Санкт-Петербург

Анна Остроумова-Лебедева: Нет места сомнениям и колебаниям…Спрятать, замазать, затереть нельзя.

Сегодня трудно представить, чего стоило барышне конца XIX — начала XX века посвятить жизнь изобразительному искусству. Наиболее знаменитой отечественной художнице, Зинаиде Серебряковой, помогло удачное стечение обстоятельств: она выросла в творческой атмосфере — ее многочисленные родственники рисовали, чертили, лепили. Иным образом складывалась судьба Остроумовой-Лебедевой.

Анна Петровна Остроумова-Лебедева была дочерью крупного чиновника-тайного советника Петра Остроумова (вторую фамилию она приобрела в 1905 г., выйдя замуж за известного ученого-химика С. В. Лебедева). Девочка с боем отстаивала право на самоопределение. Вначале, будучи еще гимназисткой, она пошла на вечерние курсы Центрального училища технического рисования барона А.Л. Штиглица, где занималась у великого гравера Василия Матэ. А затем — вопреки желанию родных — поступила в Академию художеств. Среди ее наставников были известный рисовальщик Павел Чистяков и легендарный Илья Репин, высоко ценивший талант ученицы.

Любопытны воспоминания о молодой Остроумовой-Лебедевой, оставленные Александром Бенуа: «Мы с невестой увлекались тогда копированием старых мастеров в Эрмитаже, и как раз я был занят портретом слегка криворотого мужчины Франца Хальса.., когда рядом с нами появилась небольшого роста барышня в пенсне, которая принялась набрасывать углем на холсте «Девочку с метлой» Рембрандта (все эти три картины висели в те годы почти рядом). Я был несколько озадачен дерзостью такой затеи. <…> И никак нельзя было ожидать, что барышня в пенсне хоть в какой бы то ни было степени одолеет колоссальные трудности задачи. <…> Каково же было наше удивление, когда из-под угля на холсте у любительницы мощными штрихами стала вырисовываться фигура девочки, а затем с необычайной энергией, напомнившей мне знакомые приемы Репина, моя соседка стала прокладывать красками свою картину. Через недели две она ее кончила. <…> Я как-то сразу скис и вскоре оставил свою работу, не доведя ее до той законченности, какую я себе сначала наметил».

В следующий раз Александр Бенуа и Анна Петровна Остроумова-Лебедева встретились через шесть лет в Париже, куда Анна приехала набираться опыта. Правда, училась не у модных французских импрессионистов, а у американца Джеймса Уистлера. Тогда же сблизилась с Константином Сомовым, создавшим ее акварельный портрет.

По-своему интересны и незаурядны были произведения, создававшиеся художницей по впечатлениям от частых поездок — как за границу (Италия, Франция, Испания, Голландия), так и по стране (Баку, Крым). Часть из них была исполнена в гравюре, а часть — в акварели.

Венеция. Столбы. 1911. Бумага, акварель. 36,2х52,7
Амстердам. Порт.1913.Акварель

После окончания Академии пришлось сделать нелегкий выбор: у художницы обнаружилась астма, вызванная работой с масляными красками и скипидаром. В итоге она перешла на акварель, а также стала плотно заниматься гравюрой, в том числе — цветной ксилографией. Девушка объясняла новое увлечение следующим образом: «Сама техника не допускает поправок, и потому в деревянной гравюре нет места сомнениям и колебаниям. Что вырезано, то и остается четким и ясным. Спрятать, замазать, затереть в гравюре нельзя. Туманностей нет».

Цветная ксилография «Весенний мотив. Вид с Каменного на Крестовский и Елагин острова». Год создания: 1904

Остроумовой-Лебедевой принадлежала главная роль в деле возрождения в России станковой гравюры на дереве как самостоятельного вида творчества — после долгого существования в качестве репродукционной техники; особенно велика заслуга художницы в возрождении гравюры цветной. Оригинальные приемы обобщения формы и цвета, выработанные ею, были усвоены и использованы многими другими художниками. Основной темой ее гравюр был Петербург, изображению которого она посвятила несколько десятилетий неустанного труда.

Ее цветные и черно-белые гравюры — как станковые, объединенные в циклы («Петербург», 1908- 10; «Павловск», 1922-23, и др.), так и исполненные для книг В. Я. Курбатова «Петербург» (1912) и Н. П. Анциферова «Душа Петербурга» (1920) — до сих пор непревзойденны по точности ощущения и передачи величественной красоты города и по редкому лаконизму выразительных средств. Воспроизводимые помногу раз и но разным поводам, они давно стали хрестоматийными и пользуются исключительной популярностью.

Этот интерес всячески стимулировали представители «Мира искусства» (с легкой руки Дягилева художница попала в круг авторов одноименного журнала). Скромная Анна признавалась: «Я чувствовала себя среди них стесненной, и, несмотря на то, что была приблизительно их возраста, мне казалось, что я перед ними ничтожная, маленькая девочка». При этом сами «мирискусники» отзывались о ней достаточно лестно. Тот же Бенуа в мемуарах объясняет: «Остроумова не имеет того громкого имени, как иные из ее товарищей, но, разумеется, ее художественное значение не уступает значению этих товарищей, и то, что ее искусство теряет из-за своей скромности, то оно же наверстывает своим благородством, своей строгостью, всем тем, что можно обнять словом «стиль».

Весенний мотив. 1904

 

Петербург. Ростральная колонна и Биржа. 1908

И правда: тонкие изысканные произведения Анны Петровны могли удовлетворить самый требовательный вкус. У нее получались интересные портреты: изображение Максимилиана Волошина сейчас хранится в Русском музее, а Михаила Булгакова — в Бахрушинском.

Анна Петровна Остроумова-Лебедева ( 1871 — 1955 ). Максимилиан Волошин
Анна Петровна Остроумова-Лебедева. Михаил Булгаков

Однако коньком Остроумовой-Лебедевой были пейзажи. И прежде всего городские виды, соединившие природу и архитектуру. Например, эстампы с очертаниями Венеции — сказочного города, имевшего для Анны особое значение. Именно там в 1903 году она поняла, что влюблена в двоюродного брата, талантливого химика Сергея Лебедева, впоследствии первым синтезировавшего каучук в промышленном масштабе. Чувство оказалось взаимным, и в 1905-м они поженились. Брак был счастливым: муж во всем поддерживал художницу, горевшую искусством.

Еще лучше заграничных пейзажей Анне Петровне удавались виды Петербурга. Тонкий шпиль Адмиралтейства, исчезающая в легкой дымке невская перспектива, сумерки на Крюковом канале… Виртуозно переданные пышность и строгость северной столицы. В углу — скромный значок вместо подписи: «Л», обведенная кружком — буквой «О».

Петербург. Ростральная колонна под снегом. 1909
Петербург. Крюков канал. 1910

Остроумова-Лебедева навсегда осталась преданной родному городу, не уехала даже во время блокады. Это был сознательный выбор, хотя работа в тяжелых условиях требовала от пожилой художницы героизма. Создавшая в тот период ряд гравюр и акварелей, Анна Петровна вспоминала: «Писала часто в ванной комнате. Положу на умывальник чертежную доску, на нее поставлю чернильницу. Впереди на полочке — коптилка. Здесь глуше звучат удары, не так слышен свист летящих снарядов, легче собрать разбегающиеся мысли и направить их по должному пути. <…> Всех волнует один и тот же вопрос: «Уезжать ли?» Я хочу остаться. Твердо хочу остаться на все страшное впереди. <…> Теперь об акварельной кисти. Она ведь близкий друг художника, исполнительница его воли. На ее кончике — сердце художника». И эта верность искусству и городу на Неве — одна из составляющих редкого дара Остроумовой-Лебедевой.

Автопортрет 1940г.

В военные годы Остроумова-Лебедева создала ряд гравюр с изображением блокадного Ленинграда, издала почтовые открытки со своими пейзажами, оформила пригласительные билеты на премьеру Ленинградской симфонии Дмитрия Шостаковича. Кроме того, художница вела дневник, который после войны был издан под названием «Автобиографические записки».

Последние годы жизни художницы были омрачены надвигающейся слепотой, но, пока было возможно, она продолжала трудиться.

Анна Остроумова-Лебедева: Нет места сомнениям и колебаниям…Спрятать, замазать, затереть нельзя. Read More »

Екатерина Кузьмина: И как же раньше я ошибалась…

«И как же я ошибалась тогда, потому что на сегодняшний день для меня нет ничего важнее и интереснее творчества.»

Инженер по специальности техника и физика низких температур и переводчик технического английского языка Екатерина Кузьмина художник, член Профессионального Союза Художников России.

Живописи Екатерину учила мама — профессиональный художник и главный советчик, критик. В детстве рисование казалось таким простым, неважным и само собой разумеющимся. Но ведь любому человеку свойственно ошибаться)….

Победитель и лауреат международных конкурсов и выставок (победитель Санкт-Петербургской Недели Искусств, финалист международного проекта «ART REVOLUTION TAIPEY» (Тайвань), победитель международного проекта «Искусство силуэта», победитель международного проекта «Победы России. День космонавтики», первое место в конкурсе American Art Award и т.д.), участник благотворительных аукционов и персональных и коллективных выставок ( 2017 год — персональная выставка «Танец красок» (клуб «GRIBOEDOV HILL», г. Санкт-Петербург), 2018 год — выставочный комплекс Союза Художников, 2019 год — Музей городской скульптуры (Санкт-Петербург), 2019 год — Арт-Фестиваль «Ласточка» (г. Петрозаводск), 2019 — международная выставка картин «Женщины» (Перу, Лима), 2020 год — арт-Фестиваль «Живой финский залив», музей Современного Искусства «Артмуза» (г. Санкт-Петербург), 2020 год — выставка «Антология самоизоляции» (Выставочный зал Смольного, г. Санкт-Петербург), 2021 год – международная выставка «Этно-Душа Народа» (Республика Башкортостан, Башкирский государственный художественный музей имени М.В. Нестерова), 2022 год  — выставка «Неделя Искусств» (Выставочный центр Союза Художников, г. Санкт-Петербург), 2022 год– фестиваль современного искусства ArtFestSpb (арт-пространство СевкабельПорт, г. Санкт-Петербург) 2022 — выставка в особняке А.П. Брюллова «Мартовский кот»

Работы Екатерины Кузьминой украшают обложки журнала Современный Ренессанс (Modern Renessanse), а ее публикации можно найти в журналах об искусстве 365 Art+, выпуск 7, 2021 год (Япония), Art&Life (декабрь, 2021 год), журнал «Арт-Агент», номер 4 «Границы и эмоции» (апрель, 2022 год). Более подробно можно познакомиться с ее творчеством можно на персональном сайте. На этом сайте Вы можете посмотреть работы, купить готовые или заказать копии и принты любого размера всех работ.

С юности Екатерина интересуется психологией и уверена, что психология — мать всех наук, ее законы — самые важные и фундаментальные в нашем мире. Поэтому символизм в живописи — это ее большая любовь, а самый долгожданный момент — обратная связь от Вас.

Спасибо Вам за интерес к  творчеству Екатерины Кузьминой и внимание.

Екатерина Кузьмина: И как же раньше я ошибалась… Read More »

Иван Славинский: самый дорогой художник современности

Иван Славинский родился в 1968 году в Ленинграде. Отец — художник-баталист Дмитрий Обозненко передал по наследству сыну художественный дар живописца. В 5-летнем возрасте мальчик уже хорошо владел карандашом и красками. Первые навыки в изобразительном искусстве Иван получил в художественной школе при Академии Художеств. Отец очень критично относился к первым работам сына. Но вскоре начал доверять Ивану прописывать на краешках своих полотен небольшие детали. А позже понял – сын очень талантлив, и сам может творит.

В 1990-ом прошла первая выставка работ Ивана Славинского в Санкт-Петербурге в художественной галерее «Товарищество Свободных Художников». И зрители, и критики признали в художнике уникальный талант, после чего он сразу стал известным в городе на Неве. С тех пор его начали приглашать в различные галереи Москвы и за границей.

Далее Иван работал за рубежом, семь лет жил в Париже. Его полотна стали постоянным украшением частных коллекций Италии, Франции, Голландии. Во Франции, США, Германии, Великобритании, Италии и Голландии его считают одним из самых лучших российских художников.

В период становления молодого художника его относили то к реалистам, то к постмодернистам, то к сюрреалистам: очень сложно было, глядя на ранние работы Славинского, сказать, что это рука одного и того же мастера. И лишь спустя годы, собрав воедино на полотно все эти стили и техники искусства, он создал свою манеру, свой неповторимый уникальный почерк.

Однажды, поехав с женой по 4-дневной туристической визе во Францию на новогодние праздники, задержался там на целых десять лет, из них почти 2 года жил с просроченной визой. Первое время они с женой гостили у друга в крошечной комнатушке с видом на Эйфелеву башню. Потом жили на неоконченной стройке, ночуя на нарах, сколоченных из досок.


Художник постепенно начал зарабатывать на жизнь живописью: сдавал на реализацию свои работы в небольшую галерею. Как оказалось, хозяйка этой галереи хорошо знала творчество художника — видела его работы на Невском. Сотрудничество было плодотворным и приносило деньги. Супруги смогли даже снять небольшую квартиру. Воодушевленный художник начал писать в разных стилях, что сразу же стало непонятно наивным французам: как это возможно, чтобы живописец мог одновременно писать в нескольких техниках. Так уж работы Ивана по манере и стилю были различны между собой.

Как ни странно, русского художника все принимали за парижанина. Благодаря хорошему французскому за полтора года нелегального проживания во Франции, визу у Славинского так никто и не спросил. Он даже умудрился, не имея никаких документов, купить себе машину и поставить на учет. Но вскоре он был рассекречен таможней и выдворен со страны. Но при этом в его кармане уже лежало приглашение во Францию. И Славинский, проведя все документы через консульство, вернулся в Париж уже на законных основаниях.

И еще около восьми лет он жил в Париже и работал уже по эксклюзивным контрактам нескольких европейских галерей. С персональными выставками он объездил почти всю Европу. Экспозиции его картин имели большой успех в Люксембурге, Дублине, Стокгольме, Марселе и в Париже. Все полотна парижского периода, были удачно распроданы.

Его уникальные картины пополнили частные коллекции ценителей искусства в Италии, Франции, Голландии, Англии, США. Первоначальная стоимость полотен Ивана Славинского была от двадцати тысяч долларов. Покупателей впечатляла «смесь» техник взятых от Врубеля, Дега и Петрова-Водкина, за это они и готовы были платить хорошие деньги.

Жанр фантастического реализма, основанный на метаморфозах, символах, иносказаниях, на сложнейших композициях, и на использовании богатой палитры красок, нашел отражение и в классических натюрмортах, и в городских пейзажах, и в импрессионистских портретах художника.

Ивану Славинскому нужно отдать должное – не многим художникам удается найти нишу в современном искусстве, приобрести собственный почерк и уникальный шарм. И при всем этом, еще при жизни реализовывать на арт-рынке свои работы за достойные деньги.

Ведь в большинстве своем, художники плохие торговцы, они не умеют продавать свои произведения. И некоторые доживают свою жизнь в нищете. Проходят годы и их творения начинают стоить миллионы. Об этом с уверенностью можно сказать, просмотрев рейтинги самых дорогих русских художников современности.

Начальная цена полотен мастер составляет 20 тысяч долларов.

Сегодня его произведения хранятся в частных и государственных коллекциях в разных странах мира.

Иван Славинский: самый дорогой художник современности Read More »

Интернет-магазины для художников: Обзор лучших магазинов для творчества

Здесь вы найдете ссылки и описание магазинов, где можно купить наборы для творчества: бумагу и карандаши разных фирм, акварель и масло, мольберты и этюдники.

Конечно, уровень этих магазинов товаров для творчества различен. Какие-то существуют как реальные крупные магазины для творчества в Москве или Санкт-Петербурге, и у них бывают даже собственные линейки товаров, они проводят регулярные акции и скидки, а какие-то живут только в интернет-пространстве.

1. Интернет-магазин “АРТ-КВАРТАЛ”  https://artkvartal.ru/

2. Интернет-магазин  “КРАСНЫЙ КАРАНДАШ”  http://krasniykarandash.ru/

3. Интернет-магазин “ПЕРЕДВИЖНИК” http://www.peredvizhnik.ru/

4. Интернет-магазин “КРАСКИ-КИСТИ”  https://www.kraski-kisti.ru/

5. Интернет-магазин “FOR ART”  http://www.for-art.ru/

6. Интернет- магазин “ЭТЮД”  http://www.etudesite.ru/

7. Интернет-магазин “АРТЛАВКА”  https://www.artlavka.ru/

8. Интернет-магазин “ЛАБОРАТОРИЯ ХУДОЖНИКА”  http://artists-lab.ru/

9. Интернет-магазин “ЧЁРНАЯ РЕЧКА”  http://www.artmaterial.ru/

10. Интернет магазин “ArtSklad”  https://artsklad.ru

11. Интернет магазин “Две Краски”  https://2kraski.ru/

12. Интернет-магазин “Палитра красок”  http://artistcolor.ru/

13. Интернет-магазин “Art Bytik”  http://artbytik.ru/

14. Интернет-магазин “ARTPROFY”  http://www.artprofy.ru/

15. Интернет-магазин “Pro ARTists”  http://proartists.ru/

16. Интернет-магазин  “Арт Этюд” http://www.artetud.ru/

17. Интернет-магазин “Коллаж”  http://artkollage.ru/

18. Интернет-магазин “ВикАрт-Мольберт”  http://vikart-molbert.ru/

19. Интернет-магазин  “Нарисуефф”  http://magazinhudozhnik.ru/

20. Интернет-магазин “Fine Art”  http://www.cosyma.ru/

21. Интернет-магазин “Self-made Shop”  http://www.selfmadeshop.ru/

22. Интернет-магазин “Artsnab”  https://артснаб.рф/

23. Интернет-магазин “Все подрамники”  https://vsepodramniki.ru

24. Интернет-магазин “Леонардо”  https://leonardo.ru

Интернет-магазины для художников: Обзор лучших магазинов для творчества Read More »

Николай Ибраев: Мятежный дух в поиске сакрального

Неординарный и своеобразный художник Николай Ибраев, мятежный дух которого постоянно находится в поиске сакрального.

Родился в 1987 году в г. Москве. Окончил Йошкар-олинское художественное училище, затем продолжил обучение в академии им. А.Л. Штиглица. Участвовал в региональных и всероссийских выставках, проводимых Союзом художников России. В настоящее время основной деятельностью является роспись стен в Москве, Петербурге и других регионах России. Занимается преподавательской деятельностью в Канаде (г. Монреаль), России (г. Санкт-Петербург): живопись, рисунок, композиция, история искусств, технологии старых мастеров.

Николай Ибраев молодой петербургский художник, которого уже заметили галеристы. Его творчество и видение неоднозначное: от черного к белому, темное — светлое. Тем самым получается интересные работы: КинкПанк, Тяжесть и сталь, Молчаливая литургия, Интерьер святой Анны, Мы — тлен, Андрей Рублев, Садко, Благоверный князь Александр Невский и т.д. Если посмотреть на галерею картин Николая, то начинаешь задумываться о бренности и чистоте бытия.

«Поистине видимое есть образ невидимого.»

Научившись расшифровывать художественные послания, можно найти многие ключи к пониманию бытия, не только самого художника, но и своей жизни и поиска вечного сакрального, поскольку все образы взаимосвязаны со всеми элементами существования.

Согласно Библии, черный был первым и единственным цветом на земле, но в конце концов появился свет, который ознаменовал появление жизни. Так черный был определен как безжизненный, и на долгие годы за ним закрепилась дурная слава цвета смерти.

Белый цвет  использовалась в тех магических ритуалах первобытных людей, в которых они апеллировали к силам добра и жизни или защищались от воздействия злых духов и божеств. Белый цвет притягивал добрых богов и отпугивал злых. Наиболее важными из этих ритуалов были те, которые посвящены рождению, инициации, браку и смерти. Именно белый защищал от сглаза и порчи. И использование его в ритуалах, связанных с похоронами тоже было логичным: он давал надежду на новую загробную жизнь.

Художник находится в постоянном поиске и временной трансформации: черное — это хорошо или плохо!? белое — это трагедия или праздник!?

Надеюсь, вы теперь понимаете сложность и душевную мятежность в картинах Николая Ибраева, только истинные ценители искусства смогут погрузиться и понять творческие метания, но в тоже время, и жизненную силу картин художника.

Николай Ибраев: Мятежный дух в поиске сакрального Read More »

Марк Шагал: Долгая жизнь и смерть в полёте

Самая странная и загадочная картина художника-авангардиста Марка Шагала носит название «Над городом». На ней изображена пара — мужчина и женщина, которые обнявшись, летят в небе над небольшим провинциальным Витебском… Марк Шагал прожил долгую, полную событий жизнь, и умер в 97 лет в полёте, как и предсказала ему цыганка.

Любой, кто хотя бы немного знаком с творчеством Шагала, мгновенно угадывает самого художника и его невесту — Беллу (Берту Розенфельд). Нет сомнений, влюблённые встретились после долгой разлуки. Они вновь охвачены любовью и счастьем и позабыли обо всём на свете. Чувства подняли их высоко в небо и они наслаждаются и свободой.

Детали картины — здания на земле, безликий и скучный город, лица главных персонажей, — как это часто наблюдается у Шагала, выписаны схематично. Реально выглядят лишь мужик со спущенными штанами у дощатого забора и нагло гуляющий козёл.

У мужчины и женщины по одной руке. По всей видимости, по задумке автора это должно показать, что каждый из них является дополнением другого и по отдельности они ничего не значат. Зато вместе они — сила! Счастливые влюблённые летят, обнявшись, над городом, где Марк Шагал разрисовал торцы домов уникальными граффити, посвятив их годовщине Октябрьской революции…

Женские образы списаны с первой жены


Надо сказать, что люди на картинах Шагала летают довольно часто. Это могут быть счастливые влюблённые, цирковые акробаты, обнажённая женщина, еврей…

Видимо, художнику очень хотелось воплотить в реальность выражение «летать от счастья». Ведь самому Шагалу наверняка было известно это удивительное чувство полёта.

Интересно, что Марк Шагал, хотя и был несколько раз женат, оказался однолюбом. Практически на всех полотнах легко можно узнать только одну даму, его жену Беллу, с которой познакомился в 1909 году. С многих полотен на нас смотрят её «выпуклые чёрные глаза», а её черты узнаваемы в лицах почти всех изображённых им женщин.

Потом Марк Шагал напишет в своей книге «Моя жизнь»: «С ней должен быть я — вдруг озаряет меня! Она молчит, я тоже. Она смотрит — о, её глаза! — я тоже. Как будто мы давным-давно знакомы, и она знает обо мне всё: моё детство, мою теперешнюю жизнь, и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел её в первый раз. И я понял: это моя жена. На бледном лице сияют глаза. Большие, выпуклые, чёрные! Это мои глаза, моя душа».



В тот момент они с Беллой состояли в браке и растили ребёнка. Но было в их отношениях нечто такое, что по-прежнему позволяло взлетать над серой обыденностью и поднять художника, который прожил почти 100 лет, над окружающим его миром.

Выставка в Лувре

Своим творчеством Марк Шагал, а правильнее Мовша Хацкелевич Сегал (впоследствии Моисей Хацкелевич и Марк Захарович) смог добиться такого признания и авторитета, что в конце 1970-х в Лувре была устроена выставка работ художника, приуроченная к его 90-летию…

При этом необходимо знать — этот музей никогда до этого не выставлял работы при жизни автора.

Вообще, Франция, куда он переехал в начале 1920-х годов, была к нему очень благосклонна. В отличие от других своих коллег по творческому цеху жизнь в эмиграции у Шагала шла крайне успешно.

Более того, он сумел не только найти новые жанры для выражения идейных замыслов, но и заработать приличное состояние, и кроме того сменить несколько жён после смерти незабвенной Беллы.

Интересные факты: в 1964 году по заказу президента Франции Шарля де Голля Шагал расписал плафон знаменитой во всем мире парижской оперы — Гранд Опера. В 1966 году создал для Метрополитен-опера в Нью-Йорке два панно, а в Чикаго украсил здание Национального банка мозаикой «Четыре времени года».

В 1977 году Марк Шагал был удостоен высшей награды Франции — Большого креста Почётного легиона…

Семейное счастье

Две революции — февральскую и Великую Октябрьскую; две войны — Гражданскую и Первую мировую; бедность и богатство; частые переезды — Белла Розенфельд, верная муза и жена Марка Шагала, всегда находилась рядом с ним. Это семейное счастье длилось почти 30 лет.

Жена понимала Шагала как никто другой, и принимала его таким, каким он был. Ни одна картина не была закончена без её одобрения. Художник слушал и поклонялся только ей и любил её так, как никого в жизни…

Разница в возрасте между Марком и Беллой составляла всего два года. Марк Шагал родился 7 июля 1887 года, а Белла — 14 декабря 1889-го. Они оба росли в Витебске, названном художником Ильёй Репиным «русским Толедо».

Разные сословия

Семья Сегалов жила на бедной окраине в районе Песковатики среди кособоких деревянных домишек и разгуливающих там кур и коз. А семья торговцев ювелирными украшениям Розенфельдов в центре города. Детей родители обожали и безмерно баловали. Особенно это касалось маленького Мойши, который был в семье первенцем.

В гимназии, куда его устроила за взятку мать, Шагал был первым только по двум предметам — геометрии и рисованию. Именно последнее и послужило причиной тому, что своё дальнейшее образование он продолжил в художественной школе Юделя Пэна. Педагог сразу увидел в своём ученике талант и перестал брать плату за обучение.

Тем временем Белла, в семье она родилась восьмым ребёнком, прилежно осваивала французский и немецкий языки в Алексеевской гимназии для девочек, которую закончила с серебряной медалью. Это давало девушке возможность продолжить обучение в Москве или Санкт-Петербурге.

После небольшого раздумья она вместе с подругой Таубой Брахман выбирает Московские высшие женские курсы, которые также назывались «курсы Герье» — по фамилии их основателя и директора, историка, профессора Московского университета Владимира Ивановича Герье. Стоило обучение 100 рублей в год. Родители Баси могли себе позволить такие расходы…

Встреча

Однако встреча с будущей женой случилась не в Москве и не в Санкт-Петербурге, а всё в том же Витебске, куда Марк Шагал приехал в 1909 году на побывку. Местом знакомства стал дом их общей подруги Теи Брахман. Это была любовь с первого взгляда. Через год они стали женихом и невестой.

Родители Беллы категорически выступали против этого союза и открыто говорили — Шагалы с их небольшой лавкой не ровня купцам с двумя магазинами! И вообще, он щёки румянит и занятие у него сомнительное. Подумаешь, странные картины рисует.

Но Белла упорно стояла на своём и приводила в пример старшую сестру Хану, социал-демократку, которая вышла замуж за большевика… Словом, отложив дела «на потом», Марк уезжает в Санкт-Петербург — учиться у Леона Бакста, а оттуда — в Париж.

Белла вернулась в Москву. Помимо Высших женских курсов она поступила на актёрские курсы в студию Станиславского. А свои литературные амбиции удовлетворяет тем, что сотрудничает с московской газетой «Утро России».

Все эти годы Марк и Белла переписывались. Встретились лишь в 1914 году, когда Шагал приезжает в Витебск на свадьбу сестры. Чувства вспыхнули с новой силой и через год с небольшим, 25 июля 1915 года, они женятся. А через год у них родится дочка Ида.

Сердце рвётся в Париж

Первые годы совместной жизни Шагалов стали, что называется, борьбой за выживание в сумасшедшем, скачкообразном движении Первой мировой войны и череде русских революций.

Родственники Беллы помогли Марку уехать в Петербург и избежать воинской службы. В 1918 году Шагала назначили Уполномоченным по делам искусства в Витебской губернии. Художник доволен — он снова дома. И, стараясь оправдать доверие, начинает с того, что в канун первой годовщины Октябрьской революции с размахом украшает родной город. Затем открывает Школу искусств и даёт своим ученикам свободу раскрывать собственный талант…

Но тут между ним и Казимиром Малевичем начинается противостояние, в котором последний выходит победителем и Шагалам приходится переехать в Москву. Живут они скромно, если не сказать бедно. Белле даже приходится продавать свои драгоценности — ведь маленькой Идочке надо хорошо питаться.

Шагал берётся за любую работу, даже преподает в детских колониях. В этот же период он создаёт знаменитые декорации для Еврейского театра, которые впоследствии спас Соломон Михоэлс…

Но в творчестве Шагал себя по-прежнему не находит. Вроде как пишет картины, но их никто не признаёт. Его сердце рвётся в Париж, где когда-то его оценили. Поэтому с семьей отправляется в Берлин, где открылась выставка его работ, а оттуда переезжает в Париж.

В Париже

Только в Париже Шагал чувствовал себя легко и свободно. Его, правда, огорчает потеря всех работ, которые остались на родине. Но что это против того, как они с Беллочкой так замечательно устроились!

Он увлёкся иллюстрацией и иллюстрирует для Амбруаза Воллара книгу Николая Гоголя «Мёртвые души», по памяти восстанавливает некоторые утраченные картины…

Заказы есть, следовательно, есть деньги. Семья путешествует по Франции, в 1931 году едет в Палестину — землю своих предков, своей веры. По возвращению Шагал приступает к иллюстрированию Библии. Всё заканчивается с приходом к власти Гитлера. И в 1941 году Шагалы решаются уехать в США. Делают это вовремя — ещё бы немного и их постигла участь многих евреев.

В Америке удача вновь на стороне Марка Шагала. Он работает в мастерской сына Матисса — Пьера, заканчивает работы, которые начал ещё в Париже. Делает декорации для балета «Алеко» в постановке Леонида Мясина, сражается с Пикассо за заказ для спектакля Баланчина «Жар-птица». Победа остаётся за испанцем, однако эскизы костюмов рисует Шагал.

Дочь помогла

В конце августа 1944 года Шагалы получают радостную весть — Париж освобождён. Теперь все мысли только о возвращении, но тут приходит беда.

Внезапно Белла заболела. Сейчас уже сложно сказать, действительно ли ей, как еврейке, отказали в помощи, как потом рассказывал художник. Но нужное лекарство больной привезли поздно.

«Когда Белла ушла из жизни, 2 сентября 1944 года в шесть часов вечера, громыхнула грозовая буря и непрерывный дождь излился на землю. В глазах моих потемнело»… — писал потом художник, который постоянно корил себя за медлительность. На 30-й день после смерти Беллы Шагал Комитет еврейских писателей, художников и учёных организовал в Карнеги-Холле траурный вечер её памяти, на котором присутствовало около двухсот друзей и знакомых семьи Шагал.

Но успокоиться он не мог очень долго, долгих девять месяцев не брал кистей и развернул все холсты лицом к стене. Если бы не дочь, вероятно, ему бы так и не удалось преодолеть тоску.

Жизнь после Беллы

После ухода Беллы у Марка Шагала были женщины. Одна из них — Вирджиния Хаггард стала матерью единственного сына Шагала, Дэвида МакНила, писателя и музыканта, но ушла от него к фотографу. Другая — дочь фабриканта Валентина Бродская, он её называл ласково Вава, официально стала супругой. О роли этих женщин в жизни мастера много спорят. Но никто не отрицает, любил мастер только Беллу…

Говорят, что цыганка предсказала Марку долгую жизнь и смерть в полёте. Она оказалась права.

Марк Шагал действительно прожил долгую жизнь и умер в возрасте 97 лет от сердечного приступа, это произошло 28 марта 1985 года. Он поднимался в лифте из мастерской на второй этаж своего дома в Сен-Поль-де-Ванс во Франции. Его сердце остановилось в таком авангардном полёте. Вава, хотя и была наполовину еврейкой, не разрешила главному раввину Ниццы похоронить его на еврейском кладбище, и останки художника обрели покой в Сен-Поль-де-Вансе.

Марк Шагал: Долгая жизнь и смерть в полёте Read More »

Карл Брюллов: Автор жанровых и исторических полотен

Брюллов — единственный русский художник, удостоенный при жизни лаврового венка и бриллиантового перстня из рук императора. За «Последний день Помпеи» его назвали «первой кистью государства». Брюллов создал более 200 парадных и камерных портретов и расписал купол Исаакиевского собора площадью 800 квадратных метров.

Более подробно можно прочитать на сайте культура.рф о Карле Брюллове

Карл Брюллов: Автор жанровых и исторических полотен Read More »

Вадим Куров: Костюмированные страсти без иллюзий

Что вы знаете о Вадиме Курове!? Если очень кратко, то Вадим Куров родился в 1947 году в Казани. Окончил Казанское художественное училище и художественно-промышленное училище им. В. М. Мухиной. Член Союза Художников России и Международной ассоциации художников. Многократный экспонент российских и зарубежных выставок. Живет и работает в Санкт-Петербурге.Работы находятся в собраниях Музея театрального и музыкального искусства Санкт-Петербурга, Министерства культуры РФ, Дирекции музеев Санкт-Петербурга, Государственного музея изобразительных искусств Казани (Татарстан), Музея Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Культурного центра Лос-Анджелеса (Калифорния, США), Музея современного искусства (Майами, США), Музея Советского и Русского искусства (Шанхай, Китай).Выставки: Друо-Ришелье, Париж, Франция (1989-1990); Нурланд, Норвегия (1991); Монреаль, Канада (1992): Лос-Анжелес, США (1999); Майами, США (2000); Санта-Моника, США (2003); Хельсинки, Финляндия (1994-1995); Бремен, Германия (1995, 1996).

Основные темы творчества художника: театральные композиции, мир балета, фантастический портрет, пейзаж и философский натюрморт.

Вадим Куров: Костюмированные страсти без иллюзий Read More »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх