СССР

Аркадий Пластов: Картины о своём времени, которое никогда не повторится

Аркадий Александрович Пластов — художник, народный художник СССР, один из наиболее ярких мастеров отечественной живописи XX века. Народный художник СССР (1962), лауреат Государственной премии СССР (1946), Ленинской премии (1966) и Государственной премии им. И.Е. Репина (1972). Автор исторических и тематических картин, портретист, пейзажист, иллюстратор. Один из наиболее ярких и самобытных мастеров, посвятивших творчество современной деревне; жанровые картины и пейзажи проникнуты поэтическим восприятием природы, жизни крестьян.

Памятник художнику А. А. Пластову в г. Ульяновске

Произведения Аркадия Пластова хранятся во многих музеях страны, в Ульяновском областном художественном музее — около 100 произведений живописи и графики, поступивших в 1940-1970-е из Министерства культуры России, а также от автора; часть из них включена в экспозицию филиала — Музея современного изобразительного искусства имени Аркадия Пластова. В Ульяновске в честь Аркадия Александровича названа улица, а на ней установлен памятник художнику. Также на родине художника в селе Прислониха в 1988 году открыт музей «Народный художник А. А. Пластов», посвящённый жизни и творчеству Аркадия Александровича.

Всю свою жизнь народный художник СССР, лауреат Ленинской и Государственных премий Аркадий Александрович Пластов был связан с приволжской землёй, с Прислонихой, с Симбирском – Ульяновском. Пластов вплотную занимался крестьянским трудом, полагая, что это самый лучший случай, какой судьба предоставила ему наглядеться на крестьянскую жизнь досыта, чтобы потом в целом цикле картин развернуть эпопею крестьянского житья-бытья.

Художник в своих работах выявляет самое характерное, пользуясь совсем простыми средствами. Мир Прислонихи, запечатлённый в тысячах работ, стал для него бесконечно влекущим, вечно новым образом, в котором раскрылась вся Россия.

«Немцы идут. Июль.1941» — картина о войне. Сам А. А. Пластов не был мобилизован, но в 1943 году на несколько месяцев, был командирован с группой художников на Сталинградский фронт, где стал свидетелем одной из решающих битв в Великой Отечественной войне, положившей начало коренному перелому в пользу нашей страны.

«Немцы идут. Июль.1941» А. А. Пластов

Символично, многозначно название картины «Родник» (1952). Вся открыта солнцу, дыханию свежего ветра, прохладе водяных брызг, девушка, набирающая воду из источника. Художник назвал картину «Родник», подчёркивая этим, что он изобразил в ней источник жизни, красоты, радости. Она вошла в серию картин «Люди колхозной деревни», за которую Пластов в 1966 году получил Ленинскую премию. Вся серия посвящена одному сильно владевшему сердцем художника чувству – «первобытной, неомрачённой радости от окружающего» .

«Родник» А. А. Пластов

Духовное образование, с детства воспринятая православная культура сформировала А. Пластова как личность, помогла осуществить своё предназначение. И поэтому особое место в творчестве Пластова занимают картины «Пасхальный натюрморт», «Венчание».

В работе Аркадия Александровича «Смерть дерева» (1962) палитра сложна и многолика. Она служит ему для передачи настроения, тончайших нюансов состояния человеческой души. Для художника важны все детали. И огромную роль здесь, как и во многих других работах, играет пейзаж. До последних дней жизни энергия, творческий темперамент и вдохновение не покидали Мастера.

«Смерть дерева» А. А. Пластов

В произведениях времен Великой Отечественной войны художник достиг огромного драматизма, живописного воплощения больших мыслей и чувств. Аркадий Пластов создает целую серию картин: «Гитлеровцы пришли», «Защита родного очага», «Пленных ведут», «Один против танка» и одно из самых сильных полотен советской живописи этого периода – «Фашист пролетел». Война предстает здесь в своем страшном обличье. «Есть такие картины, пока пишешь – наплачешься», говорил художник об этом полотне.

«Фашист пролетел» А. А. Пластов

В 1945 году Аркадий Пластов был награждён медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.», и ему было присвоено звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. В первые послевоенные годы художник создает полотна с ярко выраженным национальным характером, народностью образов, выразительностью колористических решений и ощущением радостной полноты жизни.

В 1946 году Пластов написал одно из самых лиричных своих полотен – «Первый снег». Художнику удалось передать ощущение особой радости от увиденного на лицах детей.

«Первый снег» А. А. Пластов

Картина «Едут на выборы» была написана годом позже. Радость и веселая праздничность разлиты во всем – в улыбках парней и девушек, в их нарядных платках, полушалках и в украшенных красными лентами дугах, в трепещущем на ветру алом флаге, в веселом беге сытых коней по скрипящему под полозьями снегу и в ярко-синих тенях на снегу, в изукрашенных инеем деревьях и в утреннем зимнем небе с сияющим диском солнца, с трудом пробивающегося сквозь морозную дымку. И снова, как и во всех произведениях выдающегося ульяновского художника, состояние природы не только созвучно настроению людей, но и составляет с ним одно неотделимое целое.

«Едут на выборы» А. А. Пластов

С большой теплотой и любовью Аркадий Пластов изображает простых сельских жителей. Цикл картин «Люди колхозной деревни» («Сенокос», «Жатва», «Ужин трактористов» и др.) написанный в период с 1945-1965 гг. проникновенно прославляет нелегкий труд крестьянина.

Сенокос

Сенокос 1945 года – это гимн Победе и художественное открытие мастера, соединившего свободно и широко писаный пейзаж с импрессионистическим натюрмортом первого плана с цветами, шмелями, бабочками, бронзовками. Цветы «Сенокоса» писаны с натуры, но сам «натюрморт» (как в голландской традиции) во многом сочинен. Эти цветы не встречаются на одной поляне, они растут в разное время.  Цветы растущие, живые, невероятное множество разных цветов. Красочное разнотравье «Сенокоса» во многом сочинено, придумано. Как в голландских натюрмортах художник дает узнаваемый «портрет» каждого цветка, словно называя его по имени: колокольчики и ромашки, купина и царские кудри, лесная примула и клевер, татарник и купава. Он пишет не просто цветущий луг, а создает аллегорию лета, словно дарит все цветы Родины победителям.

Жатва

В конце августа 1945 года Пластов начинает работу над «Жатвой» и пишет ее одновременно с «Сенокосом». Он часто работал над несколькими картинами, контрастными по настроению и цветовому решению, как бы проверяя одну другой, не давая себе успокоиться достигнутым. Замысел «Жатвы» тоже возник еще в 30-х годах, но долго откладывался. Он часто работал над несколькими картинами, контрастными по настроению и цветовому решению, как бы проверяя одну другой, не давая себе успокоиться достигнутым. Замысел «Жатвы» тоже возник еще в 30-е годы, но долго откладывался. «Материалов к подобным темам у меня было припасено немало и давно, и каждый год я пополнял их… Случай помог мне до некоторой степени сойти с этой мертвой точки. Как-то в тусклый, холодноватый августовский день, я, бродя по ржаному полю, набрел на ту приблизительно сценку, какая у меня изображена на картине. В тот же день вечером я сделал эскиз в ладонь, на другой день по нему начал рисунки, подкрашенные акварелью, и дней через пять начал картину… Мотив очень соответствовал моему взгляду на некоторые вещи. Передо мной возникла та упрямая, несгибаемая Русь, которая в любом положении находит выход и обязательно решает поставленную историей любую задачу. Очень приятной вдобавок была и самая скромность сюжета. Минимум всего: красок, жестов, действия… к тому же все это было мне бесконечно известно…», — вспоминал художник.

Путь в Москву из Прислонихи с картинами «Сенокос» и «Жатва» был поистине драматичен — на подножке переполненного поезда, на открытом ноябрьском ветру «на одной ноге, зацепившись одной рукой, не зная, что держать — себя или сверток с картинами, который так и не успел привязать…»

Картины, представляющие собой диптих, были представлены на Всесоюзной художественной выставке 1946 года и имели поразительный успех. За картины «Сенокос» и «Жатва» в 1946 году А.А. Пластову была присуждена Сталинская премия первой степени.

Картина художника «Весна» (1954) – это гимн красоте человека. Присущее Пластову чувство цветовой гармонии приобретает в этом полотне особую отточенность и изящество. Художник любуется красотой, молодостью, здоровьем и какой-то особой, чисто русской удалью молодой женщины. Восхищенные посетители Третьяковской галереи назвали картину «Северной Венерой». А как выразительна девочка с растопыренными ручонками, ее личико с прикушенной от напряжения нижней губой и чуть вздернутым кверху подбородком. Изображение обнаженной женщины с девочкой под открытым небом и медленно падающими хлопьями снега в притворе старой деревенской бани было воспринято как образ обновления жизни, ее красоты и правды, что по сути дела, создает аллегорию весны.

«Весна» А. А. Пластов

Весьма значителен вклад Пластова в иллюстрацию литературной классики. Яркость и эмоциональность замысла отличают иллюстрации к произведениям: «Мороз, Красный нос» Н.А. Некрасова, 1948; «Капитанская дочка» А.С. Пушкина, 1948–1949; «Холстометр» Л.Н. Толстого, 1952-1954, «Счастье» А.П. Чехова, 1952, и др. Красочные образы деревенской жизни и родной природы Пластов запечатлел также в акварелях к детским книгам.

Следуя традициям школы русской реалистической живописи, А. Пластов выработал индивидуальный почерк и до конца дней старался быть запредельно искренним в своём творчестве, ни одного дня не экспериментируя с модернисткими тенденциями. Яркие цвета его работ будто утверждают: жизнь прекрасна и каждый её миг важен.

Аркадий Пластов является своего рода «художественным символом» Ульяновкой области. Ежегодно в рамках Международного культурного форума Правительство Ульяновской области и Министерство искусства и культурной политики Ульяновской области организует и проводит Международную ассамблею художников «Пластовская осень».

«Пластовская осень» — масштабный и значимый для региона культурный проект, включающий в себя проведения таких мероприятий, как, например, международный детский пленэр «Земля Аркадия Пластова», творческая школа-пленэр «Киселевские зори», международный пленэр «Мир на кончике кисти», открытие выставки молодых ульяновских художников, массовый пленэр «На семи ветрах», мастер-классы, презентация альбома-каталога, семинары, заседания экспертных советов, посещение музея-усадьбы в с. Прислониха, торжественная церемония вручения международной премии в области изобразительного искусства имени А. А. Пластова.

Пластов — убежденный реалист, для которого художественная истина и правда жизни — одно неразделимое целое, рождающее непобедимую силу и выразительность подлинного искусства. Он поднимал сложные проблемы, не утратившие духовно-этической значимости для труженика советской деревни, открывал в ушедшей эпохе вечно прекрасные свойства народной души. Эстетические и этические ценности народа — это были и его ценности. Поражает грандиозный размах его работ, философский масштаб и сложность поставленных задач, неукротимый дух правдоискательства, которым он был одержим. Аркадий Александрович Пластов оставил после себя богатое художественное наследие. Число его произведений к концу жизни приблизилось к 10 000, из которых несколько сотен составляют портреты — в основном это портреты односельчан.

Творчество А. А. Пластова уникально, это не только целая эпоха в истории искусства, но это ещё и воссозданная в живописи историческая эпоха. Пластов запечатлел своё время, которое никогда не повторится .

Аркадий Пластов: Картины о своём времени, которое никогда не повторится Read More »

Александр Дейнека: Художник-новатор социалистического реализма

Счастливые люди, занимающиеся спортом, радостно трудящиеся на шахтах, фабриках заводах — все это герои картин Александра  Дейнека, известного советского художник XX века. Монументализм и плакатность его творчества, типизированность и отсутствие индивидуальных черт героев, персонажей картин, характеризуют творчество Дайнеки и  стиль социалистического реализма.

Александр Дайнека «Будущие летчики», 1938 г.

Железная дорога, семья простых рабочих и долгие одинокие зимние вечера способствовали Александру Дейнека с детства заниматься техникой и живописью в городе Курске. По стопам отца и продолжая его дело, юных Дейнека поступил в железнодорожное училище, но тяга к искусству переборола и как локомотив он помчался в Харьков и решил получить художественное образование. Революция, развал Российской империи и строительство новой страны — Советского Союза — на время прекратили его занятия. Страна требовала других героев — сотрудников уголовного розыска.  Александр трудился фотографом в угрозыске, руководил секцией изобразительного искусства Губнадобраза, выпускал плакаты и постеры, оформлял агитпоезда, участвовал в театральных постановках. Затем последовала двухлетняя служба в армии, где будущий живописец возглавлял художественную студию. После службы Дейнека был направлен в Москву, здесь он продолжил учебу на отделении полиграфии ВХУТЕМАСа. С самого начала художника увлекало изображение человеческих фигур, создание сюжетных работ. Также живописец иллюстрировал басни Крылова. Своеобразная авторская манера уже ярко прослеживается в картине «Футбол», где Александр Дейнека представил полуобнаженных атлетов как мощное единство.

А. Дайнека «Футбол»

В молодом советском искусстве художник открыл эстетику техники, архитектуры производства. В его работах появляются физически крепкие и сильные духом рабочие на фоне инженерных конструкций.

В 1928 г. Александр Дейнека всего за неделю написал знаменитую «Оборону Петрограда». Картина сделала живописца настоящей звездой.

В 1930-х гг. Дейнека сосредоточился на теме спорта. Сам он с юных лет занимался гимнастикой, волейболом, боксом, плаванием, бегом. Это помогало художнику мастерски передавать в своих работах динамику и пластику атлетов. Он много времени проводил на стадионах, где делал эскизы сложных ракурсов.

А. Дайнека «Бег»

Изображая физическое совершенство спортсменов, живописец подчеркивал их силу духа. В 1932 г. Дейнека создает известное произведение «Бег», а спустя год — плакат «Физкультурница».

В военный период культ здоровья и спорта в творчестве живописца временно отошел на второй план. Александр Дейнека создал серию московских пейзажей того времени, произведения с батальными сценами.

А. Дайнека «Эстафета по кольцу «Б»»

После войны художник вернулся к излюбленным сюжетам, был очень востребован. В 1947 году он написал картину «Эстафета по кольцу «Б»», где с репортажной точностью воссоздал атмосферу спортивного праздника: солнечный день, сосредоточенные бегуны, восторженные зрители.

Теме спорта Дейнека также посвящал скульптуры, создавал эскизы для мозаик, украсивших станции столичного метрополитена. Долгие годы живописец занимался преподавательской деятельностью: сразу после войны он получил звание академика Академии художеств СССР. Скончался знаменитый советский художник 12 июня 1969 г. в Москве.

Александр Дейнека: Художник-новатор социалистического реализма Read More »

Вера Мухина: Легенда скульптуры СССР

«Он сам выбрал все, и статую, и мою позу, и точку зрения. Сам определил точно размер полотна. Все — сам», — говорила Мухина. Признавалась: «Терпеть не могу, когда видят, как я работаю. Я никогда не давала себя фотографировать в мастерской. Но Михаил Васильевич непременно хотел писать меня за работой. Я не могла не уступить его настоятельному желанию».

Мухина самая известная скульпторша СССР. Ее «Рабочий и колхозница» является эмблемой киностудии «Мосфильма», и в мировой культуре это символ Советской России. Ее именем была названа Художественно Промышленная Академия, ее работы — основа советской пропаганды, и есть слух, что это она придумала форму знаменитых граненых стаканов в СССР.

Но жизнь Веры Мухиной полна тайн, которые тщательно скрывали в Советское время.

Вера Мухина далеко не рабоче-крестьянского происхождения. Она родилась в 1889 году в Риге (Латвия) в семье состоятельного купца-мецената Игнатия Мухина и дочери аптекаря, немецкого происхождения.

Ее мать умерла от туберкулеза, когда девочке было всего два года, и отец увез ее вместе со старшей сестрой в теплую Феодосию, где девочка получила первые уроки живописи и рисунка. Девочка так же проявляла талант и в музыке, но отцу больше нравилось, когда она рисовала, возможно потому, что он сам занимался этим видом искусства.

Отец умер в 1904 году, девочек взяли к себе достаточно богатые родственники из Курска. Родственники любили сестер Мухиных Веру и Марию, их хорошо обучали и отправляли отдыхать на курорты и России, и в Европе, в надежде удачно выдать замуж.

Но светской дамой Вере не суждено было стать, из-за несчастного случая в 1912 году. Когда Вера каталась на санках, она слишком разогналась на горке, и санки въехали в дерево. Больше всего пострадало лицо девочки. Сучок дерева отрезал ей нос. Нос пришили в Смоленской больнице, но это сильно изменило внешность. Несмотря на то, что потом Веру родственники отправили на пластические операции во Францию, лицо ее приобрело знаменитую «волевую грубоватость».
Следующие два года Вера прожила в Париже, где кроме лечения еще ходила на занятия к скульптору-монументалисту Э.А. Бурделю.

В 1914 году Вера Мухина возвращается в Москву, надеясь в скором времени отправиться в Италию, чтобы изучать скульптуру итальянских классиков. Но Первая Мировая война перечеркнула ее планы. Вера идет на курсы медсестер, чтобы работать в госпитале.
В госпитале Вера знакомится с будущим супругом Алексеем Замковым, который позже становиться профессором медицины. В 1916 году у них родился сын Всеволод.
Вера Мухина занималась не только скульптурой, но также и керамикой, стеклом (отсюда легенда про граненые стаканы), создавала театральные декорации и коллекции женской одежды.

 

В 1925-м году совместно с модельером Н.Л. Ламановой Вера Мухина получила приз за коллекцию женской одежды из дешевых материалов — ткацкого сукна, бязи, холста и бумазеи, шляпы — из рогожи, пояса были оформлены крашенным горохом, а пуговицы выточены из дерева. Платья украшал оригинальный орнамент, включая придуманный ею «петушиный узор».

Алексей Замков муж Веры Игнатьевны был талантливым врачом, изобрел один из первых гормональных препаратов, сам дома прооперировал сына, от лечения которого отказались другие врачи, и мальчик поправился. Но все это вызывало дикую зависть и неодобрение в советское время, его считали выскочкой, возможно из-за того, что он изучал народные методы лечения. Коллеги писали на него доносы, Алексея поставили «на учет», вызывали на допросы, грозили арестом. Вера Мухина планировала с ним бежать в Иран, но их планы быстро вычислили, предъявили Алексею Замкову обвинение в шарлатанстве и отправили жить в Воронеж, и конфисковали, при этом, все имущество.
В Москву Вера вернулась только после того, как за нее заступился Алексей Горький, с которым она была лично знакома. В 1934-м году у Алексея Горького погибает единственны сын писателя Максим Пешков, при невыясненных обстоятельствах. Вера Мухина делает для него надгробный памятник, причем сразу в двух экземплярах, один для Москвы, другой для родины Горького, Нижнего Новгорода.
К сожалению, на этом репрессии для семьи Мухиной не закончились. Богатые родственники оставили ей наследство, на которое Вера купила мужу дорогой электронный микроскоп. Вскоре Замков обвиняется в антисоветской пропаганде и в его лабораторию нагрянули с обыском. «Правоохранители» разрушили там все, и выбросили дорогой микроскоп в окно. Алексею запретили работать. Вскоре, у него появились проблемы с сердцем, и Алексей Замков умер.

Свою самую известную работу «Рабочий и колхозница» создавала не для ВДНХ, а для Парижской Всемирной Выставки, в 1937 году. Скульптура была не в том виде, к которому мы привыкли — она изображала полностью обнаженных мужчину и женщину в сильном движении, из тонких листов стали. Советская цензура решила, что такое изображение позорно. Вере Мухиной приказали на рабочего «натянуть штаны», а у колхозницы «прикрыть все». За несколько дней до выставки Вера успела прикрепить к фигурам элементы одежды, и Мухина уже не считала скульптуру завершенной. Но даже такую отцензурированную скульптуру французы полюбили и просили Мухину подарить ее им.

Вера Мухина вместе со скульптурой вернулась на родину. В Москве она полностью переделала скульптуру, сделав ее из более плотных листов стали. После чего Рабочего и Колхозницу установили на ВДНХ.

Скончалась Вера Мухина в 1953 году от стенокардии, и похоронена на 2-м участке Новодевичьего кладбища, рядом с мужем, которому памятник делала сама, и на надгробной плите которого написала «Для людей я сделал все, что мог».

Известные скульптуры Веры Мухиной «Земля, «Две крестьянки», «Партизанка»(1942), «Сидящая фигурка»(1947), «Крестьянка», «Балерина Семенова»

Вера Мухина: Легенда скульптуры СССР Read More »

Владимир Татлин: Художник-бунтарь и абстрактный контррельеф

Владимир Татлин был мастером художественного эксперимента. Он восхищался творчеством Пабло Пикассо, создавал авангардные работы в разных стилях и искал необычные ходы для оформления спектаклей. В 1920 году художник сконструировал памятник Третьему интернационалу — знаменитую башню Татлина. И хоть проект не был реализован, башня стала визитной карточкой архитектуры эпохи конструктивизма.

Владимир Татлин родился в Москве. В 13 лет подросток сбежал из дома. Он нанялся юнгой на пароход, плывущий в Стамбул.

В Москву Владимир Татлин вернулся в 17 лет. Здесь он поступил в училище живописи, ваяния и зодчества. Однако авторитет педагогов — известных русских живописцев Константина Коровина и Валентина Серова — ничего не значил для него. В 1903 году за плохую успеваемость и плохое поведение Татлина отчислили. Он поступил в Одесское морское училище. Свой мореплавательный опыт художник позже воплотил в акварельных компо­зициях «Флотские формы», «Рыбное дело», а на автопортрете художник предстал матросом шхуны «Стерегущий».

 

Вернувшись из очередного морского плавания в 1905 году, Татлин отправился в Пензу: он вновь поступил в художественное училище. Летние каникулы он проводил в Москве, где познакомился с молодым художником-авангардистом Михаилом Ларионовым. Его творческие работы повлияли на стиль начинающего художника: Татлин написал картины «Натурщица», «Лежащая натурщица», «Огород». На своих полотнах он особенно выделял пространственную композицию и цвет.

Благодаря Ларионову Татлин стал посещать собрания художников творческих объединений «Ослиный хвост», «Бубновый валет», «Мир искусства», а также встречи поэтов-футуристов: братьев Бурлюков, Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского. Они провозглашали отказ от старых ценностей, эпатируя публику стихами и скандальными театральными постановками. Эти бунтари были близки Татлину по духу: художник остро реагировал на все, что происходило в стране. Но политическая активность не мешала творческим поискам, и вскоре он стал одним из лидеров русских авангардистов.

В начале 1914 года Владимир Татлин отправился в Берлин. Там он играл в ансамбле бандуристов на выставке русского народного искусства. После этого художник отправился в Париж: он мечтал познакомиться здесь с Пикассо и изучить его работы. О том, как Татлин попал в дом знаменитого мастера, доподлинно неизвестно. Существует предположение, что встречу помог организовать Марк Шагал. По другой версии, Татлин незаконно проник в дом Пикассо одним из поздних вечеров. Молодой художник застал Пикассо за работой и был настолько потрясен его техникой, что до конца дней считал его своим учителем.

После заграничной поездки Татлин понял, что в изобразительном искусстве уже произошла революция. Теперь в его основе — материал, объем и конструкция. Эти три понятия объединялись в одно художественное направление — конструктивизм. Татлин начал работать над собственным произведением в новом стиле — контррельефом. Он представлял собой абстрактную объемно-пространственную композицию из меди, железа и дерева.

Впервые Татлин представил «Угловой контррельеф» на выставке 1914 года. Проект вызвал ярость консерваторов, но стал настоящей сенсацией среди коллег. Вскоре вслед за Татлиным начали экспериментировать и другие передовые художники того времени.

 

Революцию 1917 года Владимир Татлин принял с восторгом. Он стал председателем художественной коллегии Наркомпроса, а затем — Отдела материальной культуры. В 1919 году Отдел изобразительных искусств Народного комиссариата по просвещению поручил Татлину создать проект памятника Третьему интернационалу. И художник немедленно приступил к заданию.

Внешне памятник напоминал башню. Несущую конструкцию архитектор вынес наружу, а функциональные помещения из стекла подвесил внутри нее один над другим: куб, пирамиду, цилиндр и полусферу. Куб предназначался для проведения конференций съездов; цилиндр — для всемирного исполнительного комитета; пирамида — для будущих СМИ; в верхней полусфере — синематограф. По задумке архитектора помещения должны были вращаться вокруг своей оси с разной скоростью, а гигантский проектор на вершине здания — передавать проекцию коммунистических лозунгов прямо на облака. Башня стала одним из важных символов нового искусства и визитной карточкой конструктивизма.

Однако в послереволюционном Петрограде идеи Татлина казались утопией. Проект башни воплотился лишь в макете из дерева и металла. В конце 1920 года художник представил его на VIII съезде Советов. Руководители страны башню не оценили: Троцкому она напомнила каркас недостроенного здания, а Ленин назвал ее уродливой.

В 1925 году макет Татлина отправили на Всемирную выставку искусства в Париже. Башня произвела там настоящий фурор. В том же году конструкцию представили на первомайской демонстрации в Ленинграде. Осознание, что его башня так и останется макетом, разрушило все надежды архитектора. Он стал вспыльчивым и неуравновешенным: однажды сломал дверь в музей и с кулаками накинулся на Казимира Малевича. Свои идеи Татлин берег с маниакальной бдительностью: он забил окна мастерской фанерой и никого не впускал.

В 1932 году состоялась первая персональная выставка Татлина, она же стала и последней. Под руководством Иосифа Сталина советское искусство пошло по пути соцреализма, и Татлин остался не у дел. «Это художник, умерший за 20 лет до своей смерти», — позже писали о нем.

В конце 1940-х — начале 1950-х годов Владимир Татлин возглавлял бригаду художников, делавших наглядные пособия для Московского государственного университета. Также в это время он писал натюрморты и пейзажи, иллюстрировал книги и оформлял спектакли для московских театров.

Владимир Татлин умер у себя в мастерской 31 мая 1953 года. Художника кремировали и похоронили в колумбарии Новодевичьего кладбища.

Владимир Татлин: Художник-бунтарь и абстрактный контррельеф Read More »

Корзина для покупок
Прокрутить вверх