абстракционизм

Марк Ротко: Простое выражение сложной мысли в абстрактном экспрессионизме… Мазня или искусство!?

«Простое выражение сложной мысли» — такую формулировку придумал для своих произведений художник Марк Ротко. Он не любил, когда его называли абстракционистом, хотя искусствоведы все равно считают Ротко одним из основателей этого направления в живописи.

Марк Ротко (1903-1970) — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля. 23 апреля — 11 августа 2010 проходила выставка в центре современного искусства Гараж — “Марк Ротко: В неведомый мир”.

Марк Ротко

«Вы видите, как приглушен в галерее свет. На самом же деле художник (Марк Ротко, — прим. автора) сам всегда стремился к тому, чтобы зритель видел его произведения в полумраке. В этом и заключается трагизм его творчества». Отметим ещё один нюанс: по словам самого Марка Ротко, он стремился создать некую мультиформу, для того, чтобы включить воображение зрителей. На наш взгляд, Марк Ротко — пионер в этом направлении, ведь он достигал максимального эффекта минимальными способами.

Марк Ротко (настоящее имя Маркус Роткович) родился 25 сентября 1903 года в Двинске, в России (ныне Даугавпилс, Латвия) в многодетной семье еврейского фармацевта. Семья Ротко эмигрировала в США в 1913 году. После смерти отца в 1914 году юноше пришлось торговать газетами — он брался за любую работу, чтобы оплатить свое обучение в Lincoln High School.

В 1921 году он добился стипендии в Йельском университете (художественный факультет). Однако уже через шесть месяцев вынужден был уйти оттуда из-за антисемитских настроений в стенах этого элитного учебного заведения и работать рассыльным и официантом.

В 1924 году поступил в Художественную студенческую лигу в Нью-Йорке, где обучался с перерывами до 1929 года. Его преподавателем был американский художник Макс Вебер, глава модернистского движения в Нью-Йорке. Влияние Вебера сказалось на ранних работах Ротко. После того как, однажды, Роткович сделал образец выкройки в швейной мастерской, его определили на учебу в лигу студентов-художников Нью-Йорка. Тем не менее позже в графе “образование” он всегда указывал “самоучка”.

В 1929 году Роткович получил место учителя искусств в Бруклине.

В начале 1930-х годов он женился на Эдит Захер (развод в начале 1940-х, второй брак в 1945 с Мэри Элис Байстле). Примерно в то же время Маркус познакомился с представителями позднего абстрактного экспрессионизма — Аршиле Горки, Виллемом Де Коонингом, а также с Джексоном Поллоком.

В 1933 году состоялась его первая персональная выставка, на которой были представлены ландшафты и городские пейзажи, а также портреты и изображения обнаженных натур. Два года спустя Роткович и еще несколько Нью-йоркских художников основали “Группу десяти”, представлявшую собой объединение экспрессионистов.

Маркус Роткович. «Три обнаженные», 1933

В 1938 году Роткович получил американское гражданство и сменил свое имя на Марк Ротко.

Работы Ротко 1940-х годов созданы под влиянием сюрреализма: он писал виды сказочных городов, населенные биоморфными образованиями подводные миры и давал этим работам таинственные названия. Со временем его работы стали абстрактными — они изображали формы на расплывчатом, неустоявшемся фоне.

В 1946-1947 годах Ротко пришел к тому неизменному оформлению картин, которое сделало его знаменитым: в продолжение нескольких месяцев он редуцировал ранее применяемые им формы до горизонтальных прямоугольников, раскрашенных в яркие насыщенные цвета и очерченных мягкими, расплывающимися границами.

С начала 1950-х структура картин Ротко не претерпела изменений. Типичные названия его работ — “Черное, фиолетовое и желтое на оранжевом” (1951/1952) или “Землисто-красное и зеленое” (1955). Ротко отрицал какую бы то ни было связь своих картин с реальностью; он хотел “оживить” пространство непосредственно через цвет. Такое ощущение пространства зародилось у него еще в детстве, когда он увидел орегонский ландшафт в пелене белого тумана.

“Черное, фиолетовое и желтое на оранжевом”

Растущее признание Ротко как художника сопровождалось запоями и нервными срывами. Ротко не был согласен с тем, что его относили к художникам-абстракционистам, пишущим под влиянием “живописи цветового поля”. Его единственным интересом было, по собственному признанию, “выражение древнейших человеческих понятий и эмоций — трагедии, экстаза, смерти”. С помощью этого он хотел передать этапы религиозного развития человека. Чтобы подчеркнуть метафизичность своих работ, Ротко применял приглушенный свет на выставках, где демонстрировались картины,- цветовые блоки за счет этого казались повисшими в бесконечном пространстве. Это впечатление усиливалось отсутствием рамок у картин, -цветовое поле шло до самой границы полотна таким образом, что оптически картина казалась растворенной в плоскости стены.

В 60-х годах XX века картины Ротко приобретают гораздо более серьезный формат, а жизнерадостные красные, оранжевые и желтые тона сменяются коричневыми, фиолетовыми и черными красками. Хотя музеи по-прежнему “ходили за ним по пятам”, набиравший в то время силу поп-арт поверг художника в состояние паники. В беспорядочных нападках на это направление Ротко заклеймил его представителей как шарлатанов. Депрессивное состояние приняло постепенно угрожающие масштабы, в конце 1969 он ушел от жены. Ротко уединился в своей мастерской, где создал серию картин в черно-серых тонах.

В 1968 году у Марка Ротко обнаружили артериальную аневризму. Врач расписал художнику диету, курс лечения и поставил табу на курение и алкоголь, на которые Марк благополучно положил член. Спустя год Ротко развелся со своей женой, которая не могла выносить выходки вечно бухого художника. А ещё через год 67-летний Марк Ротко совершил самоубийство в своей мастерской. Его ассистент Оливер Стейндекер обнаружил художника мертвым на полу собственной кухни со вскрытыми венами.

 

 

Марка Ротко «Белый центр»

 

В 2007 году картина Марка Ротко «Белый центр» установила на вечерних торгах Sotheby’s в Нью-Йорке рекорд в 72,8 миллиона долларов (включая комиссионный сбор аукционного дома) Лишь спустя почти год было сообщено имя покупателя, пожелавшего остаться неизвестным сразу после покупки самого дорогого произведения живописи второй половины ХХ века. Им оказался катарский шейх Хамад бин Халиф аль-Тани.

Почему картина «Белый центр» такая дорогая? Во-первых, она написана в 1950 году, когда Ротко наконец пришел к своему фирменному стилю, который прославил его и сделал одним из наиболее узнаваемых художников современности. Это также один из самых масштабных (205,8 x 141 см) и впечатляющих холстов из шестнадцати, написанных в тот год.

Картину характеризует комфортный для восприятия и оптимистичный выбор цветов, что не всегда характерно для работ Ротко. Взять хотя бы для сравнения несколько картин этого же года (1, 2, 3) – их палитра вызывает навязчивый дискомфорт и желание его поскорее избежать. Художник никогда не стремился к тому, чтобы его творчество умиротворяло или улучшало аппетит. Его целью было заставить зрителя испытывать оглушающие чувства – неважно какие, со знаком минус или плюс.

Более того, иногда Ротко сознательно хотел своими работами лишить людей аппетита, как в случае с панно Сигремовского цикла. Но картина «Белый центр» – не тот случай: напротив, ее созерцание может поднять настроение и даже вселить оптимизм. Желтый, розовый, лавандовый и красный – при одном перечислении цветов в голове возникает праздничная картина, даже если на нее не смотреть.

Марк Ротко «Оранжевое, красное, жёлтое», 1961

Вот уже долгое время Ротко входит в число самых дорогих художников мира. Его картина «Оранжевое, красное, жёлтое» в 2012 году стала самым дорогим произведением послевоенного искусства, когда-либо проданным на торгах (86,9 миллиона долларов). Сам же художник так озывался о собственном творчестве: «Не следует считать мои картины абстрактными. У меня нет намерения создавать или акцентировать формальное соотношение цвета и места. Я отказываюсь от естественного изображения только для того, чтобы усилить выражение темы, заключенной в названии».

Отметим ещё одно важное высказывание Марка Ротко: «Когда ты пишешь большую картину, ты находишься внутри своего переживания», — к этой истине американский художник XX века Марк Ротко стремился всю свою жизнь. Он признан наиболее ярким последователем Казимира Малевича, а точнее, его стиля — абстрактного экспрессионизма. Пожалуй, его последнюю работу 1970-го года, выполненную в драматично красных тонах, можно назвать «репликой» на «Черный квадрат» Малевича. Ее можно было увидеть в Эрмитаже в числе других работ на выставке, посвященной 100-летию со дня рождения художника. Марк Ротко так говорил относительно искусства: «Искусство — это всегда последнее обобщение.Оно должно привносить в нашу жизнь осознание бесконечности».

Марк Ротко, безусловно, создавал «монументальные» полотна, но, в отличие от «живописцев действия», закрашивал их большими цветными плоскостями. Иногда он оставлял между ними не покрытые краской участки, полагая, что это должно возбудить воображение зрителя.

Марк Ротко — это несомненно ведущий представитель абстрактного экспрессионизма. Один из создателей направления живопись цветового поля. Живопись цветового поля (color field) — это род абстрактной живописи, в основе которой лежит использование больших плоскостей однородных цветов, близких по тональности и не центрированных. В 50-х годах прошлого столетия, Марк Ротко достиг пика в своем мастерстве живописи и простого выражения сложной мысли. Марк Ротко является одним из самых известных и влиятельных американских художников второй половины XX века и ключевой фигурой послевоенного абстрактного экспрессионизма.

Марк Ротко: Простое выражение сложной мысли в абстрактном экспрессионизме… Мазня или искусство!? Read More »

Василий Кандинский: Изобретатель абстракционизма или «дегенеративного искусства»!?

Василий Кандинский родился в Москве в 1866 году и является потомком сибирских разбойников и тунгусских князей. Его мать — прибалтийская немка, и отец, купец первой гильдии из древнего забайкальского рода, видели сына юристом. Внешне Василий был похож на служителя фемиды: холёный, статный, благовоспитанный интеллектуал. Художников среди его предков не было.

Когда Кандинскому исполнилось пять лет, семья переехала в Одессу из-за слабого здоровья отца. Вскоре после переезда родители художника развелись. Его воспитанием занималась тетя — старшая сестра матери. Именно она привила мальчику любовь к живописи, музыке и литературе, и именно ей через много лет он посвятит свою книгу «О духовном в искусстве». С отцом, которого Василий Кандинский называл «старшим другом», художника связывали теплые доверительные отношения. Он рано заметил любовь сына к искусству и поощрял частные уроки рисунка, игры на фортепиано и виолончели.

Портрет Василия Кандинского, 1913

Мальчик с раннего детства воспитывался в многокультурной среде и его удивляло разнообразие цветов в природе, и он постоянно интересовался искусством. По желанию отца, вернувшись в Москву, Василий блестяще окончил юридический факультет Московского университета и, несмотря на успехи в изучении экономики и права, он отказался от многообещающей карьеры, несколько лет преподавал.

Одним из переломных моментов на пути к живописи стала этнографическая экспедиция в Вологодскую губернию. Когда Кандинский прибыл в зырянскую деревню, одна семья пригласила его в свою избу. Он вошёл и поразился: вся мебель и утварь была покрыта причудливыми росписями. Разноцветные круги, орнаменты, фигурки животных и людей. Хозяин дома пояснил, что это «нарисованы» песни. И что они помогают в хозяйстве.

Предметы быта зырян. Музей Коми.

Быт Русского севера и народный фольклор захватили Кандинского и послужили отправной точкой его творчества. Славянские мотивы и сказочные сюжеты будут часто встречаться в работах художника.

«Двое на лошади», 1906
«Пёстрая жизнь», 1907

В 30 лет Кандинский решил бросить юриспруденцию и стал художником, чтобы следовать творческому призванию. Решив посвятить себя изучению изобразительного искусства Василий Кандинский поступает в художественную школу в Мюнхене. Даже не будучи принятым с первого раза, он продолжил самостоятельное обучение.

Еще одним поводом к полному перевороту сознания Кандинского стала выставка французских импрессионистов, привезенная в Москву. На ней он увидел картину Клода Монэ «Стог Сена». Это произведение поразило Василия Васильевича своей беспредметностью, так как до этого он был знаком исключительно с реалистичной живописью русских художников. Несмотря на то что на картине с трудом угадывается сюжет, она затрагивает определенные чувства, вдохновляет и остается в памяти. Именно такие глубокие и волнующие произведения решил создавать и Кандинский.

Вторым откровением стала оперная постановка Вагнера «Лоэнгрин» в Большом театре. Позже художник напишет в своей автобиографической книге «Ступени»: «Мысленно я видел все мои краски, они стояли у меня перед глазами. Бешеные, почти безумные линии рисовались передо мной».

В это же время произошло научное открытие деления атома, которое Василий Кандинский воспринял как разрушение всего мира. Потеряв веру в науку и избрав полную неопределенность жизни художника, он отправился в Мюнхен, который стал для него вторым домом.

«Синий всадник», 1903 год

В Германии Василий Кандинский быстро осваивает классический рисунок, технику импрессионистов, постимпрессионистов и фовистов, и вскоре уже становится признанным авангардистом. В 1901 году свет увидела его первая профессиональная картина «Мюнхен. Планегг 1», в которой сочетались яркие мазки Ван Гога и нежный солнечный свет импрессионистов. Впоследствии Кандинский в своем творчестве стал уходить от детализации своих творений, двигался от реалистичности к экспериментам с цветом.

«Мюнхен. Планегг 1» (1901) – Частная Коллекция
«Пляжные корзины в Голландии», 1904 год

Два года Василий Васильевич провел в художественной школе, после чего последовал период странствий. Художник посетил Нидерланды, Францию, Италию и Тунис. В то время он создавал картины под сильным влиянием постимпрессионизма, оживляя свое детство в России в творческих ландшафтах, имеющих идеалистическое значение для художника. Он поселился в городке Мурнау, возле Мюнхена и продолжил исследование пейзажей, наделяя их энергичными линиями и смелыми, жесткими цветами.

Василий Кандинский. Без названия (первая абстрактная работа). 1910 г. Центр Помпиду, Париж

Кандинский размышлял о музыке, пытаясь передать ее абстрактные черты в других видах искусства. В 1911 году в Мюнхене сформировалась группа художников-единомышленников во главе с Кандинским. Они назвались «Синий всадник» — «Der Blaue Reiter». Среди участников оказались такие известные немецкие экспрессионисты, как Август Маке и Франц Марк. Группа опубликовала альманах с собственными взглядами на современное искусство и провела две выставки, после чего распалась в начале Первой мировой войны в 1914 году.

Кандинский и члены объединения «Синий всадник»

Большое влияние на художника всегда оказывала музыка, так как именно она является единственным абсолютно абстрактным искусством, заставляющим работать наше воображение, избегая предметности. Как ноты складываются в прекрасную мелодию, так и краски Кандинского в своем сочетании рождают удивительные картины. Сильнее всего вдохновила начинающего художника увертюра оперы Рихарда Вагнера. После знакомства с ней Кандинский задался вопросом, сможет ли он создать картину такого же сильного эмоционального наполнения, как произведение великого композитора, «в которой краски стали бы нотами, а цветовая гамма – тональностью?».

В поисках ответа на этот вопрос Кандинскому помогло знакомство с австрийским композитором Арнольдом Шенбергом. В январе 1911 года в Мюнхене художник услышал атональные произведения своего будущего друга и союзника и был потрясен. Благодаря концерту Шенберга родилась еще не до конца абстрактная, но уже почти беспредметная картина мастера «Импрессия III. Концерт». Темный треугольник на картине символизирует рояль, ниже можно увидеть притянутую музыкой толпу, а цветовое решение прекрасно отражает то яркое впечатление, которое получил Кандинский на концерте Шенберга.

Василий Кандинский. Композиция VI. 1913 г. Эрмитаж

Кандинский был уверен, что именно Шенберг правильно воспримет его философию абстрактного творчества, и не ошибся. Композитор поддержал художника в его начинаниях с цветовыми экспериментами и поиском «антилогичной» гармонии, на первое место в которой вставали бы чувства, а не сюжет. Но не все деятели искусства разделяли подобную точку зрения, что привело к расколу среди художников и созданию сообщества единомышленников–абстракционистов «Синий Всадник». Объединившись с художниками Августом Маке, Францом Марком и Робером Делане и, конечно, композитором Арнольдом Шенбергом, Кандинский наконец-то попадает в среду, способствующую переходу к полной абстракции в творчестве, поиску новых форм и цветовых сочетаний.

«Композиция VII» 1913 г. (Москва, Государственная Третьяковская галерея)

Василий Кандинский оставался гражданином России и был вынужден вернуться в Москву. В период с 1914 по 1921 годы художник писал не так много: общественная послереволюционная деятельность захватила его, а потрясения войны и Октябрьская революция разрушили былую цельность его искусства. В своем стремлении соответствовать новому художественному порядку, Кандинский работал в отделе ИЗО Наркомпроса — народного комиссариата просвещения, был вице-президентом Академии художественных наук, организовывал работу региональных музеев и публиковал статьи.

«Москва. Красная площадь.», 1916 г. (Москва, Государственная Третьяковская галерея)

Живопись этих лет замыкалась на Москве, которую художник называл исходной точкой художественных исканий, своим «живописным камертоном». В своей квартире в Хамовниках Кандинский написал этюды с видами, открывающимися из окон мастерской.

В 1921 году он навсегда покинул Россию, а через семь лет был лишен гражданства как «невозвращенец». Последующие семьдесят лет Василий Кандинский в СССР был под запретом: его картины изъяли из музеев, а статьи и книги художника попали под цензуру.

«Синий», 1922 год

В 1923 году Василий Кандинский вернулся в Германию и вступил в преподавательский корпус «Баухауз», где подружился с другим творческим авангардистом — Паулем Клее и Вальтером Гропиусом, основателем немецкой школы прикладного искусства и дизайна Баухауз. Первые годы в Баухаузе Кандинский преподавал курсы настенной живописи и аналитического рисунка, учил пониманию элементарных форм и психологии цвета.

«Черный и фиолетовый», 1923 год

Кандинский работал над новой изобразительной формулой, состоящей из линий, точек и комбинированных геометрических фигур, представляющих его визуальные и интеллектуальные исследования. Лирическая абстракция сместилась в направлении к более структурированной, научной композиции.

«На белом II», 1923 год

Впоследствии его исследования композиции и элементов вылились в книгу «Точка и линия на плоскости». Кандинский описывал точку как невидимый нематериальный первоэлемент. Линию он считал величайшей её производной противоположностью, а основные плоскости: треугольник, квадрат, круг, — Кандинский называл «результатом планомерно перемещающейся точки».

Строгие геометрические полотна этого времени относят к «Холодному периоду» в творчестве художника, кульминационным произведением которого считается «Композиция VIII».

В. Кандинский. Композиция VIII.1923

После десяти лет плодотворной работы в 1933 году нацистские власти закрыли школу «Баухауз». Кандинский был вынужден переехать во Францию, где провел остаток своей жизни.

«Последовательность», 1935 год

Последние одиннадцать лет русский гений посвятил постоянной погоне за великим синтезом своих абстрактных идей и визуальных находок. Он вернулся к интенсивному цвету и лирике, еще раз подтверждая свои оригинальные взгляды на истинную природу живописи. Великий художник принял французское гражданство и создал ряд известнейших произведений искусства на своей новой родине. Он умер в 1944 году в городе Нейи в возрасте 77 лет.

 

Василий Кандинский: Изобретатель абстракционизма или «дегенеративного искусства»!? Read More »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх