скульптура

Марк Антокольский: «Я был нелюбимый ребенок. Мне доставалось от всех. Кто хотел — бил меня»

Марк Антокольский — первый скульптор–еврей, который, благодаря своему таланту, приобрел известность в России и завоевал мировую славу. Главные работы Антокольского находятся в России: в Третьяковской галерее в Москве, Русском музее в Петербурге и в музеях других российских городов.

Васнецов Виктор Михайлович. Портрет скульптора Марка Антокольского

Родился Марк (Мордехай) Матвеевич Антокольский в Вильне в 1843 году. Его родители были людьми необразованными и небогатыми, но очень религиозными. Они содержали нечто вроде харчевни. В семье было семеро детей.

Детство Марка было безрадостным. Впоследствии он писал: «Я был нелюбимый ребенок. Мне доставалось от всех. Кто хотел — бил меня». Только мать его защищала и любила. Он вспоминал о ней и любил всю жизнь. Еще мальчиком Антокольский рисовал везде, где только мог — на столе, на стенах. «Моя страсть, — писал он, — не была понятна отцу, и он не только не поощрял, но и жестоко преследовал ее». Когда Марк подрос, его отдали в обучение к резчику по дереву. Это была та случайная удача, которая многое определила в его жизни.

Как–то к резчику пришла жена купца–еврея Апатова с дочкой. Обе были в восторге от работ юноши. Между молодым резчиком и дочкой купца начинается серьезный роман. Но Марк беден, и об их будущем союзе не может быть речи.
О юном резчике узнает известная покровительница искусств жена Виленского генерал–губернатора. Желая помочь юному таланту, она пишет письмо–просьбу в Петербург, в Академию художеств. Благодаря высокому ходатайству, Антокольского в академию приняли.

Товарищами Марка по академии были молодые таланты: Семирадский, Савицкий, Васнецов, Репин. С Репиным Антокольский особенно близко сошелся — они жили вместе несколько лет. Репину не мешало, что его товарищем был верующий еврей, который по субботам никогда не работал, по утрам обязательно молился, а религиозные праздники почти полностью посвящал молитве. Религиозным евреем, соблюдающим заповеди, Антокольский оставался до конца своей жизни.

В студенческие годы, в 1884 году, Антокольский вырезает из дерева скульптуру «Еврей–портной» и получает вторую серебряную медаль и стипендию. В следующем году, в 1885 году, он получает серебряная медаль и стипендию Его Императорского Величества за горельеф «Еврей скупой».

«Еврей скупой» (слоновая кость, дерево, ГРМ).

Наиболее известны его работы в те годы — «Натан Мудрый» и «Нападение инквизиции на евреев». Его друзья–художники бурно приветствовали эти работы. А профессора Академии скрипели зубами, но ничего не могли противопоставить его таланту и побаивались покровителей. В то время президентом Академии была великая княгиня Мария Николаевна. Она высоко оценила последнюю работу молодого скульптора и заказала себе ее копию.

Антокольский М. М.
Натан Мудрый
Эскиз для композиции «Нападение инквизиции в Испании на евреев, тайно празднующих в подвале Пасху». 1868

В 1868 году скульптор создал горельефную композицию «Нападение инквизиции в Испании на евреев, тайно празднующих в подвале Пасху». В ходе работы появился образ Натана Мудрого – человека сильной воли, благородного и мужественного. Он превратился в самостоятельное произведение, которое получило известность благодаря многочисленным отливам в бронзе. Критик Владимир Стасов высоко ценил «Натана Мудрого», а сам горельеф считал важным этапом не только в творчестве Антокольского, но и в развитии русской реалистической пластики.
Повторения: бронза – Государственная Третьяковская галерея, гипс – Иркутский художественный музей, терракота – Луганский художественный музей.

«Нападение инквизиции на евреев»

Во время учебы в академии Антокольский увлекся российской историей и литературой. В 1870 году он закончил работу над статуей Ивана Грозного. Но профессора отказались её смотреть. Тогда Антокольский решает пригласить в мастерскую великую княгиню Марию Николаевну. Она пришла в восторг от скульптуры и рассказала о работе молодого художника императору Александру II. Император самолично посетил мастерскую Антокольского и купил эту статую для Эрмитажа за 8 тысяч рублей, чем вызвал неописуемый переполох среди профессуры Академии. Состоявшийся после этого Совет Академии изменил свое мнение и присудил студенту (!) Марку Антокольскому за «Ивана Грозного» высшую награду — звание академика.

М. Антокольский. «Иван Грозный»

«Иван Грозный» был показан публике и имел колоссальный успех. Стасов и Тургенев первыми написали восторженные отзывы и предсказали автору большое будущее. «Я заснул бедным, — писал Антокольский, — встал богатым. Вчера был неизвестным, сегодня стал модным». Вскоре его имя становится известным за границей. Кенсингтонский музей в Лондоне приобретает гипсовую копию «Ивана Грозного» — честь, которой редко удостаиваются иностранные художники.

Невероятно напряженная работа и скверные условия жизни подорвали здоровье художника и он, как тогда было принято, едет в Италию, где продолжает работать и создает великолепную полную мощи и энергии статую Петра I. Работу эту он высылает в Петербург. А вслед за тем едет в родную Вильну, где женится на красавице, дочке купца Апатова, той, которая его терпеливо ждала все эти годы.

Марк Антокольский. Памятник Петру I, 1872

Молодые уезжают в Италию. То был счастливый период в жизни скульптора. Каждый год он делал по одной большой статуе: «Спиноза», «Офелия», «Ермак», «Ярослав Мудрый» и другие. Его избирают член–корреспондентом Парижской академии.

В 1878 году все свои новые работы Антокольский привозит в Париж и представляет на Всемирную выставку. Там ему присуждают высшую награду выставки: медаль почета и орден Почетного легиона. И вскоре его выбирают почетным членом многих западных академий: Венской, Берлинской, Лондонской и других.

Антокольский М. М.
Ярослав Мудрый
Горельеф. 1889

С 1888 года Антокольский работал над образом Ярослава Мудрого. Отлив горельефа в майолике был выполнен в следующем году известной французской фирмой «H DECK». Великий князь изображен на фоне ратного знамени в княжеском венце, в красочной, нарядной одежде. Основанием горельефа служит торец свода законов Киевской Руси, так называемая Русская правда, что указывает на одно из важнейших исторических деяний князя. (О. Кр.)

Марк Антокольский. Ермак, 1891

Однако Антокольский хочет показать свои работы на родине, которой он так многим обязан. В 1893 году он выставляется в Петербурге. Никогда в залах Петербургской Академии не было выставлено так много работ одного скульптора. И никогда скульптура так ярко и глубоко не затрагивала историю России.

Антисемитская печать встретила выставку площадной бранью. Уезжая из российской столицы, Антокольский напечатал в «Петербургских новостях» письмо, которое заканчивалось словами:
«Многие годы люди известного лагеря издеваются над моими работами и при этом не замечают, что, обвиняя меня, обвиняют шесть академий разных стран, членом которых я имею честь состоять, и жюри двух международных выставок, почтивших меня наградами».
Большинство героев Антокольского — жертвы тирании толпы. Сократ отравленный, Христос связанный, Спиноза всеми оставленный, Иоанн–Креститель обезглавленный. Но есть среди его персонажей и люди другого типа. Это Петр I, Ермак, Ярослав Мудрый и другие.
Антокольского всегда волновала горькая судьба евреев–художников. Он мечтал сгруппировать еврейских художников где–нибудь в Европе с тем, чтобы они могли образовать свою школу, со своим особым обликом, настроением и стилем.
В 1900 году Антокольский выставляет свои новые работы на очередной Всемирной выставке в Париже. И снова получает высшую награду, а также командорский крест Почетного легиона.

Но тяжким горем и крушением многих надежд стала для него смерть единственного сына. От этого потрясения он уже не смог оправиться. Обострилась его болезнь легких, и вскоре, в 1902 году, он скончался во Франкфурте–на–Майне. Погребен Марк Антокольский в Санкт–Петербурге на еврейском Преображенском кладбище.

Об Антокольском очень много написано в русской и зарубежной печати, однако, при советской же власти — почти ничего. Ни книг, ни исследований, посвященных жизни и творчеству этого выдающегося художника, не было все эти годы. Советская власть стремилась не акцентировать внимание на том, что великий русский скульптор Антокольский — еврей.
Время, тем не менее, все расставляет на свои места.

Марк Антокольский: «Я был нелюбимый ребенок. Мне доставалось от всех. Кто хотел — бил меня» Читать дальше »

Франсуа Огюст Рене Роден: Реформатор в скульптуре и его единственная любовь в жизни

Огюст Роден был одним из основоположников импрессионизма в скульптуре. Его творчество перевернуло понятие о скульптуре, вывело ее на новый уровень. Но заслуга Родена была не в том, что он отошел от скульптуры одного стиля и создал скульптуру другого стиля. Его заслуга, скорее в том, что он сделал решающий шаг к возрождению скульптуры, такой, какой она была раньше в течение многих столетий и тысячелетий, и какой она перестала быть в годы кризиса в 19 веке. Роден вернул скульптуре способность быть тем, чем она может и должна быть и в этом его историческое значение.

Огюст Роден. Фотография скульптора

Франсуа Огюст Рене Роден родился 12 ноября 1840 года в Париже, в простой, малообеспеченной семье, далекой от искусства. Отец его был мелким служащим, мать – горничной. Художественные способности проявлялись у него с раннего детства: «Сколько себя помню, я рисовал — углем на оберточной бумаге, мелом на мостовой и стенах домов». Преодолев сопротивление отца, в 1854 году Огюст поступил в бесплатную школу математики и рисунка (1854–1857). В школе преподавал педагог Лекок де Буободран, стремившийся развивать у художников творческую зрительную память. Он ставил модель на несколько минут, и затем её надо было нарисовать по памяти. Этот метод приучил его видеть в натуре главное, схватывать суть образа, а не отдельные детали; также Роден часто ходил в Лувр и делал наброски с античных статуй: «Молодой скульптор много рисует в Лувре, делает наброски животных в Ботаническом саду под руководством известного анималиста А. Л. Бари, пользуется советами Ж. Б. Карпо». Все это отразилось в будущем на его стиле.

В 21 год у Родена на руках оказалась вся семья: отец, получавший мизерную пенсию, мать, младшая сестра. Он обожал, боготворил свою сестру.Смерть юной сестры в 1863 году на некоторое время выбила Огюста из колеи. Он забросил скульптуру и подался в религию, поступив послушником в сообщество Пьера Эймара (Pierre Julien Eymard), однако настоятель уговорил молодого человека вернуться к любимому делу. Последовав совету монаха, Роден с головой окунулся в ремесло. Большая часть работ того времени была выполнена анонимно, но известно, что Огюст Роден оформлял фасад театра Гоблен и фойе Гаитэ. В эти же годы он сделал бронзовый бюст настоятеля Эймара, который до сих пор хранится в роденовском музее (Musee Rodin).

Огюст Роден. Бюст настоятеля Эймара, 1863

Работа над бюстом основателя монастыря отца Эмара (1863) возвратила Родена к жизни и скульптура стала его любовью на всю жизнь.

С 1864 года Роден посещает курсы Антуана Бари – выдающегося скульптора-анималиста, противопоставившего холодным канонам академизма страстное и романтическое искусство, основанное на изучении природы, показе борьбы и предельного напряжения сил. Подобное стремление свойственно было позже и Родену. Позже эти черты были присущи и работам Родена.

Огюст Роден. «Человек со сломанным носом», 1865

Первое значительное произведение молодого скульптора — «Человек со сломанным носом» (1864), чуждое по самому замыслу официальным требованиям, не было допущено в парижский Салон. Работа была отвергнута жюри Салона, как и многие работы современников Родена — импрессионистов, молодых живописцев, ищущих новые пути в искусстве. Роден в это время был практически без средств к существованию. В 1864 году он женился на бедной девушке Розе Бере, которая по возможности помогает ему сводить концы с концами. В 1866 году у них родился сын Огюст-Эжен, и в это время мастерскую наполняют композиции с фигурками детей: «Мать и дитя», «Материнская нежность», «Венера и Амур».

Не сумев поступить в Школу изящных искусств (он пытался поступить туда четыре раза), Роден начинает работать помощником в мастерской Альбера Карье-Беллёза при Севрской мануфактуре, постигая там все нюансы работы скульптора: «Необходимость заработка заставила меня изучить все стороны моего ремесла, — писал впоследствии Роден. — Я… обтёсывал мрамор, камень, работал по орнаменту и в ювелирном деле. Для меня всё это послужило своего рода обучением… я изучил, таким образом, всестороннее мастерство скульптора». Роден выполняет значительную часть работы, хотя в качестве автора фигурирует его патрон.

Много лет спустя он расскажет: «На улице Лебрен, около мастерской, основанной в XVII веке братьями Гобелен, я снял конюшню за 120 франков в год. Она показалась мне достаточно светлой и большой: я мог отходить на несколько шагов от своей глины и сравнивать её с моделью».

Сколько его творений погибло там от холода, от сырости! В том числе и великолепная «Юность», о которой сам Роден говорил: «Я никогда не создавал ничего лучше её».

От тех времён потомкам осталось немногое: бюст отца, тщательно проработанный, подробный, напоминающий римские скульптурные портреты, но в котором ничего или почти ничего ещё не предвещает будущего Родена, и маска «Человек со сломанным носом».

После франко-прусской войны (1870-1871) Роден вместе с Каррье-Беллезом, получившим большой заказ в Бельгии, выезжает в Брюссель, где он пробудет до 1877 года. Вскоре работу возглавил местный мастер Ван Расбург, и Роден продолжает свою деятельность уже под его руководством. Также в Брюсселе Роден оформил монументально-декоративной скульптурой здание Биржи, дворца Академии, многих особняков, декорировал фонтан в Антверпене, лепил каменные статуэтки; также продолжил самообразование, в основном в области средневекового искусства и творчества Рубенса.

В 1875 году, скопив немного денег, Роден смог впервые поехать в Италию, где познакомился со скульптурами Микеланджело, Донателло, стилем готики. Работы итальянского зодчества открыли Родену, насколько выразительной может быть пластика человеческого тела. «В Италии я… увлекся великим флорентийским мастером, и эта страсть, без сомнения, отразилась на моем творчестве… Микеланджело, — писал Роден, — это дыхание жизни…». Находясь под влиянием великого мастера, Роден исполняет одно из самых знаменитых своих произведений – «Бронзовый век» («Раненый воин» или «Побежденный», 1876-1880гг.). Он вложил в скульптуру более общий смысл — идею пробуждения человечества.

Огюст Роден. «Бронзовый век», 1877
Появление статуи в Салоне сопровождалось грандиозным скандалом. Злобствующая критика обвинила скульптора в том, что он прибёг к муляжу — снял слепок с натурщика. Только вмешательство целой группы художников, обратившихся к министру изящных искусств, смогло положить конец незаслуженным обвинениям.
Натурщиком послужил крепкий бельгийский солдат с красивой и развитой мускулатурой. Искусствоведы предполагают, что на создание скульптуры его вдохновил «Умирающий раб» великого Микеланджело. И все-таки, «Бронзовый век», называемый также «Побежденный», принес признание.
Огюст Роден. «Шагающий», 1877

Роден все чаще выставляет свои работы на выставках, берется за сложные и интересные заказы, принимает участие в конкурсах. И всегда делает это с особой дерзостью и смелостью, экспериментируя с формой и наполнением.

Вслед за «Бронзовым веком», купленным в собрание Люксембургского музея, Роден создаёт статую «Иоанн Креститель» (1878) — образ мыслителя-проповедника, полного величавого спокойствия.

Огюст Роден. «Иоанн Креститель», 1878
За статую «Иоанн Креститель» Огюст Роден получил 3-ю премию парижского Салона в 1880 году. «Иоанн Креститель» создан под впечатлением от фигуры крестьянина-натурщика, которого автор ассоциировал с Иоанном, окрестившим Иисуса.

Однако финансовое положение скульптора всё ещё неустойчиво. Ради заработка ему приходится выполнять заказы Севрского фарфорового завода. Для конкурса на лучший памятник воинам, погибшим в войне 1870–1871 годов, Роден сделал динамичную и одновременно монументальную скульптурную группу «Призыв к оружию» (1879 г.). Отвергнутая жюри, она уже после смерти автора была отлита в бронзе и установлена в Вердене как монумент, призывающий народ Франции противоборствовать германской агрессии.

В 1880 году Роден получает заказ правительства на оформление главных дверей строившегося Музея декоративного искусства в Париже, который так и не открыли. Названные «Вратами ада», они стали величайшим творением Родена, над которым он работал до конца жизни (1880–1917 гг.).

Огюст Роден. «Врата ада», 1880-1917
Часть моделей этого портала стали самостоятельными скульптурами, среди них «Мыслитель» и «Поцелуй».

Роден вступил в пору расцвета своего таланта. Близка к завершению основная часть «Врат ада», созданы бессмертные «Три тени» (1880), «Кариатида», «Ева» (1883) и знаменитый «Мыслитель»(1880–1882 гг.).

В процессе работы над Вратами возникли идеи многих композиций, которые затем (в увеличенном масштабе) стали самостоятельными произведениями. Таковы «Мыслитель», «Тень», «Три тени», «Уголино», «Адам», «Ева», «Данаида», «Та, которая была прекрасной Ольмьер», «Поцелуй», «Вечная весна» и другие.

Огюст Роден. «Адам», 1881

 

Огюст Роден. «Ева», 1881

Одновременно с вратами Роден выполняет памятник гражданам Кале (1884—88). Скульптура была заказана муниципалитетом города Кале в память о подвиге далекого прошлого: во время Столетней войны, в 1347 г., шесть самых уважаемых жителей города добровольно согласились принять смерть, чтобы спасти своих сограждан от гибели, а город от разграбления. Не нарушая композиционной целостности группы, скульптор с необычайным реализмом раскрывает неповторимый характер каждого персонажа, его чувства, мысли и переживания в преддверии надвигающегося конца.

Огюст Роден. «Граждане Кале», 1884-1888

Скульптурная группа была оплачена за счет пожертвований, собранных местными жителями. Однако произведение Родена оказалось настолько необычным, что заказчик вначале отказался от него. Лишь 3 июня 1895 г. композицию отлили в бронзе и установили в Кале.

Памятник сразу стал знаменитым. О «Гражданах Кале» много писали. Посмотреть на творение великого скульптора приезжали со всех уголков Франции.

В 1883 году в мастерскую Родена пришла красивая сероглазая девушка, которая хотела учиться скульптуре — Камилла Клодель. Она стала ученицей и помощницей мастера. Для художника Камилла стала женщиной, которую он давно ждал и которой он мог открыть свою душу. Его поражала её культура, её молодость вдохновляла, её талант восхищал. Этот союз был плодотворен не только для ученицы, но и для учителя — в течение десятилетия были созданы многие самые значительные его работы. В 1885 году учитель лепит Клодель, назвав портрет «Аврора», в следующем году появилась «Мысль».

Огюст Роден. «Мыслитель», 1880-1882

Но помимо радостной темы любви, здесь порой звучат и тревожные и даже скорбные ноты, предвестники неизбежной разлуки: «Любовь убегает», «Скорбь», «Данаида», «Плачущая», «Скорбящая», «Прощание», «Меланхолия» и другие. Может быть, Роден уже предчувствовал разрыв с Камиллой, произошедший около 1897 года.

В 1880—1890-е к Родену приходит известность. К нему обращаются с заказами на памятники выдающимся людям представители различных городов и стран. Он участвует во многих конкурсах на монументы: выполняет статую Даламбера для ратуши в Париже (1880); памятники художникам Бастьен-Лепажу (1885—1889, кладбище в Дамвиллере) и Клоду Лоррену (1883—1892, Нанси); президенту Аргентины Сармиенто (1895, Буэнос-Айрес).

Роден создал большое количество портретных бюстов: писателя Виктора Гюго (1897), драматурга Бернарда Шоу (1906) и др., — в которых предстал наблюдательным человеком и тонким психологом. Последней крупной работой мастера стал памятник Оноре де Бальзаку (1893—97), заказанный ему Обществом литераторов. Но в 1898 году общество, заказавшее скульптору статую Бальзака, отказалось от его услуг. Этот отказ сопровождался большим публичным скандалом. Публика не увидела в представленном Роденом пластическом этюде портретного сходства с писателем. Только спустя сорок с лишним лет монумент был установлен в Париже на пересечении бульваров Распай и Монпарнас.

Памятник Оноре де Бальзаку, 1898

Статуя Бальзака была последней крупной работой Родена; в последние годы своей жизни он создал много замечательных портретов (среди них портреты Дж. Б. Шоу, герцогини де Шуазель (1908) и Ж. Клемансо (1911)). К началу 20 века слава скульптора распространилась по всему миру. Роден завещал свои произведения французскому народу, и сейчас они хранятся в его музее в Париже, в здании, принадлежавшем самому скульптору.

К открытию в 1900 г. Всемирной выставки в Париже Роден был не только знаменит, но и богат. Он работал вместе с учениками и многочисленными помощниками в шести мастерских и надеялся достойно представить искусство скульптуры, однако организаторы выставки отказались предоставить павильон для его работ. Восемьдесят тысяч франков стоило Родену открытие собственной выставки. Историк и друг скульптора писал: «После индивидуальной выставки 1900 г. в павильоне у моста Альма, которую Роден составил из всего, что он выполнил и намеревался выполнить, успех обрушился на него, подобно циклону». После триумфа на выставке Роден снял мастерскую на первом этаже отеля Бирон в Париже. Сюда он перевёз все свои работы, а также коллекции картин, гравюр, античной скульптуры, которые завещал государству. А в 1916 г. правительство разрешит ему превратить отель Бирон в Музей Родена. Тогда же Огюст Роден составит творческое завещание потомкам, в котором изложит свои принципы в искусстве, в частности: «Пусть единственной вашей богиней будет природа».

Огюст Роден. «Поцелуй», 1889
Огюст Роден. «Вечная весна», 1903

Между тем здоровье художника катастрофически ухудшается. Ещё в 1912 году Роден, полный сил, совершает поездку в Италию, где посещает Рим; итальянцы устраивают ему невиданный приём, в его честь иллюминуют Капитолий. В 1914 году, перед войной, Роден едет в Англию, где почитатели организуют выставку его работ. С объявлением войны он снова живёт в Англии, затем едет в Италию и возвращается в Париж летом 1915 года. Роден, как всегда, ведёт жизнь, полную труда и напряжений. Но его силы уже подорваны. 10 июля 1916 года с ним происходит первый удар. Он поправляется медленно и уже больше не работает. Последние месяцы своей жизни Роден проводит почти безвыездно в своем домике в Медоне, изредка спускаясь в Париж, чтобы посетить отель Бирон.

После долгого перерыва в отношениях скульптор в 1890 году слепил портрет Розы Бере, вероятно, то был своеобразный акт примирения. Роден, подобно Пигмалиону, преображал души женщин, любивших его, но в отличие от древней сказки им приходилось порой платить за это дорогую цену.

Он возвращается к Розе, но только 29 января 1917 года брак Родена с Розой Бере был оформлен официально, а через две недели, 16 февраля 1917 года, её не стало. Через девять месяцев от воспаления легких умер и сам скульптор…

Роден оставил миру великое наследие. Ежегодно работы мастера выставляют на торги самые известные аукционы мира и каждый раз произведения искусства находят новых владельцев.

Франсуа Огюст Рене Роден: Реформатор в скульптуре и его единственная любовь в жизни Читать дальше »

Лучшие книги по анатомии человека и животных для художников

Анатомия всегда являлась самой больной темой каждого художника. На ее изучение уходят многие годы, в такой ситуации без помощников не обойтись. Поэтому я составила для вас свой ТОП-7 лучших книг по анатомии человека для художников.

 

1. Готтфрид Баммес «Образ человека»

Готтфрид Баммес «Образ человека»

Этот учебник и практическое руководство по пластической анатомии для художников по праву считается одним из самых популярных в мире. Мастерство преподавателя и его безупречные знания пластической анатомии соединились в эту книгу. В этом учебном пособии Баммес использует схематичные рисунки, разделенные на простые геометрические формы, что позволяет понять плоскости той или иной части тела.

2. Николай Ли «Основы учебного академического рисунка»

Николай Ли «Основы учебного академического рисунка»

Как вы могли понять из названия, в данном учебном пособии целый курс по учебному академическому рисунку. Это настольная книга многих художников, в которой также обширно расписан анатомический курс. Также это пособие поможет вам подготовиться к экзаменам в творческий университет.

3. Улдис Заринс и Сандис Кондратс «Анатомия для скульпторов»

Улдис Заринс и Сандис Кондратс «Анатомия для скульпторов»

Эта книга благодаря своему визуальному сопровождению поможет вам понять анатомию человека. Ею пользуются не только скульпторы, а также художники и иллюстраторы. Каждая мышца рассматривается не просто на нарисованных художником иллюстрации, а также на реальных фотографиях человека. Мышцы разделены на разные цвета, что помогает процессу запоминания и понимания.

4. Енё Барчаи «Для художников»

Енё Барчаи – профессор, много лет преподававший в Будапештской высшей школе изобразительного искусства. Книга «Анатомия для художников» — результат его многолетней педагогической деятельности.

Общеизвестно, что без знания анатомии невозможно верно передать особенности фигуры человека, характер его движений. Профессор Барчаи пользуется для показа человеческого тела методом художественного изображения. Его анатомические рисунки не только точное воспроизведение человеческий костей и мускульной системы, но и работы художественной ценности. Книга «Анатомия для художника» — хороший справочник для начинающего художника при изучении строения человеческого тела.

5. Рабинович М.Ц. «Пластическая анатомия человека, четвероногих животных и птиц»

Рабинович М.Ц. «Пластическая анатомия человека, четвероногих животных и птиц»

Рабинович занимает особое место. именно по его пособиям изучают пластическую анатомию в университете. Особенность этой книги в том, что автор имеет не только художественное образование, но и высшее медицинское, поэтому информация в ней имеет большую практическую ценность для художников и студентов. Эту книгу стоит не только смотреть, но и очень внимательно читать, так как именно в тексте описаны все нюансы той или иной мышцы и кости, что невозможно изобразить в картинке. Есть несколько его пособий, но это является самым доступным для поиска в интернете.

6. Наум Механик «Основы пластической анатомии»

Наум Механик «Основы пластической анатомии»

Издание представляет собой руководство по пластической анатомии для высших художественных учебных заведений.
Преподаватели рисунка, живописи и скульптуры должны найти в таком руководстве достаточно полный по объему и научный по содержанию материал, пользуясь которым, они сумеют помочь учащимся глубоко изучить пластическую форму человека.

7. Готтфрид Баммес «Анатомия животных»

Готтфрид Баммес «Анатомия животных»

На многие вопросы по анатомии человека и животных вы найдете ответы в нашей подборке книг и пособий. Эти книги рекомендуются студентам и преподавателям педагогических вузов и колледжей, руководителям изостудий и художественных кружков, самодеятельным художникам.

Лучшие книги по анатомии человека и животных для художников Читать дальше »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх