картины

Павел Михайлович Третьяков: Основатель национальной галереи русской живописи

Государственная Третьяковская галерея — национальная галерея русской живописи, является художественным музеем мирового значения. Она была создана русским меценатом Павлом Михайловичем Третьяковым. Это было дело крайне непростым, но П.М.Третьяков отдал все свои силы созданию национального музея русского искусства, который, изначально, по его идее, стал бы достоянием народа.

Собирательство различного рода коллекций, в том числе и картин, было весьма распространенным в среде купечества, а в плане создания картинных галерей, Третьяков был далеко не пионером. Самую первую художественную галерею основал коллекционер Свиньин, его галерея, называвшаяся «Русским музеем», существовала с 1819 по 1839 годы, а впоследствии была продана на аукционе. Также, в 1840-1860 гг. коллекционер Прянишников из Санкт-Петербурга и коллекционеры Кокорев и Солдатенков имели большие коллекции картин. Но их собрания преследовали цель собирательства как такового, в то время как собирательная деятельность П.М. Третьякова не имела решительно ничего общего с такого рода мотивами купеческого коллекционирования, она велась иными методами и имела иную высокую цель.

«Портрет Павла Михайловича Третьякова», Иван Николаевич Крамской, 1876 год

Отец и дед П.М.Третьякова были купцами. Сам он с малых лет помогал отцу торговать в лавке, бегал по поручениям, выносил мусор и учился вести записи в торговых книгах, а после смерти отца он вел вместе с братом все торговые дела.

В характере П.М.Третьякова — основателя галереи, сохранились некоторые черты, напоминающие о купеческих традициях семьи и личного опыта, но к счастью для великого дела — создания галереи, это были черты совершенного бескорыстия, руководства интересами России и русской культуры, обращенные на пользу большого культурного начинания. Третьяков привык уважать крепость данного раз слова, и делал это для того, чтобы вести дела с художниками честно и открыто, внушая им веру в солидность и прочность предпринятого им дела — создания галереи русской живописи.

Третьяков относился к начатому делу бережно, по-хозяйски. Предприняв дело гигантского, не виданного для сил одного человека размаха и затратив на это миллионное состояние, Третьяков никогда не переплачивал за картины больше того, что считал нужным, и берег деньги не ради них самих, а лишь для того, чтобы иметь средства приобрести для галереи лучшие произведения русской живописи, и в случае необходимости, платить авторам вперед, поддерживая их, давая возможность спокойной творческой работы над картинами.

Павел Михайлович Третьяков избегал в быту роскоши и излишеств для того, чтобы молча и скромно помогать нуждающимся художникам, обеспечивать их вдов и сирот, достраивать и расширять галерею.

Он стал одним из самых передовых людей России с демократическими и патриотическими взглядами, с глубоким знанием и пониманием искусства, с тонким художественным чутьем, развитым до высшей степени. Так, в музыке существует понятие «абсолютный слух». И если есть в живописи «абсолютное зрение» в смысле безупречного художественного вкуса, то им сполна обладал П.М. Третьяков.

Николай Шильдер «Искушение» (1857?). Государственная Третьяковская галерея

П.М.Третьяков начал свою деятельность по собиранию картин русских художников в 1856 году с приобретения картины «Искушение», работы Николая Шильдера и и уже в 1860 г., когда ему было еще 29 лет (!), решил, что подарит свою коллекцию городу, сделает ее народным достоянием. В завещательном письме 1860 г. П.М.Третьяков пишет, что капитал он завещает «на устройство в Москве художественного музеума или общественной картинной галереи», и добавляет, что «желал бы оставить национальную галерею, то есть состоящую из картин русских художников». В письме к вдове художника Нестора Кукольника в 1870 г., Третьяков вновь подтверждает, что его собрание «картин русской школы и портретов русских писателей, композиторов и вообще деятелей по художественной и ученой части» поступит в собственность города Москвы. И наконец, в письме к Стасову в 1895г. Третьяков, повторяя свое желание, «чтобы наше собрание всегда было в Москве и ей принадлежало»,- добавляет: «…а что пользоваться собранием может весь русский народ, это само собой известно!»

Огромная историческая заслуга Третьякова — это его непоколебимая вера в торжество русской национальной школы живописи — вера, возникшая в конце 50-х годов прошлого столетия и пронесенная им через всю жизнь, через все трудности и испытания. Можно с уверенностью сказать, что в наступившем в конце 19 века триумфе русской живописи личная заслуга П.М.Третьякова исключительно велика и неоценима.

В письмах Третьякова сохранились свидетельства этой его горячей веры. Вот одно из них. В письме к художнику Риццони от 18 февраля 1865 года он писал: «В прошедшем письме к Вам, может показаться непонятным мое выражение: «Вот тогда мы поговорили бы с неверующими» — я поясню Вам его: многие положительно не хотят верить в хорошую будущность русского искусства и уверяют, что если иногда какой художник наш напишет недурную вещь, то как-то случайно, и что он же потом увеличит собой ряд бездарностей. Вы знаете, я иного мнения, иначе я не собирал бы коллекцию русских картин, но иногда не мог не согласиться с приводимыми фактами; и вот всякий успех, каждый шаг вперед мне очень дороги, и очень бы был я счастлив, если бы дождался на нашей улице праздника». И примерно через месяц, возвращаясь к той же мысли, Третьяков пишет: «Я как-то невольно верую в свою надежду: наша русская школа не последнею будет — было, действительно, пасмурное время, и довольно долго, но теперь туман проясняется».

Эта вера Третьякова не была слепым предчувствием, она опиралась на вдумчивое наблюдение за развитием русской живописи, на глубокое тонкое понимание формирующихся на демократической основе национальных идеалов.

Так, еще в 1857 году П.М.Третьяков писал художнику-пейзажисту А.Г. Горавскому: «Об моем пейзаже, я Вас покорнейше попрошу оставить его, и вместо него написать мне когда-нибудь новый. Мне не нужно ни богатой природы, ни великолепной композиции, ни эффектного освещения, никаких чудес». Вместо этого Третьяков просил изображать простую природу, пусть даже самую невзрачную, «да чтобы в ней правда была, поэзия, а поэзия во всем может быть, это дело художника».

В этой записке выражен тот самый эстетический принцип формирования галереи, возникший в результате продумывания путей развития русской национальной живописи, угадывания ее прогрессивных тенденций задолго до возникновения саврасовской картины «Грачи прилетели», пейзажей Васильева, Левитана, Серого, Остроухова и Нестерова — художников, сумевших в правдивом изображении природы России передать присущие ей поэзию и очарование.

Грачи прилетели. Холст, масло. 62х48. 1871.

Собиратель болезненно переживал, когда желанная картина уходила в чужие руки. Охотясь за лучшими произведениями, Третьяков не раз переходил дорогу представителям царской фамилии. Однажды на выставку передвижников пришел Александр III. Изъявив намерение купить картину, государь узнал, что она уже приобретена Третьяковым. Положил глаз на другую, на третью — все оказались проданы тому же коллекционеру. Чтобы конфуз не повторился, устроители приняли решение впредь ничего не продавать до тех пор, пока выставку не посетят Их Императорские Величества. Но Третьяков нашел выход: стал покупать понравившиеся работы до выставки. На вернисаже они висели с табличками «собственность Третьякова». В 1874 году Василий Верещагин выставил на продажу свою «Туркестанскую серию». Предполагалось, что серию приобретет государь, но тот отказался из-за колоссальной цены. Третьяков купил работы за 92 тысячи рублей.

«Торжествуют» 1872 г. Холст, масло. 195,5×257 см. Государственная Третьяковская галерея. Цикл «Варвары», Туркестанская серия

Интересные высказывания П.М.Третьякова можно встретить и в переписке с Верещагиным по поводу изображения современной им русско-турецкой войны 1877-1878 годов за независимость Болгарии от Турции, войны, в которой Россия выступила на стороне Болгарии. Узнав от Стасова, что Верещагин собирается ехать на фронт, чтобы писать серию картин об этой войне, П.М.Третьяков пишет Стасову: «Только может быть в далеком будущем будет оценена жертва, принесенная русским народом». Третьяков предлагает Верещагину уплатить вперед большую сумму за его работу: «Как ни странно приобретать коллекцию, не зная содержание ее, но Верещагин такой художник, что в этом случае на него можно положиться, тем более, что помещая в частные руки, он не будет связан выбором сюжетов и наверное, будет проникнут духом принесенной народной жертвы и блестящих подвигов русских солдат и некоторых отдельных личностей, благодаря которым дело наше выгорело, несмотря на неумелость руководителей и глупость и подлость многих личностей». И, переходя к картине Верещагина «Пленные», Павел Михайлович пишет, что она «одна сама по себе не представляет страницы из болгарской войны, подобные сцены могут быть и в Афганистане, да и во многих местах; я на нее смотрю как на преддверие в коллекцию».

Это письмо вызвало восторг Стасова, который писал, что в деле русского искусства он его считает историческим.

Иного мнения был Верещагин: «Что касается Вашего письма к В.В.Стасову по поводу виденной Вами моей картины, то очевидно, что мы с Вами расходимся немного в оценке моих работ и очень много в их направлении. Передо мной, как перед художником, Война, и я Ее бью, сколько у меня есть сил; сильны ли, действительны ли мои удары — это вопрос, вопрос моего таланта, но я бью с размаха и без пощады. Вас же, очевидно, занимает не столько вообще мировая идея войны, сколько ее частность, например в данном случае «жертвы русского народа», блестящие подвиги русских солдат и некоторых отдельных личностей, поэтому и картина моя, Вами виденная, кажется Вам достойной быть только «преддверием будущей коллекции». Я же эту картину считаю одною из самых существенных из всех мною сделанных и имеющих быть сделанными. Признаюсь, я немного удивляюсь, как Вы, Павел Михайлович, как мне казалось, понявший мои туркестанские работы, могли рассчитывать найти во мне и то миросозерцание и ту податливость, которые очевидно, Вам так дороги…»

П.М.Третьяков отвечает на это: «И Вы и я не за войну, а против нее. Война есть насилие и самое грубое, кто же за насилие? Но эта война исключительная, не с завоевательной целью, а с освободительной, созданная самыми образованными нациями, имевшими полнейшую возможность устранить ее и не сделавших это из эгоизма, из торгашества. Изображение не блестящих подвигов, в парадном смысле, имел я в виду, а жертв, принесенных и сопряженных со всеми ужасами войны. А это ли не бич войны?»

Высказанный П.М.Третьяковым взгляд на войну, требующий учитывать ее цель, замечательно опровергает пацифистский оттенок приведенных слов Верещагина, а противопоставление блестящих подвигов русских солдат под Плевной «глупости и подлости» руководителей царской России, показывает демократический характер убеждений Третьякова и выявляет все величие его патриотизма, в противоположность самодержавному национализму правящей верхушки.

Третьяков часто выступал не только как собиратель уже написанных картин и не только как приобретатель готовой художественной продукции, но и как организатор, являвшийся в определенной мере соучастником замысла художников. Третьяков был всегда в курсе дела, над чем работает и что замыслил тот или иной художник. Его переписка с Репиным, Крамским, Перовым, Ге, Верещагиным и другими, полна конкретных замечаний и советов, показывающих, насколько тонко и профессионально понимал Третьяков живопись и как с его мнением считались крупнейшие и талантливейшие русские художники.

Из воспоминаний М.В. Нестерова: “Во время моего несчастного искания “живописи” мои приятели не раз говорили, что ко мне собирается заехать посмотреть картину П.М.Третьяков, и я боялся, что он заедет посмотреть картину, когда вместо головы “Пустынника” он увидит стертое дочиста место. Однако этого не случилось. Павел Михайлович приехал неожиданно, но тогда, когда картина была снова в порядке и я ожил… Я хнал, что Павел Михайлович — не любитель разговаривать. Он прямо приступает к делу, т.е. к осмотру картины. он попросил позволения посмотреть “Пустынника”. Смотрел долго, стоя, сидя, опять стоя. Делал односложные вопросы, такие же замечания, всегда кстати, умно, со знанием дела. Просидел около часа. Сообщил, что был у того-то и у того-то. Сказал, что хороши вещи у Левитана. Затем он неожиданно, вставая, спросил, могу ли я уступить вещь для галереи? О! Боже мой! Могу ли я сутупить? Заветной мечтой каждого молодого художника было попасть в галерею, а тем более моей! Ведь отец мне давно объявил, полушутя, полусерьезно, что медали и звание, которое я получил, его не убедят в том, что я “готовый художник”, так, как покупка картины в галерею. А тут — могу ли я сутупить? Однако я степенно ответил, что “могу”. Следующий вопрос — самый трудный для ответа: “Что Вы за нее хотите:” — Что хочу? Ничего не хочу, кроме того, чтобы она была в галерее, рядом с Перовым, Крамским, Репиным, Суриковым, Васнецовым. Вот чего я страстно хочу… И все же, надо сказать не это, а что-то другое, серьезное… и я решился… сказал и сам себе не поверил… Что я наделал? Счастье было так близко, так возможно, а я безумный, назначил пятьсот рублей! Павел Михайлович не возмутился, а прехладнокровно выслушав мое решение, сказал: “Я оставляю картину за собой”. И стал прощаться, оделся, уехал, а я остался в каком-то полубреду…”

Организаторская роль П.М.Третьякова наглядно видна на примере создания портретов русских писателей, ученых, композиторов.

Третьяков заказывает портрет Писемского — Перову, Гончарова — Крамскому, добивается приобретения портрета Гоголя работы Моллера, заказывает портрет А.Н.Островского — Перову, Шевченко — Крамскому, его же просит написать портреты Грибоедова, Фонвизина, Кольцова и художника Васильева, заказывает портрет Тургенева — Гуну и дважды тот же портрет Репину; затем Перову поручает еще раз портрет Тургенева, а также портреты Достоевского, Майкова, Даля; Крамскому предлагает писать Толстого, Салтыкова-Щедрина, Некрасова, Аксакова; заказывает Репину портреты Тютчева, Пирогова, Толстого; приобретает у Ге портрет Герцена и т.д.

С поразительной настойчивостью и терпением добивается П.М.Третьяков создания портретов великих русских писателей, композиторов, ученых, советуясь с близко знающими их людьми и перезаказывая по нескольку раз, если портрет его не удовлетворяет сходством или качеством живописи. Третьяков следит даже за местонахождением тех или иных престарелых известных русских писателей и уговаривает художников отыскать их и создать портреты. Так, Третьяков напоминает Репину, находящемуся за границей, что поблизости от него «живет наш известный поэт Вяземский, старик 95 лет. Тут также надо взглянуть с патриотической стороны. Если да — то я узнаю его адрес и сообщу Вам». Такое высокое понимание роли национальной русской живописи, призванной увековечить видных людей русской науки, искусства и литературы, характерно для П.М.Третьякова, полного веры в торжество не только русской живописи, но и всей русской культуры. При этом, выбирая лиц для портретирования, Третьяков прежде всего выдвигает прогрессивных писателей-реалистов, прославивших русскую литературу во всем мире.

Если бы не настойчивость Третьякова и не его высокое чувство ответственности перед народом, для которого необходимо было запечатлеть силой русского искусства образы великих русских людей — мы бы не имели бы и десятой доли той богатейшей коллекции портретов, которой располагает Третьяковская галерея. И в этом смысле огромна личная заслуга П.М.Третьякова перед русской культурой.

Выдающееся значение Третьяковской галереи в развитии русской живописи не случайно совпадает с ее могучим подъемом во второй половине XIX века, обусловившим ее мировое значение и связанным с деятельностью подвижников, с расцветом творчества таких гениев, как Репин и Суриков. Отсюда и прочная дружба Третьякова с идеологами передвижников — Крамским, Перовым и другими.

Цель, осуществляемая Третьяковым — создание национальной художественной галереи русской живописи — была шире и грандиознее, чем собирание картин одной школы или одного направления, хотя бы и более прогрессивного. И Третьяков раздвигает рамки своей коллекции; он начинает собирать древнерусское искусство, начиная с XI века и портретную живопись XVIII века, продолжая в то же время внимательно следить за успехами художников младшего поколения и приобретая картины Серого, Нестерова, Остроухого и других, с той же третьяковской безошибочностью отбирая действительно самое художественное, что заслуживает права войти в сокровищницу национальной русской живописи.

При такой цели собирательства, Третьякову было ясно, какую большую ответственность он берет на себя перед историей русской культуры, приобретая для галереи одни произведения и не приобретая другие, что этим самым он одни произведения приобщает к лучшему, что создано русским искусством, а другие оставляет без внимания. Третьяков чувствовал колоссальную ответственность перед народом за каждое свое приобретение с точки зрения соблюдения чистоты принципа, имеющего в виду, что собирая галерею, он становится как бы историком русской живописи, и притом историком, который не только описывает ход событий, но и сам является активным участником истории. Третьяков подолгу просиживал в мастерских художников перед картинами или бродил по выставочным залам до открытия, одинокий, молчаливый, задумчивый. Он советовался с Крамским, Перовым, Репиным, взвешивал их точки зрения, ценил их советы, но принимал свое окончательное решение всегда самостоятельно.

Когда Репин однажды сказал Третьякову, что какую-то картину тот купил зря, Павел Михайлович ответил ему: «Все, что я трачу и иногда бросаю на картину — мне постоянно кажется необходимо нужным; знаю, что мне легко ошибиться; все что сделано — кончено, этого не поправить, но для будущего, как примеры, мне необходимо нужно, чтобы Вы мне указали, что брошено, то есть за какие вещи. Это останется между нами… Прошу Вас, ради бога, сделайте это, мне это нужно больше, чем Вы можете предполагать». В 1855 году П.М.Третьяков писал Репину: «Ради бога, не равняйте меня с любителями, всеми другими собирателями, приобретателями… не обижайтесь на меня за то, за что вправе обидеться на них».

М.В.Нестеров вспоминает, что когда на передвижных выставках зрители видели под несколькими картинами белую карточку с подписью: «Приобретено П.М.Третьяковым» — это значило, что русская живопись может гордиться появлением новых выдающихся произведений. Решение Третьякова признавалось как аксиома — большего авторитета не было. И Третьяков взял на свои плечи эту тяжесть моральной ответственности, как взял он и тяжесть материальную — собрание национальной художественной галереи средствами одного человека.

Поэтому М.В. Нестеров заканчивает свои воспоминания о П.М.Третьякове следующими словами: «кому не приходила в голову мысль о том, что не появись в свое время П.М.Третьякова, не отдайся он всецело большой идее, не начни собирать воедино Русское Искусство, судьбы его были бы иные, быть может, и мы не знали бы ни «Боярыни Морозовой», ни «Крестного хода», ни всех тех больших и малых картин, кои сейчас украшают знаменитую Третьяковскую галерею. Тогда, в те далекие годы, это был подвиг…»

Но несмотря на грандиозность и значимость предпринятого дела, П.М.Третьякову были присущи сдержанность и некоторая замкнутость. Даже из обширной его переписки трудно составить исчерпывающие представления о вкусах, мнениях и взглядах. Но некоторые факты могут показаться интересными.

Третьяков избегал встреч только с двумя категориями носителей власти — светской и духовной. Однажды ему сообщили, что в галерею прибудет Иоанн Кронштадский. Популярность этого священнослужителя среди верующих была огромной, многие считали его святым. В день посещения галереи Иоанном Кронштадским, Третьяков ранним утром уехал в Кострому, на свою фабрику.

-”Скажите, что меня экстренно вызвали по делам фирмы на несколько дней”.

Был только всего один визит высокого гостя, когда Павла Михайловича все-таки вынудили присутствовать при осмотре его коллекции: в 1893 году галерею посетил Александр III с супругой. Их сопровождали министры граф С.Ю.Витте, граф И.И.Воронцов-Дашков и президент Академии художеств, брат царя великий князь Владимир Александрович.

В том же 1893 году, Третьяков отказался от дворянства, которое ему хотел даровать царь, после передачи галереи Москве.

”Я купцом родился, купцом и умру”, — ответил Третьяков явившемуся обрадовать его чиновнику. Единственное звание, принятое им с гордостью — Почетный гражданин города Москвы.

И, кстати, передачу галереи городу Павел Михайлович хотел произвести как можно более тихо, без всякого шума, не желая быть в центре общего внимания и объектом благодарности. Но ему это не удалось и он был очень недоволен.

Кроме занятия собирательством, Павел Михайлович Третьяков активно занимался благотворительностью. Благотворительность для него была столь же закономерна, сколь закономерным было создание национальной галереи.

Третьяков состоял почетным членом Общества любителей художеств и Музыкального общества со дня их основания, вносил солидные суммы, поддерживая все просветительские начинания. Он принимал участие во множестве благотворительных актов, всех пожертвованиях в помощь семьям погибших солдат во время Крымской и русско-турецкой войны. Стипендии П.М.Третьякова были установлены в коммерческих училищах — Московском и Александровском. Он никогда не отказывал в денежной помощи художникам и прочим просителям, тщательно заботился о денежных делах живописцев, которые без страха вверяли ему свои сбережения. Павел Михайлович многократно ссужал деньги своему доброму советнику и консультанту И.Н. Крамскому, помогал бескорыстно В.Г.Худякову, К.А.Трутовскому, М.К.Клодту и многим другим. Братьями — Павлом и Сергеем Третьяковыми — было основано в Москве Арнольдо-Третьяковское училище для глухонемых. Попечительство над училищем, начавшееся в 60-е годы, продолжалось в течение всей жизни П.М.Третьякова и после его смерти. В своем завещании Павел Михайлович предусмотрел огромные капиталы для училища глухонемых. Для воспитанников училища Третьяков купил большой каменный дом с садом. Там жили 150 мальчиков и девочек. Здесь они воспитывались до 16-ти лет и выходили в жизнь, получив профессию. в училище. Он подбирал лучших преподавателей, знакомился с методикой обучения, следил, чтобы воспитанников хорошо кормили и одевали. В каждый приезд в училище он обходил классы и мастерские в часы занятий, всегда присутствовал на экзаменах.

После смерти Павла Михайловича Третьякова в 1898 году, галерея, по его завещанию, отошла в собственность города Москвы. В 1918 году, после Октябрьской революции, по подписанному В.И.Лениным декрету о национализации галереи, она стала называться Государственной Третьяковской галереей.

В период советской власти Третьяковская галерея пополнила свое собрание не только картинами художников 18-19 веков из собраний других коллекционеров, но и произведениями художников советского периода, такими как: Кузьма Петров-Водкин, Юрий Пименов, Семен Чуйков, Аркадий Пластов, Александр Дейнека, творческий союз Кукрыниксы и многие другие.

Обращаясь к ситуации современной России, трудно представить себе человека, который мог бы заняться чем-то подобным. И дело даже не в том, что это, как скажут многие, “не очень-то и нужно”, а в том, что сейчас просто другое время, другие проблемы, другие задачи, которые необходимо решать. Хотя и это утверждение не бесспорно.

В плане культурного наследия, научно-технический прогресс с каждым днем открывает нам все новые и новые формы и результаты деятельности человека в сфере культуры и искусства. И нам, в наше время, необходимо заботится о них, сохранять и приумножать их, в то же время не забывая о прошлом, чтобы оставить своим потомкам наше видение мира, нашу жизнь, как это сделал поистине великий человек — Павел Михайлович Третьяков.

Какие картины продаются лучше всего?

Почти каждый художник мечтает, чтобы его картины купили. Быть востребованным, услышанным, увиденным – это то, что необходимо автору. И если на картинах можно заработать, то это вообще шикарно. А иначе, зачем тогда рисовать?

В этой статье расскажем вам про самые продаваемые картины маслом. Раскрою вам 7 тем, на которые можно писать работы, которые будут хорошо продаваться.

1. Пейзажи

Как вы понимаете, пейзажи пейзажам рознь, поэтому, нужно правильно подобрать тематику пейзажей. Реалистичные пейзажи один из без проигрышных вариантов. Если вы пишите, например, морской пейзаж, то зритель, глядя на него, должен чувствовать эти соленые брызги и солнце, светящее на него. Все должно быть максимально натуралистично, похожее даже где-то местами на фото.

Эти пейзажи должны приглашать нас в свою атмосферу, наполнять нас. Так, если это лесной пейзаж, то мы должны прочувствовать каждую веточку и листочек.

Кроме морских и лесных пейзажей, также очень популярны пейзажи горные. В горах мы должны прочувствовать текстуру камней, огромных горных массивов, огромное количество воздуха, которое может передаваться ярким и светлым небом.

Еще одним хорошо продаваемых вариантов пейзажей является импрессионизм.

Все это, вы как художник, должны научиться писать маслом. Выбрав какое-то конкретное направление, вы сможете совершенствоваться в нем, совершенствовать свои техники. И рано или поздно, ваши картины станут ТОПовыми и вы сможете на них хорошо зарабатывать.

2. Странные картины

Еще одна тематика картин, которые хорошо продаются. Какие странные картины востребованы сейчас? Под этой тематикой подразумеваются такие картины, более психоделического содержания. Эта тематика близка к хорошо знакомому вам сюрреализму. Так почему же такие картины, наравне с пейзажами, в ТОПе по продаж?

Люди, которые ценят творчество и понимают современных художников, всегда покупают такие работы. А если даже и не понимают, то общаются с художником, узнают историю работы и тоже покупают ее. А еще, такие картины хороши тем, что они уникальны в своем роде, они неповторимы. Это тоже дает ценность картине. Даже если вы не занимаетесь классической академической живописью, а пишите какие-то свои сюжеты, то на вас найдется зритель, которому откликнется ваша «странная» работа и он захочет ее купить.

Яркий пример странной картины – «Постоянство памяти» Сальвадора Дали. Картина, на которой изображены утекающие часы. Художник заложил в этот рисунок свой смысл о том, что время утекает и это наполнило его картину, сделало ее значимой.

Также и вы должны поступать. Закладывайте сразу определенные смыслы в свою «странную» живопись.

3. Абстракции

Да, многие смотрят на такие картины скептически, «неужели такое кто-то покупает?», «да так и мой ребенок может!» — слышали, наверняка такое про абстрактную живопись.

Но, тем не менее, абстракция, это сейчас один из наиболее самых продаваемых жанров в живописи. Почему? Потому что такие картины отлично вписываются в современные интерьеры! Современный интерьер подразумевает простые формы и цветовые сочетания. Картина несет в себе такую же смысловую нагрузку. Плюс, не так-то просто написать настоящую правильную абстракцию, как бы легко это ни выглядело со стороны.

Чтобы написать абстракцию, нужно знать и основы композиции, и основы колористики. Научиться работать с разными, в том числе и современными, материалами. Нужно уметь все это сочетать правильно между собой и, к тому же, грамотно использовать инструменты.

Изучив все тонкости абстракции, вы сможете легко писать картины, даже на самых больших холстах.

4. Обнаженная натура (ню) или эротические картины

Сексуальность была частью человеческого опыта с момента нашего появления как вида.

С началом цивилизации люди включили сексуальность в эротическое искусство, поклонение и повседневную жизнь. Существовали культуры и времена, когда явные ссылки на сексуальность были общепринятыми в социальных нормах и времена, когда это было не так. Однако репрессивный взгляд на сексуальность поддерживался Церковью в средние века, а затем сексуальность всячески подавлялась во время викторианской эпохи, как следствие – народы западного мира верят, что мало какие народы (если таковые вообще были в прошлом), были способны принять и даже упиваться своей сексуальностью.

Эстетика, восхищение женским телом, эротические фантазии, невинность — за все это готовы платить, но об этом не говорят в слух.

5. Домашние животные и дикие звери

Еще одна популярная тематика картин, которая ценится сейчас на рынке – это анималистика, пользующаяся большим спросом. Все любят красивые картины с милыми животными – котиками, собачками, а также с лошадьми, тиграми, львами и другими представителями фауны.

Вы можете брать за основу обычную фотографию питомца или животного, но интерпретируя ее под себя. Обязательно создавайте свой стиль, чтобы в дальнейшем ваши работы стали узнаваемы. Еще, чем мне нравится эта тематика, так это тем, что животные всегда что-то олицетворяют. И это уже давно было. Каждое животное, это символ. Например, лев – это царь зверей. Такие картины часто дарят в подарок начальникам, директорам. Или, лошадь – арабский скакун, несет в себе тоже символ. Пантера – это символ женственности. Если вы выставляете такую картину на продажу, ее точно обязательно кто-то купит, чтобы подарить в подарок конкретному человеку.

Поэтому, если вы выбираете анималистику, как ваше личное направление, то вы должны изучить ее очень хорошо. К тому же, к каждой картине, которую вы будете продавать, вы будете делать описание. Не важно, продаете вы ее на выставке или у себя в соцсетях, вы должны описать свою работу и грамотно преподнести.

В мире большое, просто огромное количество животных, поэтому, лучше выбрать несколько либо кого-то одного. Во-первых, у вас будет тематика, во-вторых, свой конкретный стиль, который будет точно продаваться, потому что вы не будете распыляться, отработаете все навыки и станете узнаваемым художником.

6. Натюрморты и цветы

Натюрморты и цветы практически у всех дома есть такие картины, которые создают уют, тепло и хорошее настроение. Цветы всегда напоминают о лете и счастливых днях проведенных с любимым человеком. Фрукты и овощи напоминают вам запах деревни и родного дома. Сочные плоды всегда вызывают хороший аппетит и ароматы жизни.

Обычно натюрморты покупают для холла, в кабинет или в гостиную.

7. Портреты

Портреты покупались всегда. Еще в Средневековье люди заказывали портреты и платили за них огромные деньги. Сейчас же, портреты, которые продаются, имеют немного другой облик. Современные портреты соединяют в себе разные стилистические особенности. Зачастую, очень хорошо продаются портреты в стиле импрессионизма, в стиле поп-арт, но не заезженный поп-арт, а такой, где вы используете пастозную живопись, где объединяете разные техники.

Если вы пишите портреты, обращайте внимание на позы. Сейчас актуальны не строгие прямые позы, как на картинах Средневековья, а те, которые уже имеют свои позы, например модельные. Они очень часто используются в портретной живописи – изображение может быть в профиль, в повороте, с руками, но руки могут быть не просто сложены на груди, а, например, как-то интересно обтекать лицо. Вы должны научиться делать комбинацию из такой строгой паспортной фотографии и модельной фотографии, с нестандартными позами и открытыми эмоциями.

Что мы подразумеваем под авторскими картинами? Это такие работы, немного даже странноватые, на которые смотришь, и думаешь: «Вау, такого я еще не видел(а), хочу купить себе!». Но это если мы говорим о картинах, выполненных на заказ. А как быть если вы хотите продавать портреты на каких-то интернет-площадках? Не рисовать же своего соседа и продавать только его портреты? Нет конечно! Вы можете писать портреты известных личностей.
Также, очень хорошо продаются портреты, где присутствуют аксессуары. Например, если вы пишите портрет девушки, то вы можете добавить ей цветы в волосах, или какие-то необычные украшения на ней. Это нужно для того, чтобы ваши работы были более авторскими, ведь только авторские картины со своим особым стилем очень хорошо продаются.

Либо, вы можете брать актеров, точнее их героев, которых они играют, из популярных фильмов. Например, Миа Уолес, персонаж фильма «Криминальное чтиво», которую сыграла Ума Турман. Ее портрет стал очень популярным, и его также стали покупать различные кафе и рестораны, тематика которых и интерьер соответствуют духу фильма. Тем самым, доказывая, что такие работы очень популярны.

Поэтому, выбирайте таких персонажей, которые будут привязаны к одному стилю, к одному направлению. Берите топовых персонажей и личностей, которые широко известны и знамениты, которые собой олицетворяют какую-то идею, тогда вы точно не прогадаете и эти портреты 100% купят.

Вы не можете писать все. Поэтому, лучше выбрать какую-то одну тематику, сконцентрироваться на ней, наполнить ее своими смыслами, сделать так, чтобы ваши картины в этой тематике стали самыми ТОПовыми, тогда вы будете хорошо продаваться. При чем не важно, российский это рынок, или зарубежный, вы все равно должны выделяться из толпы своим стилем. Плюс, всегда читайте то, что вам советуют площадке по продаже картин. Абсолютно все площадки заинтересованы в том, чтобы вы продавали свои картины, потому что они от этого получат свои проценты. У каждой площадки, если это интернет-площадка, на сайте есть отдельный раздел «советы художникам». Если вы ориентированы только на заработок, и вам не важно, что писать, читайте рекомендации и следуйте советам площадок, изучите статистику, посмотрите, какой спрос на картины происходит часто, а какой реже. Всегда совершенствуйте свои навыки. Потому что, чем выше уровень художника и его работ, тем дороже он может продать эти работы.

Это был ТОП-7 тем для картин, которые точно купят.

Правила хранения и ухода за картинами дома — музейные принципы

При соблюдении нескольких простых правил, картина не изменит свой внешний вид даже через сотни лет. Но помните, что дома практически нереально создать музейные условия, но принципы лучше знать.

Воздух и сквозняки

Свежей картине обязательно нужен воздух — такую картину нельзя хранить в непроницаемой упаковке или оформлять в раму со стеклом. Картине нужен воздух, т.к. полное затвердевание красочного слоя происходит постепенно и может длиться до года. Плотная упаковка создает эффект парника и красочный слой может отслоиться. Но и не стоит держать картину на постоянном сквозняке!

Ветер — он также не допускается. Кондиционеры и вентиляторы не должны дуть на масляную живопись.

Избегайте прямых солнечных лучей

Кроме пыли, сырости и резкого перепада температур, главными врагами произведений живописи являются прямые солнечные лучи. Поэтому при возможности следует размещать картины так, чтобы на них не попадало солнце. Свет — прямые солнечные лучи не должны попадать на полотно. В противном случае картина начнет обесцвечиваться, некоторые пигменты выцветают. Самый лучший свет – рассеянный. Так же можно применять специальную подсветку с лампами, которые не греются и не искажают цвета. Лампы же размещаются на расстоянии не менее 1 метра.

Не трогайте картину руками

Если в вашем доме есть дети, будет разумно расположить картины в местах, недоступных для свободного к ним доступа. Помарки от «ощупывания» картины удалить очень сложно. Также, если картину без конца трогать пальцем, в тех местах цвета, с годами, могут потускнеть.

Дорогие произведения искусства лучше всего защищать и хранить под стеклом.

Избегайте резких перепадов температуры и влажности

Следует знать, что категорически не рекомендуется размещать картины рядом с отопительными системами. Холст может деформировать под воздействием перепада температур.

Если холст провис (особенно это актуально для больших картин) — ничего страшного. Это поправимо. Стоит слегка протереть с тыльной стороны полотно увлажненной губкой и картина должна вновь обрести свой прежний вид.

Не вешайте картину там, где не бывает постоянного температурно-влажностного режима. Картину не следует вешать там, где она подвержена тепловому действию обычных ламп накаливания. Также нельзя вешать на кухне рядом с плитой и размещать в непосредственной близости от нагревательных приборов и под кондиционером. В противном случае на полотне начнут появляться микротрещины.

Рекомендуемая температура в помещении — от 18-22 °C.

Уезжая из дома зимой и отключая полностью отопление, Вы постепенно портите живопись. Разрушения могут быть не быстрыми, но они при постоянном воздействии возникнут.

Если не обеспечить в помещении с картинами стабильную комнатную температуру, со временем полотно может покрыться плесенью. В таком случае без вмешательства специалиста-реставратора не обойтись.

Идеальным параметром влажности считается 55%.

Как хранить картину, если вы не готовы сразу её повесить

Храните картину вертикально. Когда вы ее кладете, что-то (или кто-то) может упасть, плюхнуться или сесть на вашу картину. Накройте картину тканью или положите в картонную упаковку, чтобы защитить от пыли . Не опирайте переднюю или заднюю поверхность натянутого холста на острый предмет. Если вы должны прислонить картину к чему-либо, прислоните её подрамником, чтобы ничто не давило на холст.

Если вы храните картины в течение длительного периода, то мы советуем вам периодически просматривать их, удалять пыль и менять покрывающую их ткань.

Сохраняемые картины должны быть покрыты хлопковыми простынями, но не полиэтиленом, который может вызвать плесень.

Как содержать и чистить картину маслом

Пыль, жир, копоть, следы мух постепенно загрязнят картину, если не ухаживать за ней постоянно. Дым сигарет, автомобильные газы усиливают загрязнения и приводят к необходимости реставрации. Регулярно удаляйте пыль и грязь.

Самым лучшим вариантом очистки будет аккуратное протирание бархатной или фланелевой салфеткой или подушечкой с лицевой стороны и также с оборотной. Если картина имеет фактурные выпуклые мазки, то можно использовать шириной кисть с мягким ворсом. Смахивайте пыль плавными движениями, двигаясь от верхней части картины к нижней.

Убирая пыль с картины, ни в коем случае не гните и не продавливайте холст — не трите и не чистите картину с усилием.

Помните замечательный фильм «Мистер Бин» с Роуэном Аткинсоном? В нем главный герой чихнул на известное произведение американского художника Джеймса Уистлера. После чего начал вытирать все платком, а после и химией для мытья пола. В результате получилось белое пятно, которое пришлось восстанавливать. Но так хорошо, как в оригинале, уже не получилось.
Чтобы такого не произошло, не пользуйтесь водой, чистящими средствами или спиртом. Влага для картины противопоказана! Нельзя использовать воду для очищения картины, даже для изнаночной стороны.

Храните картины правильно и сберегайте их от порчи, тогда они Вам прослужат долго, на протяжении100-300 лет, и станут бесценными фамильными предметами искусства.

Иван Славинский: самый дорогой художник современности

Иван Славинский родился в 1968 году в Ленинграде. Отец — художник-баталист Дмитрий Обозненко передал по наследству сыну художественный дар живописца. В 5-летнем возрасте мальчик уже хорошо владел карандашом и красками. Первые навыки в изобразительном искусстве Иван получил в художественной школе при Академии Художеств. Отец очень критично относился к первым работам сына. Но вскоре начал доверять Ивану прописывать на краешках своих полотен небольшие детали. А позже понял – сын очень талантлив, и сам может творит.

В 1990-ом прошла первая выставка работ Ивана Славинского в Санкт-Петербурге в художественной галерее «Товарищество Свободных Художников». И зрители, и критики признали в художнике уникальный талант, после чего он сразу стал известным в городе на Неве. С тех пор его начали приглашать в различные галереи Москвы и за границей.

Далее Иван работал за рубежом, семь лет жил в Париже. Его полотна стали постоянным украшением частных коллекций Италии, Франции, Голландии. Во Франции, США, Германии, Великобритании, Италии и Голландии его считают одним из самых лучших российских художников.

В период становления молодого художника его относили то к реалистам, то к постмодернистам, то к сюрреалистам: очень сложно было, глядя на ранние работы Славинского, сказать, что это рука одного и того же мастера. И лишь спустя годы, собрав воедино на полотно все эти стили и техники искусства, он создал свою манеру, свой неповторимый уникальный почерк.

Однажды, поехав с женой по 4-дневной туристической визе во Францию на новогодние праздники, задержался там на целых десять лет, из них почти 2 года жил с просроченной визой. Первое время они с женой гостили у друга в крошечной комнатушке с видом на Эйфелеву башню. Потом жили на неоконченной стройке, ночуя на нарах, сколоченных из досок.

Художник постепенно начал зарабатывать на жизнь живописью: сдавал на реализацию свои работы в небольшую галерею. Как оказалось, хозяйка этой галереи хорошо знала творчество художника — видела его работы на Невском. Сотрудничество было плодотворным и приносило деньги. Супруги смогли даже снять небольшую квартиру. Воодушевленный художник начал писать в разных стилях, что сразу же стало непонятно наивным французам: как это возможно, чтобы живописец мог одновременно писать в нескольких техниках. Так уж работы Ивана по манере и стилю были различны между собой.

Как ни странно, русского художника все принимали за парижанина. Благодаря хорошему французскому за полтора года нелегального проживания во Франции, визу у Славинского так никто и не спросил. Он даже умудрился, не имея никаких документов, купить себе машину и поставить на учет. Но вскоре он был рассекречен таможней и выдворен со страны. Но при этом в его кармане уже лежало приглашение во Францию. И Славинский, проведя все документы через консульство, вернулся в Париж уже на законных основаниях.

И еще около восьми лет он жил в Париже и работал уже по эксклюзивным контрактам нескольких европейских галерей. С персональными выставками он объездил почти всю Европу. Экспозиции его картин имели большой успех в Люксембурге, Дублине, Стокгольме, Марселе и в Париже. Все полотна парижского периода, были удачно распроданы.

Его уникальные картины пополнили частные коллекции ценителей искусства в Италии, Франции, Голландии, Англии, США. Первоначальная стоимость полотен Ивана Славинского была от двадцати тысяч долларов. Покупателей впечатляла «смесь» техник взятых от Врубеля, Дега и Петрова-Водкина, за это они и готовы были платить хорошие деньги.

Жанр фантастического реализма, основанный на метаморфозах, символах, иносказаниях, на сложнейших композициях, и на использовании богатой палитры красок, нашел отражение и в классических натюрмортах, и в городских пейзажах, и в импрессионистских портретах художника.

Ивану Славинскому нужно отдать должное – не многим художникам удается найти нишу в современном искусстве, приобрести собственный почерк и уникальный шарм. И при всем этом, еще при жизни реализовывать на арт-рынке свои работы за достойные деньги.

Ведь в большинстве своем, художники плохие торговцы, они не умеют продавать свои произведения. И некоторые доживают свою жизнь в нищете. Проходят годы и их творения начинают стоить миллионы. Об этом с уверенностью можно сказать, просмотрев рейтинги самых дорогих русских художников современности.

Начальная цена полотен мастер составляет 20 тысяч долларов.

Сегодня его произведения хранятся в частных и государственных коллекциях в разных странах мира.

Александр Дейнека: Художник-новатор социалистического реализма

Счастливые люди, занимающиеся спортом, радостно трудящиеся на шахтах, фабриках заводах — все это герои картин Александра Дейнека, известного советского художник XX века. Монументализм и плакатность его творчества, типизированность и отсутствие индивидуальных черт героев, персонажей картин, характеризуют творчество Дайнеки и стиль социалистического реализма.

Александр Дайнека «Будущие летчики», 1938 г.

Железная дорога, семья простых рабочих и долгие одинокие зимние вечера способствовали Александру Дейнека с детства заниматься техникой и живописью в городе Курске. По стопам отца и продолжая его дело, юных Дейнека поступил в железнодорожное училище, но тяга к искусству переборола и как локомотив он помчался в Харьков и решил получить художественное образование. Революция, развал Российской империи и строительство новой страны — Советского Союза — на время прекратили его занятия. Страна требовала других героев — сотрудников уголовного розыска. Александр трудился фотографом в угрозыске, руководил секцией изобразительного искусства Губнадобраза, выпускал плакаты и постеры, оформлял агитпоезда, участвовал в театральных постановках. Затем последовала двухлетняя служба в армии, где будущий живописец возглавлял художественную студию. После службы Дейнека был направлен в Москву, здесь он продолжил учебу на отделении полиграфии ВХУТЕМАСа. С самого начала художника увлекало изображение человеческих фигур, создание сюжетных работ. Также живописец иллюстрировал басни Крылова. Своеобразная авторская манера уже ярко прослеживается в картине «Футбол», где Александр Дейнека представил полуобнаженных атлетов как мощное единство.

В молодом советском искусстве художник открыл эстетику техники, архитектуры производства. В его работах появляются физически крепкие и сильные духом рабочие на фоне инженерных конструкций.

В 1928 г. Александр Дейнека всего за неделю написал знаменитую «Оборону Петрограда». Картина сделала живописца настоящей звездой.

В 1930-х гг. Дейнека сосредоточился на теме спорта. Сам он с юных лет занимался гимнастикой, волейболом, боксом, плаванием, бегом. Это помогало художнику мастерски передавать в своих работах динамику и пластику атлетов. Он много времени проводил на стадионах, где делал эскизы сложных ракурсов.

Изображая физическое совершенство спортсменов, живописец подчеркивал их силу духа. В 1932 г. Дейнека создает известное произведение «Бег», а спустя год — плакат «Физкультурница».

В военный период культ здоровья и спорта в творчестве живописца временно отошел на второй план. Александр Дейнека создал серию московских пейзажей того времени, произведения с батальными сценами.

После войны художник вернулся к излюбленным сюжетам, был очень востребован. В 1947 году он написал картину «Эстафета по кольцу «Б»», где с репортажной точностью воссоздал атмосферу спортивного праздника: солнечный день, сосредоточенные бегуны, восторженные зрители.

Теме спорта Дейнека также посвящал скульптуры, создавал эскизы для мозаик, украсивших станции столичного метрополитена. Долгие годы живописец занимался преподавательской деятельностью: сразу после войны он получил звание академика Академии художеств СССР. Скончался знаменитый советский художник 12 июня 1969 г. в Москве.