мулен Руж» и пригласил меня рисовать на репетициях и представлениях. Это было на Монмартре в 1998 году. Каждый раз, когда я приезжаю в Париж, я обязательно прихожу в эту красную мельницу. У меня накопилось много альбомов с рисунками, много картин. Мои рисунки висят в домах парижан и в гримерках артистов.
Гага Ковенчук хорошо знал и ценил французское искусство ХIХ–ХХ вв. Отдавая дань особого уважения фовистам, в первую очередь Анри Матиссу. На уровне идеи, а затем макета Ковенчуком был разработан проект по установке у дома Оноре Домье на парижской набережной Анжу «Памятника прачке»—персонажу знаменитой картины (1853) великого живописца.
Умер Георгий Васильевич Ковенчук в Санкт-Петербурге 3 февраля 2015 года. Похоронен на Смоленском кладбище в Санкт-Петербурге.

Живописные и графические работы художника входят в состав частных коллекций, общественных фондов и музеев по всему миру.

Работы Г. В. Ковенчука в музейных собраниях:
• Государственная Третьяковская галерея, Москва.
• Российская государственная библиотека. Москва.
• Государственный Русский музей. Санкт-Петербург.
• Российская национальная библиотека. Отдел эстампа. Санкт-Петербург.
• Государственный музей истории Санкт-Петербурга. Санкт-Петербург.
• Музей искусства Санкт-Петербурга XX–XXI веков ЦВЗ Манеж. Санкт-Петербург.
• Музей современного искусства СПбГУ. Санкт-Петербург.
• Государственный музей «Царскосельская коллекция». Царское село.
• Государственный музей В. В. Маяковского. Москва.
• Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО». Москва.
• Тамбовская картинная галерея. Тамбов.
• Тольяттинский художественный музей. Тольятти.
• Курская областная картинная галерея имени А. А. Дейнеки. Курск.
• Сахалинский областной государственный художественный музей. Южно-Сахалинск.
• Луганский областной художественный музей. Луганск.
• Елабужский художественный музей. Елабуга.
• Государственный музей искусств республики Казахстан им. А. Кастеева. Алматы. (Казахстан).
• Moravian Gallery in Brno. (Чехия).
• Spencer Museum of Art. (США).
• Zimmerli Art Museum. (США).
• Kolodzei Art Foundation. (США).
• Музей русского искусства. Нью-Джерси. (США).
• Les Musees de La Citadelle. Вильфранш-сюр-Мер. (Франция).

Ковенчук участник множества всероссийских и международных выставок, начиная с 1956 года. Его персональные выставочные проекты были показаны во многих странах мира (Россия, Британия, Франция, Швеция, Монако, Германия, США и др.).

Выборочные персональные выставки:
• Георгий (Гага) Ковенчук. Галерея «ЦЕХ» Псков, 2017.
• Династия— Георгий /Гага/ Ковенчук и Алексея Кульбин. Арт-отель «Рахманинов». СПб. 2016.
• Книжная графика Гаги Ковенчука. Библиотека книжной графики, СПб. 2016.
• ГАГА Георгий Васильевич Ковенчук. 1933–2015. Мраморный дворец. Государственный Русский музей, СПб, 2015.
• Russische Avantgarde in Amorbach. Galerie «Abteigasse 1» Аморбах. Германия. 2015.
• Вспоминая Гагу (выставка графики). Галерея Матисс клуб, СПб, 2015.
• George (Gaga) Kovenchuk. I.B. Clark Gallery (New Hope, Pennsylvania). 2015.
• Георгий Ковенчук. Графика разных лет. Государственный музей «Царскосельская коллекция». Царское село, 2014.
• Гага рисует «Клопа». KGallery, СПб, 2013.
• Я назвал себя Гага. Голубая гостиная СПб СХ, СПб, 2012;
• Два художника (с сыном Алексеем Кульбиным). Музей-квартира Вл. Набокова, СПб, 2012.
• Георгий (Гага) Ковенчук. Живопись, графика. Арт-отель «Рахманинов», СПб, 2010.
• Три поколения петербургских художников. Музей петербургского авангарда. (Дом Матюшина), СПб, 2008.
• Георгий Ковенчук. Интерференция — Япония и не только… Галерея АЯ, СПб, 2007.
• О, этот юг. О, эта Ницца… Курская областная картинная галерея имени А. А. Дейнеки, 2007.
• О, этот юг. О, эта Ницца… Тамбовская областная картинная галерея, 2006.
• Ковенчук. Галерея Матисс клуб, СПб, 2005.
• GAGA. Galerie Pastor Gismondi. Монте Карло. (Монако), 2004, 2005.
• Попал в Мулен Руж. Галерея Матисс клуб, СПб, 2003.
• Георгий Ковенчук. Восприятие мира. Мраморный дворец. Государственный Русский музей, 2002.
• GAGA. Galerie «W», Париж. 2002, 2003.
• Произведения Георгия Ковенчука. Борей, СПб, 2000.
• GAGA. Galerie «W», Париж, 1998.
• GAGA. Galerie Alexander, Берлин, 1998.
• GAGA. Galerie Perspective, Хойхельхайм, Германия, 1997.
• GAGA. Fine Art Gallery, Лондон, 1990.
• GAGA. Galerie Aronowitsch i Trosa Kvarn, Труса. (Швеция), 1988, 1989, 1990.
• Работы Георгия Ковенчука. Дом писателей, СПб, 1982.
• Георгий Ковенчук. Редакция журнала Аврора, СПб, 1981.
• Произведения Георгия Ковенчука. Магазин-салон «Ленинград», СПб, 1977.
• Работы Георгия Ковенчука. Кофейный домик Летнего сада, СПб, 1971.
Книги и статьи Г. В. Ковенчука:
• Я назвал себя Гага (книга-альбом). — СПб: НП Принт, 2012.— 318 с.
• В Ленинграде Петербурга было больше (интервью) // Невское время.—22 марта 2011.
• Квартира № восемь и другое [сборник рассказов]. СПб: НП-Принт, 2011–318 с.
• Из записок художника // Звезда. — 2009. — № 6.
• Что такое формализм в живописи и как с ним боролась советская власть // Город 812.— 12 мая 2009.
• Десант в Монте-Карло // НоМИ. — 2004. — № 4.
• БАМ в семьдесят четвертом // Аврора. — 1993.
• «Хромпик» и «сумс» // Аврора. — 1993.
• Месяц на Баме. М.: Советский художник, 1978 — 74 с., ил.
• От Комсомольска до Ургала. — М.: Детская литература. — 1977. — 62 с., ил., Тир. 300 000 экз.
• Художники «Боевого карандаша». — Л.: Художник РСФСР.— 1983.— 16 стр., ил., тир. 10000 экз.
• Про нефть. — М.: Детская литература, 1975.
• Для всех кто хочет видеть (к юбилею Анри Матисса) // Костер. — 1969. — № 12. Библиография: Боровский А., Кассель Н. Буклет к выставке в Мраморном дворце ГРМ. Георгий Васильевич (ГАГА) Ковенчук. 1933–2015. Б. д., б. изд. [2015]. Тир. 500 экз.
• Григорьянц Е., Парыгин А. Книги-дневники Гаги Ковенчука. — Петербургские искусствоведческие тетради, выпуск 37, СПб: АИС, 2015.— С. 12–17.
• Долинина К. Художник налегке. Выставка Георгия Ковенчука в Русском музее // Коммерсантъ. — 02.10.2015.
• Корнеева Т. В Петербурге презентовали книгу «Гага рисует «Клопа» // Российская газета.— 19.01.2014.
• Парыгин А. Новый клоп Гаги Ковенчука.— Петербургские искусствоведческие тет-ради, выпуск 29, СПб: АИС, 2014.
• Parygin A. Kovenčuk, Georgij Vasil’evič // Allgemeines Künstlerlexikon Die Bildenden Künstler aller Zeiten und Völker (AKL). — Walter de Gruyter. Band 81: — 2013, 540 S. (на немецком яз.).
• Ковенчук Г., Боровский А., Парыгин А. Георгий Ковенчук (Гага) рисует «Клопа» (книга-альбом). — СПб: Изд. Тимофей Маркова. 2013. — 160 С., цв. ил.
• Парыгин А. Б. Пьеса «Клоп» В. В. Маяковского в графике Г. В. Ковенчука (недо-ступная ссылка) // Вестник СПб ГУТД. — 2013. — Серия 3. № 4, СПб: СПб ГУТД, 2013. — С. 80–84.
• Катаяма Фуэ. GAGA AS GAKA: Georgy Kovenchuk, the successor of Russian Futurist [Гага как художник]. Токио, 2013. — 192 с. + 32 цв ил. (на японском яз.).
• Герасименко П. КЛОП // Журнал Проектор № 3 (24), 2013. — С. 98–103;
• Боровский А. Веселое имя. Северный грифель (статьи о графическом). СПб. 2012. — С. 64–74.
• Петрова Е. Собрание сочинений в трех мешках. Как художник писателем стал… // Аргументы и Факты Петербург. — 2012.
• Елисеев Н. Свиток воспоминаний. // Эксперт Северо-Запад, 5 марта 2012. № 9 (555).
• Шелухина Е. Н. Гага и Шолти // В книге: Сэр Джордж Шолти. Встречи с Россией. М.: Изд. Г. А. Саамов, 2012. — 160 с.
• Кузнецов Э. Родом из шестидесятых. В сб. Графиня покидает бал (статьи и воспоминания). М., 2010. —С. 306–314.
• Тарасова М. Георгий Васильевич Ковенчук // Русское искусство, 2007.
• Герман М. Георгий Ковенчук (буклет к выставке в галерее «Матис Клуб»). — СПб: Матис Клуб. 2005. — 32 с. [без пагинации].
• Сапгир, Кира Наследник футуристов // Русская мысль, Париж, 2004.
• Мегалашвили А. Визит футуриста // Журнал Art & Times, 2004, № 1 (12)— С. 18–20.
• La Ecce Homo // Gazette de Monaco, July 2004.
• Петербургские лица: семейный альбом / Л. К. Плескачева. — СПб: ПР-Партнер, 2003. — 559 с.
• Боровский А. Веселое имя // Журнал Адреса Петербурга № 5/17, 2003.
• Трофименков М. Факс искусства в Мраморном дворце // Коммерсантъ, №46 от 19.03.2002, — С. 2.
• Соловьева, Ек. Окно в Париж, Тулузу и Пекин // Невское время. 3 апреля 2002.
• Козырева Н. Наследник по прямой // Аврора, 1993, № 10–12. — С. 136–147.
• Kowalska B. Dziad i wnuk // Журнал Projekt, 1988, № 2 (179)—S. 20–23 (на польском яз.).
• Шашкина М. В мастерских: Георгий Ковенчук // Журнал Советская графика № 9, 1982, — С. 100–105.
• Довлатов С. Соло на Ундервуде: Записные книжки — Париж: Третья волна, 1980.
• Буклет-приглашение на выставку Георгия Васильевича Ковенчука (рисунки, литографии, гравюры, офорты, иллюстрации). Вст. ст. Нешатаева Н. Л.: Ленкнига. — 1977.
• Гранин Д. Книга— спектакль // Л. 1975.
• Молдавский Д. Режиссер книги // Л. 1975.
• Минчковский А. Хорошая получилась книга! // Литературная газета, 1975, № 15/1.
• Алянский Ю. Воскрешение Присыпкина. // Л. 1974.

Примечания
1 https://ru.wikipedia.org/wiki/Ковенчук,_Георгий_Васильевич.
2 Ильф И. А. Из записных книжек/ И. А. Ильф; Худож. Г. Ковенчук. — Л.: Художник РСФСР, 1966. — 80 с., ил.
3 Минчковский А. Хорошая получилась книга! // Литературная газета, 1975, № 15/1.
4 Боровский А. Веселое имя // Журнал Адреса Петербурга № 5/17, 2003. — С. 68.
5 Гага Ковенчук. Издательская папка КЛОП-2013; Клоп 2013 // Ковенчук Г., Боров-ский А., Парыгин А. Георгий Ковенчук (Гага) рисует «Клопа». — СПб: Изд. ТМ, 2013. — С. 141–165.
6 Козырева Н. Наследник по прямой // Аврора, 1993, № 10–12. — С. 142.
7 Я назвал себя Гага (книга-альбом). — СПб: НП Принт, 2012.— С. 70.

 

Автор: Парыгин Алексей Борисович— художник (живописец, график, художник книги). Автор двух монографий по истории шелкографии и более 70 статей по вопро-сам современного искусства. Кандидат искусствоведения. Участник более 200 выста-вок и международных конференций. Член Союза художников России. Арт-директор мастерской авторской печати АР-ТМ Printmaking. Преподавательская работа в ВУЗе с 1995 года. Основной предмет исследования и эксперимента— знак, как коммуника-тивная составляющая современного социума.

Гага Ковенчук: Остросатирические и ироничные хулиганские трюки Read More »

Алексей Вермишев: Жизненное кредо — быть открытым всему миру

11 октября 2018 года Алексея Вермишева не стало. Известие о его смерти прозвучало, словно гром среди ясного неба. Ведь и недели не прошло, как мы вместе с Алексеем и гостями из Москвы, отмечали нашу встречу в небольшой квартирке-мастерской на Моховой. Присущая Алексею жизнерадостность не давала смириться с мыслью, что его больше нет. И даже сейчас, когда я пишу эту статью о нем, у меня такое ощущение, что вот-вот он появится, и пожурит меня: «Дружище, что же ты про меня так, а?..»

Алексей Вермишев

Родился Алексей Вермишев в городе Саратове 27 апреля 1954 года. Воспитанием его, в основном, занимался дед, Шавочкин Иван Сергеевич, который всю свою жизнь работал технологом на заводе. Мать Алексея, окончив геологический институт, тоже была технологом производства.
После окончания Саратовского художественного училища Алексея призывают в армию. Он служит в морской авиации техником на Севере под Мурманском. После возвращения из армии будущий Мастер «аналитической живописи» работает оформителем в Саратовском Драматическом театре. В 80-е годы Алексей едет в Ленинград и устраивается дворником при Эрмитаже. Молодой художник из Саратова сразу встает на путь свободного формирования собственного таланта. Обладая отточенностью видения и высочайшим вкусом, Алексей достаточно быстро обретает свой неизменный почерк, в котором можно увидеть его преклонение перед Казимиром Малевичем, Владимиром Татлиным, Павлом Филоновым. В 1985 году Алексей Вермишев поступает в Ленинградское высшее художественно-промышленное училище имени Мухиной. Своим педагогом он считал Ксению Владимировну Ливчак, которая являлась ученицей Павла Филонова. Ксения Владимировна Ливчак родилась в Вильно в семье учёного-лесовода Владимира Осиповича Ливчака. С 1924 года жила в Ленинграде. С Филоновым познакомилась в 1930 году, и её творческие и дружеские связи с ним не прерывались до самой его смерти. В 1931 году она закончила отделение керамики ЛХПТ Ленинградского художественно-промышленного техникума. В 1930-е годы работала художником по росписи тканей в артели «Трибуна». Пережила ленинградскую блокаду. В 1944–1952 годах работала живописцем по фарфору на Ленинградском фарфоровом заводе, затем вернулась к росписи тканей. Позднее занималась станковой живописью и графикой, в последние годы жизни — росписью по фарфору.
Влияние — влиянием, но почерк Алексея Вермишева настолько самобытен, что спутать его с каким-либо другим художником невозможно. Его картины определяются с первого взгляда. Чуть ли не сразу, уже с ранних его работ, виден вермишевский неизменный стиль. «В своих картинах я использую холодные гаммы — говорил Мастер — Это отношение к холодному у меня возникло на Белом море, там были дома из выцветших бревен. Они под солнцем переливались таким чудесным серебряным цветом и так гармонировали с окружающей зеленью, что все становилось подобным видению. Эти серебристые марева меня сильно вдохновили, я написал картину «Белое море» в таком новом решении» — говорил Алексей. В его картинах нет необработанного пространства: от крупных планов до самых мельчайших деталей, и на ближних, и на дальних планах. Каждая картина, словно становится развивающимся на полотне живым организмом, растущим путем прорастания все новых и новых микрочастичек, каждая из которых обладает своей сложной структурой. Такой метод загадочный представитель русского авангардизма, Павел Филонов, назвал «аналитическим». «Каждый мазок или прикосновение к картине есть точная фиксация через материал и в материале внутреннего психического процесса, происходящего в художнике, а вся вещь целиком есть фиксация интеллекта того, кто ее сделал», — писал он в своих тезисах.
Картины Вермишева удивительно динамичны и музыкальны. В работе над картиной, он огромное значение придает фактуре. Мастер, словно не ограничиваясь картинной поверхностью, стремится вырваться за ее пределы, захватить третье измерение, которое, как правило, принадлежит скульптуре.
Очень скоро многих стали восхищать работы Вермишева, его интереснейшие сложные композиции, чувство ритма и необычная одухотворенность. Многие пожелали увидеть в собственном интерьере эти красочные, виртуозно исполненные произведения. И, неминуемо, художнику стали поступать заказы. Интересным для меня было личное отношение Алексея к заказу. Если заказ для многих художников становится бичом для потери собственной творческой индивидуальности, утраты авторского видения, то Вермишев воспринимал это весьма органично. В XVIII веке Иммануил Кант пришел к выводу, что настоящее произведение искусства — это «вещь в себе» и никаких других целей, кроме служения красоте, не преследует. «Всякое искусство совершенно бесполезно», вторил Иммануилу Канту великий эстет, писатель Оскар Уайльд, подчеркивая стерильность искусства и независимость от всего прикладного.

Черная речка

То, что не удовлетворяет этому требованию, высоким искусством считаться не может. Однако, при такой формулировке, выходит, что многочисленные шедевры всех времен разных стран лишаются права называться высоким искусством, поскольку они создавались по заранее заданной художнику программе, часто с использованием форм, продиктованных заказчиками. Даже во времена Ренессанса, живописец и скульптор выполняли условия патрона, разработанные до мельчайших деталей…Но в те годы заказы нисколько «не душили» вдохновения творцов. И, если следовать суждению Канта, то выходит, что нужно из современных музеев убрать большую часть экспонатов, ибо многие из них создавались по заказу. Часто «титаны Возрождения» не просто разыскивали заказчиков, но и конкурировали за них между собой. Леонардо да Винчи, например, исколесил всю Европу в поисках идеальных патронов, чьи заказы могли обеспечить ему свободу для экспериментов. Существовала даже своеобразная шкала, по которой оценивались заказчики. Знаменитые «Синдики» и «Ночной дозор», при всей гениальности Рембрандта, тоже были созданы по заказу. Что касается бунта передвижников, то это являлось не только революцией идей, но и попытка молодого поколения потеснить «академических старцев» у кормушки госзаказа. Только в XX столетии, особенно после того, как в пику «искусству формы» дадаисты создали «антиискусство», произошел взрыв, разрушивший прежнюю систему функционирования искусства. Под обломками этой системы был погребен и заказ. Полагаю, что Алексей, прекрасно разбирающийся в истории искусства, очень успешно сочетал «свободное творчество» с понятием «заказа». В любом случае, в своем воспроизводстве, Алексей всегда оставался полновластным творцом. «Чего только стоит многообразие созданных им пираний… И ни в одной картине ни одна пиранья ничем не повторяет другую» — с восхищением заявила Снежанна Шишкова, страстная поклонница вермишевского творчества. «Если в Японии многие художники всю свою жизнь изображают тростник, совершенствуя себя в творчестве, а Сальвадор Дали таким образом культивирует яйцо, — то я избрал яблоко — говорил Мастер — У каждого художника — свои предпочтения.

Черное яблоко

Другим моим знаковым изображением стала пиранья. Расскажу, каким образом она вообще зародилась. Как-то в начале 80-х из Астрахани привезли леща. Прежде, чем его съесть, я, конечно же, стал его рисовать. Много раз. Каждый раз, преобразовывая его, этот предобрый лещ медленно трансформировался в пиранью. Я подарил эту картину своему менеджеру, и он тут-же ее продал. Кто-то из новообразованных бизнесменов увидев ее, тоже пожелал иметь такую же. С тех пор начался повал. Чуть ли не каждый бизнесмен считал своим долгом иметь в своем интерьере мою пиранью. В результате, таких пираний я написал около 300!»

Пиранья

Очень часто, чтобы приступить к работе, Алексей нуждался в некотором импульсе, подступающем со стороны. Это могло быть какое-либо событие, а чаще какой-либо пустяк, скажем, овца, увиденная художником из окна поезда. А чем не стимулирующий импульс заказ?

Думаю, не будет преувеличением, если причислить Алексея Вермишева к художникам, одержимым творчеством. Художников с такой характерной преданностью искусству, в сущности, не так и много. С подобным даром одержимости люди рождаются, а не воспитывают его в себе волевым актом. Их приход в мир не зависит ни от эпохи, ни от национальности, или от каких-либо других условностей. И пусть имя художника Алексея Вермишева, пока еще не столь популярно, как того заслуживает, ибо иконостасы выстраивает время и только история решает реальную ценность Творца… А человеку, если он истинный художник, остается только выложить весь свой дар, все свое мастерство, на «алтарь искусства».
За свою жизнь художник Алексей Вермишев стал участником многочисленных выставок и художественных аукционов в России и за рубежом. Теперь его многочисленные работы хранятся в музее Los Angeles, в галереях и частных коллекциях России, Германии, Франции, Финляндии, Швейцарии, Голландии, Швеции, Англии, США, Перу, Нидерландах, Сингапуре. К сожалению, не все его творческие замыслы и идеи, которыми он был переполнен, воплотились в жизнь… В последние годы, уставший от многочисленных заказов, вдохновленный картинами великого мастера Проторенессанса Джотто ди Больдини, творчеством которого он восхищался всю жизнь, Алексей намеревался написать большую картину «Поклонение волхвов», эскизы которой были уже давно готовы, но… не успел…

Основные выставки:
1983 — 2010гг — выставки ТЭИИ Спб.
1990 — 1992гг — выставки ТЭИИ США.
1991г — галерея «Гедок» Гамбург.
1992г- Порво Финляндия.
1993г — аукцион «Версаль».
1993г — MIF- 93 Манеж.
1995г — «Савва-галери» Нью Йорк.
1995г — «Авангард-галери» Дуйсбург Германия.
2009г — 2-ой Международный фестиваль Независимого искусства СПБ «Манеж».
2011г — Аукционный дом «Совком»
2011г — выставка «Башмак в искусстве»,
2012г — выставка «Стул в искусстве» в фонде Михаила Шемякина.
2013г — «Петербург. 20-летие» выставка в»Манеже» Санкт-Петербург.
2013г — Московский международный салон в ЦДХ.
2013г — Фонд Михаила Шемякина «Дети в искусстве»
2013г — ЮБИЛЕЙНАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ВЫСТАВКА В ЦЕНТРАЛЬНОМ ДОМЕ АРХИТЕКТОРА «Моя Москва за последние 15 лет».
2014г — Московский международный салон в ЦДХ. «Связь времён»

 

Автор: Зулумян Арутюн Георгиевич — искусствовед. Преподаватель студии в колледже «ВЗМАХ» Член Международной Федерации Художников при России ЮНЕСКО. Член
Союза литераторов России. Член Международной Федерации журналистов. Член Союза Журналистов Армении. Председатель Ассоциации Художников «Арт-лаборатория». Участник и куратор многочисленных выставок, кинофестивалей с 1983 года, в том числе в Санкт-Петербурга, Москве, Армении, Грузии, США, Германии и Финляндии. Автор многочисленных статей для киножурналов, каталогов и проектов художественных программ международного уровня.

Ассоциация искусствоведов (АИС)
Петербургские искусствоведческие тетради, выпуск 54.
Статьи по истории искусства. СПб., 2019. 312 с.

Алексей Вермишев: Жизненное кредо — быть открытым всему миру Read More »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх