картина

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст?

Качество будущей картины зависит не только от мастерства художника, выбранных кистей и красок, но и от основы для рисования. Именно этот фактор определяет, насколько комфортно вам будет работать и как долго проживет ваше творение. Холст для живописи – не просто какая-то ткань, это специальный художественный материал, чьи характеристики: основа, ткань, зернистость, плотность, качество грунта, должны соответствовать ряду жестких требований. Далеко не каждое полотно может выдержать вес красок и испытание временем.
Общие правила для выбора идеальной основы вашей картины:

◯  Холст должен быть качественно натянут на подрамник. Не морщиться по углам и не провисать. Если холст натянут правильно, то на ровной горизонтальной поверхности будет лежать плотно всеми четырьмя углами. Если же он качается, то это значит, что он перекошен, от покупки лучше отказаться.

Если холст на подрамнике, то измерьте ширину рейки. У холстов с наибольшей стороной до 50 см, ширина каждой рейки должна составлять не менее 4 см. Для большего размера –минимальная ширина планки не менее 5,5 см. Для объемных – обязательно наличие поперечных планок.

Желательно, чтобы подрамник был модульным, в комплект должны входить специальные колышки для регулировки натяжения холста.

◯ Поверхность ткани должна выглядеть равномерной и без узлов. Обязательно проверьте, нет ли на холсте ткацких дефектов (узелков, прорех, торчащих ниток, неровностей и пр.), которые будут мешать проклейке, грунтовке и нанесению краски, а в будущем разрушать красочный слой.

◯ Продольные и поперечные нити должны быть параллельны сторонам подрамника;

◯ Выбирайте синтетический или натуральный холст мелкой зернистости (можно средней зернистости, в зависимости от работы);

◯ Холст должен быть с плотностью не меньше 220 г/м.кв. (если холст и грунт тонкие, при надавливании будут оставаться вмятины, что может отразиться на качестве картины);

◯ Используйте холсты с акриловым трехслойным грунтом, который является универсальным для масляной и акриловой живописи;

◯ Холст должен быть хорошо прогрунтован, в том числе и все боковые стороны. Если там есть зазоры, то краска быстро отвалится.

◯ Для пейзажей лучше взять холст, у которого грунт имеет натуральный оттенок – бежевый, коричневый.
◯ Новичкам желательно избегать крупнозернистых холстов, поскольку просветы нужно заклеивать или дополнительно грунтовать.

От качества материалов зависит продажа. Какие картины продаются лучше всего?

Подрамник и виды основы для холста
Основа – одна из важнейших характеристик холста. Его либо натягивают на подрамник, либо наклеивают на оргалит (древесноволокнистую плиту, ДВП, МДФ) или толстый картон.

Подрамник представляет собой конструкцию из деревянных, алюминиевых или пластиковых реек, на которую натягивается полотно. Холст на подрамнике «дышит», а красочный слой сохнет быстрее и равномернее. Рейки обязательно имеют бортики, которые предотвращают его соприкосновение с основой. Если это произойдет, то он может приклеиться к рейкам, и тогда натяжение изменится.

— Деревянные рейки изготавливают из твердых пород дерева – сосны, березы, дуба, бука, хорошо переносящих перепады влажности и температуры.

— Алюминиевые отличаются небольшим весом и долговечностью, но их острые углы и края могут прорезать полотно.

— Для окончательного закрепления можно обжигать в обычной духовке. Это абсолютно безопасно, так как при этом испаряется только вода.

— Пластиковые подрамники, хотя и дешевы, но ненадежны и неудобны в работе, с их помощью нельзя как следует натянуть полотно.

Они отличаются и по конструкции.

У глухого подрамника рейки соединены между собой клеем или железными скобами. Отрегулировать натяжение полотна в случае его провисания нельзя.

Глухой подрамник

У модульного подрамника рейки соединяются по принципу «шип-паз», в комплекте идут небольшие клинья (поэтому они также называют клиновыми). Если холст провиснет, то натянуть его можно, забив клинья в специальные пазы.

Модульный подрамник

Плотная основа делает работу с холстом более удобной на пленэре, так как позволяет обойтись без мольберта. Кроме того, наклеенное полотно менее подвержено деформации и повреждениям, нет опасности, что оно провиснет и таким образом, ухудшит качество красочного слоя.

Холст на основе из толстого картона – отличный вариант для начинающих живописцев и учащихся. Он подходит для эскизов и этюдов небольшого формата, выполненных акрилом или маслом. Позволяет оформлять работу в стандартные рамы.

Основа из оргалита или древесно-волокнистой плиты отлично справляется с многослойным красочным покрытием и обилием декоративных элементов. Минусы: она намного тяжелее, чем картон или даже холст на подрамнике, кроме того, может прогибаться к центру тяжести.

Холст в рулоне – это оптимальный вариант для поклонников крупномасштабных работ. От рулона отрезается кусок полотна нужного размера, и художник фиксирует его на подрамник или плотную основу самостоятельно. С одной стороны, это весьма экономичное решение, с другой – натяжка полотна на любую основу требует определенных навыков.

Какую ткань выбрать для холста?

Художники используют для своих работ самые разные ткани из натуральных, искусственных, смесовых волокон, однако они не одинаково пригодны для живописи. Рассмотрим плюсы и минусы наиболее популярных вариантов.

Хлопковый холст

Хлопковый холст

Хлопковая основа – гарантия приятной работы. Это очень послушный и довольно долговечный материал. Дело в том, что на нем начали писать относительно недавно, и испытание временем он еще не прошел.

Плюсы:

— Гладкая и мягкая поверхность с мелкой фактурой.

— Имеет бело-кремовый оттенок.

— При хорошей натяжке удобен в работе.

— Стоит не так дорого, как лен.

Минусы:

— Легко впитывает влагу, может стать домиком для плесени.

— Со временем и из-за перепада температур может провисать.

— Если долго находится на подрамнике, то может деформироваться.

— По прочности уступает льняному холсту.

Хлопковые холсты предназначены в основном для ученических и любительских работ.

 

Льняной холст

Льняной холст

Льняные холсты считаются классикой и предназначены для профессиональных работ. Их используют в живописи столетиями. После такого испытания временем они зарекомендовали себя с наилучшей стороны. Холсты делают из волокон стебля льна, и потому они имеют характерный серый или желтоватый оттенок. Лен – очень прочный материал, устойчивый к деформации и механическим повреждениям, отлично сохраняет фактуру и форму, поэтому качество рисунка никак не страдает.

Плюсы:

— холст не впитывает влагу и не плесневеет;

— не провисает;

— хорошо сохраняет первоначальную зернистость.

Минусы:

— стоит дороже, чем другие виды холста;

— весит больше, чем хлопок или синтетика, что неудобно, если картины много путешествуют по выставкам.

Льняные холсты нужно уметь выбирать, и здесь новички могут попасть впросак. Дело в том, что полотно ткут как из длинного волокна, так из отходов обработки пряжи – короткого волокна и очеса.

— Нити пряжи длинного волокна имеют одинаковую толщину по всей длине и образуют плотное равномерное переплетение.

— Нити из коротких волокон и очеса очень неровные, на них встречаются узелки, растительные частицы.

Суровое и театральное полотно изготавливают как раз из коротких волокон и очеса, они имеют очень низкое качество, поэтому их лучше для живописи не использовать. Это технические ткани.

Синтетический холст

Синтетический холст

 

Холсты из искусственного волокна (100% полиэстер) появились не так давно, и о том, насколько они надежны и смогут ли обеспечить картине долгую жизнь, пока говорить рано.

Плюсы:

— Материал не впитывает влагу, не подвержен гниению и образованию плесени.

— Небольшой вес.

— Холст не деформируется под воздействием температуры.

Минусом синтетических холстов считается их малое использование, то есть они еще не проверены временем, а потому профессиональные художники выбирают их редко.

Смесовые ткани

Это холсты, которые сотканы из нитей разных видов. Наиболее популярна комбинация хлопка и льна. Полотно объединяет плюсы обоих материалов:

— гладкая плотная поверхность;

— высокая прочность;

— относительно невысокая стоимость.

Существенным минусом является высокая способность материала впитывать влагу. Холст, состоящий из хлопковых и полиэстеровых (лавсановых) нитей, отличается идеальной ровной и гладкой поверхностью, практически без фактурной зернистости

Плюсы:

— высокая устойчивость к изменению влажностно-температурного режима;

— более прочный холст, по сравнению с хлопком;

— подходит для масляной живописи.

Минусы: в различных условиях и хлопок, и синтетика будут вести себя по-разному, кроме того, смесовые ткани используются сравнительно недавно, и как долго картина сохранит свое первоначальное состояние, не скажет никто.

Опытные художники советуют выбирать холсты известных производителей и тщательно изучать состав полотна.

 

Зернистость холста

Это еще одна важная характеристика живописной основы, на которую нужно обратить внимание при покупке. Зернистость также называют фактурой. Говоря простыми словами, это толщина нити, из которой соткан материал. У негрунтованного качественного холста фактура одинакова с лицевой и изнаночной стороны.

Мелкозернистое полотно (плотность 200-300 г/м2) имеет почти гладкую поверхность. Оно подходит для создания портретов, миниатюр и работ в других жанрах, где требуются тончайшие цветовые переходы и детальная прорисовка. Также оно удобно для лессировки, когда краска наносится полупрозрачными слоями.

Среднезернистый холст (плотность 300-400г/м2) – универсальный вариант, поскольку подходит для большинства работ разных форматов. Отличный выбор для начинающих живописцев.

Крупнозернистые холсты (плотность 500-600 г/м2) – основа для больших работ, написанных густыми красками, поскольку они хорошо держат толстый красочный слой. На них удобно работать мастихином. Учтите, что их фактура будет видна через краску.

Существуют и специфические виды холстов, например:

— репинский – из длинноволокнистой рогожки с переплетением 4 на 4 нити, имеет очень рельефную крупную фактуру;

— этюдный – с эмульсионным грунтом, подходит для всех техник;

— живописный – для масляных красок. Выдерживает толстый красочный слой, но не подходит для акриловых и темперных красок, так как пропускает воду.

Переплетение холста должно быть или полотняным (для льна), или миткалевым (для хлопка). Это означает, что нити утка и основы переплетаются в ткани последовательно, образуя равномерное плетение.

Холст обязан строго соответствовать выбранной технике письма. Так, для гладкой живописи тонкими слоями следует выбирать мелкую или среднюю фактуру. Для пастозной живописи необходимо крупнозернистое полотно. Редкое переплетение не выдержит тяжести красок в любом случае.

 

Как выбрать правильный грунт? Виды грунта

Грунт – это специальный материал, который наносится на холст для того, чтобы создать прочную связь между основой и краской. Также он необходим для получения какой-то определенной фактуры или фона, которые предполагает задумка художника. Как правило, грунт наносится на основу в несколько слоев.

Многие холсты продаются уже грунтованными, то есть они полностью готовы к живописи, на них нанесены соответствующие проклейка и грунт. Это оптимальное решение для новичков, правда, и здесь есть свои нюансы при выборе, о них мы скажем чуть позже. Также встречаются грунтованный картон и бумага.

Опытные художники предпочитают самостоятельно готовить основу к работе и приобретают негрунтованные холсты в рулонах или на подрамниках. От вида грунта зависит, насколько прочным будет красочный слой.

Клеевой грунт – идеальный выбор для масляной живописи, подходит для всех видов основы. Масляные краски хорошо себя ведут себя на клеевом грунте, сохнут относительно быстро, без образования трещин.

Эмульсионный грунт подходит для любой основы и всех техник живописи. Он не растворяется в воде, поэтому на нем можно писать не только маслом, но и акриловыми и темперными красками.

Масляный грунт предназначен для всех основ, но его предпочитают далеко не все художники. Используется только для тонкой масляной живописи, если вы пишете пастозно, то стоит выбрать другой вариант. Если вы решили самостоятельно нанести масляный грунт, учтите, что он полностью высыхает в течение 10-12 месяцев.

Акриловый грунт подходит для масляной, акриловой, темперной живописи, его можно наносить на любые основы. Рекомендуется для самостоятельной грунтовки полотна, так как он очень пластичный и не склонен к растрескиванию.

 

Как проверить качество грунтованной основы?

— На поверхности не должно быть никаких зазоров, точек, ниток и т. д. Фактура может проступать только у крупнозернистого холста.

— Нанесите на натянутый холст живописное льняное масло. Если грунт качественный, то ничего не изменится. Холст сохранит первоначальный цвет и гладкость, хотя весь будет покрыт тонким слоем масла. Если на холсте появились темные пятна, там, где масло через микротрещины проникло внутрь и впиталось в основу, то рисовать на нем нельзя. На готовой картине появятся некрасивые матовые пятна, причем убрать их лаком не получится.

Именно поэтому готовые грунтованные холсты никогда не лишне доработать, то есть покрыть либо готовым акриловым грунтом, либо желатиновым клеем в 1-2 слоя.

 

Можно ли самостоятельно загрунтовать холст?

Этот вопрос волнует многих новичков. Да, можно, но для этого нужны определенная сноровка, терпение и время.

Самый популярный рецепт грунтовки холста:
  • Возьмите желатин (желательно насыщенного желтого цвета) и разведите его по инструкции производителя.
  • Когда желатин остынет, шпателем нанесите его на натянутый холст, тщательно втирая в нитки и отверстия между ними. После просыхания первого слоя нанесите еще один, дайте высохнуть.
  • Теперь нанесите на холст белую фасадную краску, если вы хотите получить цветной фон, добавьте соответствующий краситель. Краска должна иметь консистенцию жидкой сметаны. Нанесите ее в два слоя широкой щетинной кистью, давая просохнуть каждому покрытию.
  • В завершение холст покрывают прозрачной фасадной глубинной пропиткой в один слой. Примерно через 5-7 дней холст будет полностью сухим и готовым к работе. Некоторые художники добавляют прямо в желатин истолченный мел или сухие цинковые белила, тогда нанесение белой фасадной краски не нужно.

Какие инструменты нужны?

Жидкие клеевые составы наносят жесткой и широкой кистью, например, малярной, или щеткой, студенистые — распределяют, используя мастихин, линейку или нож. Для разравнивания слоя и удаления лишнего клей может использоваться резиновый шпатель, нож или другой удобный предмет.

Как правильно сушить холст?

Просушка проводится после нанесения каждого слоя. На этом этапе не стоит торопиться, т. к. нарушение технологии ухудшит качество поверхности.

Время зависит от используемых смесей. Клеевые грунты сохнут в среднем до 5 дней, эмульсии – 1–2 недели, составы, содержащие масла, – от нескольких месяцев до года. Время между нанесениями слоев клея обычно составляет 12 часов.

Поверхность должна сохнуть равномерно при комнатной температуре. Нельзя выносить полотно на солнце, ставить у батареи, в местах со сквозняком.

Решение проблем с холстом

Если вы начинающий художник, обязательно прислушайтесь к советам опытных товарищей. Итак, что делать, если…

…холст провис?

Подоткните клинья-колышки в свободные пазы, и полотно выровняется.

…на холсте образовалась вмятина?

Такое случается при неправильном хранении (см. Правила хранения и содержания картин), когда на картину опираются подрамником работы меньшего формата. В этом случае сбрызнете полотно с обратной стороны водой из пульверизатора. При высыхании холст снова натянется без изъянов.

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст? Read More »

Ольга Григорьева-Климова: Крымская школа живописи

Многие слышали о современной российской художнице Ольге Григорьевой-Климовой, которая является успешным художником крымской школы живописи.

Основными жанрами ее творчества являются портреты, живопись природы Крыма и графика.

Альма-матер и ее творческая школа — Крымское художественное училище им. Николая Самокиша (г. Симферополь) и Национальную Академию изобразительного искусства и архитектуры Украины (г. Киев), из которых вышло много талантливых художников.
Творческой деятельностью Ольга занимается с раннего детства, а профессиональные персональные выставки проводит с 2007 года и по настоящее время.

Россия, Китай, Израиль,  Казахстан, Новая Зеландия, Нидерланды ,Польша, Румыния, Словакия, США, Тайвань, Англия,  Франция,  Швейцария — это не полный перечень стран, которых находятся ее картины.

Стоимость ее картин достойны ее творений, которые вы можете найти в галереях, в том числе и у нас.

В настоящее время Ольга собирает материал для большой работы с лошадьми и детьми. Лето, жаркое солнце, море, песок, игривые лошади, купание мальчишек, блеск в глазах, блеск моря….

Немного материалов из будущей работы Ольги Григорьева-Климовой.

Следить за творчеством и купить картины Ольги Григорьева-Климовой можно также в социальных сетях:

Ольга Григорьева-Климова: Крымская школа живописи Read More »

Николай Ибраев: Мятежный дух в поиске сакрального

Неординарный и своеобразный художник Николай Ибраев, мятежный дух которого постоянно находится в поиске сакрального.

Родился в 1987 году в г. Москве. Окончил Йошкар-олинское художественное училище, затем продолжил обучение в академии им. А.Л. Штиглица. Участвовал в региональных и всероссийских выставках, проводимых Союзом художников России. В настоящее время основной деятельностью является роспись стен в Москве, Петербурге и других регионах России. Занимается преподавательской деятельностью в Канаде (г. Монреаль), России (г. Санкт-Петербург): живопись, рисунок, композиция, история искусств, технологии старых мастеров.

Николай Ибраев молодой петербургский художник, которого уже заметили галеристы. Его творчество и видение неоднозначное: от черного к белому, темное — светлое. Тем самым получается интересные работы: КинкПанк, Тяжесть и сталь, Молчаливая литургия, Интерьер святой Анны, Мы — тлен, Андрей Рублев, Садко, Благоверный князь Александр Невский и т.д. Если посмотреть на галерею картин Николая, то начинаешь задумываться о бренности и чистоте бытия.

«Поистине видимое есть образ невидимого.»

Научившись расшифровывать художественные послания, можно найти многие ключи к пониманию бытия, не только самого художника, но и своей жизни и поиска вечного сакрального, поскольку все образы взаимосвязаны со всеми элементами существования.

Согласно Библии, черный был первым и единственным цветом на земле, но в конце концов появился свет, который ознаменовал появление жизни. Так черный был определен как безжизненный, и на долгие годы за ним закрепилась дурная слава цвета смерти.

Белый цвет  использовалась в тех магических ритуалах первобытных людей, в которых они апеллировали к силам добра и жизни или защищались от воздействия злых духов и божеств. Белый цвет притягивал добрых богов и отпугивал злых. Наиболее важными из этих ритуалов были те, которые посвящены рождению, инициации, браку и смерти. Именно белый защищал от сглаза и порчи. И использование его в ритуалах, связанных с похоронами тоже было логичным: он давал надежду на новую загробную жизнь.

Художник находится в постоянном поиске и временной трансформации: черное — это хорошо или плохо!? белое — это трагедия или праздник!?

Надеюсь, вы теперь понимаете сложность и душевную мятежность в картинах Николая Ибраева, только истинные ценители искусства смогут погрузиться и понять творческие метания, но в тоже время, и жизненную силу картин художника.

Николай Ибраев: Мятежный дух в поиске сакрального Read More »

Владимир Татлин: Художник-бунтарь и абстрактный контррельеф

Владимир Татлин был мастером художественного эксперимента. Он восхищался творчеством Пабло Пикассо, создавал авангардные работы в разных стилях и искал необычные ходы для оформления спектаклей. В 1920 году художник сконструировал памятник Третьему интернационалу — знаменитую башню Татлина. И хоть проект не был реализован, башня стала визитной карточкой архитектуры эпохи конструктивизма.

Владимир Татлин родился в Москве. В 13 лет подросток сбежал из дома. Он нанялся юнгой на пароход, плывущий в Стамбул.

В Москву Владимир Татлин вернулся в 17 лет. Здесь он поступил в училище живописи, ваяния и зодчества. Однако авторитет педагогов — известных русских живописцев Константина Коровина и Валентина Серова — ничего не значил для него. В 1903 году за плохую успеваемость и плохое поведение Татлина отчислили. Он поступил в Одесское морское училище. Свой мореплавательный опыт художник позже воплотил в акварельных компо­зициях «Флотские формы», «Рыбное дело», а на автопортрете художник предстал матросом шхуны «Стерегущий».

 

Вернувшись из очередного морского плавания в 1905 году, Татлин отправился в Пензу: он вновь поступил в художественное училище. Летние каникулы он проводил в Москве, где познакомился с молодым художником-авангардистом Михаилом Ларионовым. Его творческие работы повлияли на стиль начинающего художника: Татлин написал картины «Натурщица», «Лежащая натурщица», «Огород». На своих полотнах он особенно выделял пространственную композицию и цвет.

Благодаря Ларионову Татлин стал посещать собрания художников творческих объединений «Ослиный хвост», «Бубновый валет», «Мир искусства», а также встречи поэтов-футуристов: братьев Бурлюков, Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского. Они провозглашали отказ от старых ценностей, эпатируя публику стихами и скандальными театральными постановками. Эти бунтари были близки Татлину по духу: художник остро реагировал на все, что происходило в стране. Но политическая активность не мешала творческим поискам, и вскоре он стал одним из лидеров русских авангардистов.

В начале 1914 года Владимир Татлин отправился в Берлин. Там он играл в ансамбле бандуристов на выставке русского народного искусства. После этого художник отправился в Париж: он мечтал познакомиться здесь с Пикассо и изучить его работы. О том, как Татлин попал в дом знаменитого мастера, доподлинно неизвестно. Существует предположение, что встречу помог организовать Марк Шагал. По другой версии, Татлин незаконно проник в дом Пикассо одним из поздних вечеров. Молодой художник застал Пикассо за работой и был настолько потрясен его техникой, что до конца дней считал его своим учителем.

После заграничной поездки Татлин понял, что в изобразительном искусстве уже произошла революция. Теперь в его основе — материал, объем и конструкция. Эти три понятия объединялись в одно художественное направление — конструктивизм. Татлин начал работать над собственным произведением в новом стиле — контррельефом. Он представлял собой абстрактную объемно-пространственную композицию из меди, железа и дерева.

Впервые Татлин представил «Угловой контррельеф» на выставке 1914 года. Проект вызвал ярость консерваторов, но стал настоящей сенсацией среди коллег. Вскоре вслед за Татлиным начали экспериментировать и другие передовые художники того времени.

 

Революцию 1917 года Владимир Татлин принял с восторгом. Он стал председателем художественной коллегии Наркомпроса, а затем — Отдела материальной культуры. В 1919 году Отдел изобразительных искусств Народного комиссариата по просвещению поручил Татлину создать проект памятника Третьему интернационалу. И художник немедленно приступил к заданию.

Внешне памятник напоминал башню. Несущую конструкцию архитектор вынес наружу, а функциональные помещения из стекла подвесил внутри нее один над другим: куб, пирамиду, цилиндр и полусферу. Куб предназначался для проведения конференций съездов; цилиндр — для всемирного исполнительного комитета; пирамида — для будущих СМИ; в верхней полусфере — синематограф. По задумке архитектора помещения должны были вращаться вокруг своей оси с разной скоростью, а гигантский проектор на вершине здания — передавать проекцию коммунистических лозунгов прямо на облака. Башня стала одним из важных символов нового искусства и визитной карточкой конструктивизма.

Однако в послереволюционном Петрограде идеи Татлина казались утопией. Проект башни воплотился лишь в макете из дерева и металла. В конце 1920 года художник представил его на VIII съезде Советов. Руководители страны башню не оценили: Троцкому она напомнила каркас недостроенного здания, а Ленин назвал ее уродливой.

В 1925 году макет Татлина отправили на Всемирную выставку искусства в Париже. Башня произвела там настоящий фурор. В том же году конструкцию представили на первомайской демонстрации в Ленинграде. Осознание, что его башня так и останется макетом, разрушило все надежды архитектора. Он стал вспыльчивым и неуравновешенным: однажды сломал дверь в музей и с кулаками накинулся на Казимира Малевича. Свои идеи Татлин берег с маниакальной бдительностью: он забил окна мастерской фанерой и никого не впускал.

В 1932 году состоялась первая персональная выставка Татлина, она же стала и последней. Под руководством Иосифа Сталина советское искусство пошло по пути соцреализма, и Татлин остался не у дел. «Это художник, умерший за 20 лет до своей смерти», — позже писали о нем.

В конце 1940-х — начале 1950-х годов Владимир Татлин возглавлял бригаду художников, делавших наглядные пособия для Московского государственного университета. Также в это время он писал натюрморты и пейзажи, иллюстрировал книги и оформлял спектакли для московских театров.

Владимир Татлин умер у себя в мастерской 31 мая 1953 года. Художника кремировали и похоронили в колумбарии Новодевичьего кладбища.

Владимир Татлин: Художник-бунтарь и абстрактный контррельеф Read More »

Эдуард Мане: Гений и художник-новатор современного искусства

Эдуард Мане родился в аристократической семье и мог заняться политикой или наслаждаться светской жизнью. Вместо этого он посвятил себя живописи и создал уникальный стиль, в той или иной мере повлиявший на творчество Клода Моне (Oscar-Claude Monet), Огюста Ренуара (Pierre-Auguste Renoir), Поля Сезанна (Paul Cezanne), Анри Матисса (Henri Matisse), Пабло Пикассо (Pablo Picasso) и других художников.

Его творчество стало переходным звеном между реализмом и импрессионизмом. За это Эдуарда Мане называют последним из великих художников-классиков и первым представителем современного искусства.

Фрагмент «Автопортрет с палитрой»

В 16 лет Эдуард Мане столкнулся с решительным протестом отца против дальнейшего художественного образования. Компромиссным решением стала морская школа. Юноша отправился в путешествие на учебном судне, но и на нем учился писать морские пейзажи и портреты членов команды. Экзамены в результате были провалены, но качество рисунков убедило отца в творческом призвании сына.

С 1850 года Эдуард Мане посещал мастерскую академиста Томаса Кутюра, копировал старых мастеров и совершил несколько поездок по Европе. Спустя 6 лет он открывает собственную мастерскую. Уже тогда картины молодого художника сильно отступают от традиций академизма и реалистично отражают действительность в стиле Гюстава Курбе (Gustave Courbet). Критики и члены жюри Салона, где молодой художник мечтает выставляться, плохо воспринимали эти работы. Похвалы удостоился лишь «Испанский певец».

 

Постепенно художник сближается с импрессионистами и постимпрессионистами. Его друзьями становятся Клод Моне, Эдгар Дега (Edgar Degas), Поль Сезанн, Камиль Писсарро (Camille Pissarro) и Берта Моризо (Berthe Morisot). Но выставляться с импрессионистами Эдуард Мане не хотел. Он снова и снова пытался добиться признания в официальном Салоне, понимая, что это вопрос времени.

Хотя Мане никогда не ставил себе цель эпатировать общество, две его работы спровоцировали настоящий скандал. Это выставлявшиеся в Салоне отверженных «Завтрак на траве» и «Олимпия». Последняя вызвала беспрецедентный шквал возмущения со стороны почтенной публики, которая привыкла видеть на картинах прекрасных Венер, но не дам полусвета.

Завтрак на траве

Вершиной творчества этого мастера считается поздняя картина «Бар в Фоли-Бержер». Она в полной мере демонстрирует метод Мане: техническое совершенство, отточенное копированием классиков и годами работы, сочетается с современным автору сюжетом. В центре внимания произведения — красивая и несколько грустная девушка, погруженная в свои мысли. За ней, будто мираж, отражается в зеркале зал, полный шумной публики. На переднем плане — искусно исполненные натюрморты с цветами, фруктами и шампанским. В верхней части видны электрические светильники, как дань техническому прогрессу.

 

Эту работу часто приписывают к импрессионизму, поскольку на ней изображено мимолетное мгновение. В отражении видно, что к девушке подошел посетитель. Через секунду он окликнет ее, и эта хрупкая задумчивость уступит место рабочей суете.

Эдвард Мане как гений и художник-новатор искусства влияет на современных художников и ценителей искусства.

Эдуард Мане: Гений и художник-новатор современного искусства Read More »

Вадим Куров: Костюмированные страсти без иллюзий

Что вы знаете о Вадиме Курове!? Если очень кратко, то Вадим Куров родился в 1947 году в Казани. Окончил Казанское художественное училище и художественно-промышленное училище им. В. М. Мухиной. Член Союза Художников России и Международной ассоциации художников. Многократный экспонент российских и зарубежных выставок. Живет и работает в Санкт-Петербурге.Работы находятся в собраниях Музея театрального и музыкального искусства Санкт-Петербурга, Министерства культуры РФ, Дирекции музеев Санкт-Петербурга, Государственного музея изобразительных искусств Казани (Татарстан), Музея Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Культурного центра Лос-Анджелеса (Калифорния, США), Музея современного искусства (Майами, США), Музея Советского и Русского искусства (Шанхай, Китай).Выставки: Друо-Ришелье, Париж, Франция (1989-1990); Нурланд, Норвегия (1991); Монреаль, Канада (1992): Лос-Анжелес, США (1999); Майами, США (2000); Санта-Моника, США (2003); Хельсинки, Финляндия (1994-1995); Бремен, Германия (1995, 1996).

Основные темы творчества художника: театральные композиции, мир балета, фантастический портрет, пейзаж и философский натюрморт.

Вадим Куров: Костюмированные страсти без иллюзий Read More »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх