Метка: <span>живопись</span>

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст?

Качество будущей картины зависит не только от мастерства художника, выбранных кистей и красок, но и от основы для рисования. Именно этот фактор определяет, насколько комфортно вам будет работать и как долго проживет ваше творение. Холст для живописи – не просто какая-то ткань, это специальный художественный материал, чьи характеристики: основа, ткань, зернистость, плотность, качество грунта, должны соответствовать ряду жестких требований. Далеко не каждое полотно может выдержать вес красок и испытание временем.

Общие правила для выбора идеальной основы вашей картины:

◯ Холст должен быть качественно натянут на подрамник. Не морщиться по углам и не провисать. Если холст натянут правильно, то на ровной горизонтальной поверхности будет лежать плотно всеми четырьмя углами. Если же он качается, то это значит, что он перекошен, от покупки лучше отказаться.

Если холст на подрамнике, то измерьте ширину рейки. У холстов с наибольшей стороной до 50 см, ширина каждой рейки должна составлять не менее 4 см. Для большего размера –минимальная ширина планки не менее 5,5 см. Для объемных – обязательно наличие поперечных планок.

Желательно, чтобы подрамник был модульным, в комплект должны входить специальные колышки для регулировки натяжения холста.

◯ Поверхность ткани должна выглядеть равномерной и без узлов. Обязательно проверьте, нет ли на холсте ткацких дефектов (узелков, прорех, торчащих ниток, неровностей и пр.), которые будут мешать проклейке, грунтовке и нанесению краски, а в будущем разрушать красочный слой.

◯ Продольные и поперечные нити должны быть параллельны сторонам подрамника;

◯ Выбирайте синтетический или натуральный холст мелкой зернистости (можно средней зернистости, в зависимости от работы);

◯ Холст должен быть с плотностью не меньше 220 г/м.кв. (если холст и грунт тонкие, при надавливании будут оставаться вмятины, что может отразиться на качестве картины);

◯ Используйте холсты с акриловым трехслойным грунтом, который является универсальным для масляной и акриловой живописи;

◯ Холст должен быть хорошо прогрунтован, в том числе и все боковые стороны. Если там есть зазоры, то краска быстро отвалится.

◯ Для пейзажей лучше взять холст, у которого грунт имеет натуральный оттенок – бежевый, коричневый.

◯ Новичкам желательно избегать крупнозернистых холстов, поскольку просветы нужно заклеивать или дополнительно грунтовать.

От качества материалов зависит продажа. Какие картины продаются лучше всего?

Подрамник и виды основы для холста

Основа – одна из важнейших характеристик холста. Его либо натягивают на подрамник, либо наклеивают на оргалит (древесноволокнистую плиту, ДВП, МДФ) или толстый картон.

Подрамник представляет собой конструкцию из деревянных, алюминиевых или пластиковых реек, на которую натягивается полотно. Холст на подрамнике «дышит», а красочный слой сохнет быстрее и равномернее. Рейки обязательно имеют бортики, которые предотвращают его соприкосновение с основой. Если это произойдет, то он может приклеиться к рейкам, и тогда натяжение изменится.

— Деревянные рейки изготавливают из твердых пород дерева – сосны, березы, дуба, бука, хорошо переносящих перепады влажности и температуры.

— Алюминиевые отличаются небольшим весом и долговечностью, но их острые углы и края могут прорезать полотно.

— Для окончательного закрепления можно обжигать в обычной духовке. Это абсолютно безопасно, так как при этом испаряется только вода.

— Пластиковые подрамники, хотя и дешевы, но ненадежны и неудобны в работе, с их помощью нельзя как следует натянуть полотно.

Они отличаются и по конструкции.

У глухого подрамника рейки соединены между собой клеем или железными скобами. Отрегулировать натяжение полотна в случае его провисания нельзя.

У модульного подрамника рейки соединяются по принципу «шип-паз», в комплекте идут небольшие клинья (поэтому они также называют клиновыми). Если холст провиснет, то натянуть его можно, забив клинья в специальные пазы.

Плотная основа делает работу с холстом более удобной на пленэре, так как позволяет обойтись без мольберта. Кроме того, наклеенное полотно менее подвержено деформации и повреждениям, нет опасности, что оно провиснет и таким образом, ухудшит качество красочного слоя.

— Холст на основе из толстого картона – отличный вариант для начинающих живописцев и учащихся. Он подходит для эскизов и этюдов небольшого формата, выполненных акрилом или маслом. Позволяет оформлять работу в стандартные рамы.

— Основа из оргалита или древесно-волокнистой плиты отлично справляется с многослойным красочным покрытием и обилием декоративных элементов. Минусы: она намного тяжелее, чем картон или даже холст на подрамнике, кроме того, может прогибаться к центру тяжести.

— Холст в рулоне – это оптимальный вариант для поклонников крупномасштабных работ. От рулона отрезается кусок полотна нужного размера, и художник фиксирует его на подрамник или плотную основу самостоятельно. С одной стороны, это весьма экономичное решение, с другой – натяжка полотна на любую основу требует определенных навыков.

Какую ткань выбрать для холста?

Художники используют для своих работ самые разные ткани из натуральных, искусственных, смесовых волокон, однако они не одинаково пригодны для живописи. Рассмотрим плюсы и минусы наиболее популярных вариантов.

Хлопковый холст

Хлопковая основа – гарантия приятной работы. Это очень послушный и довольно долговечный материал. Дело в том, что на нем начали писать относительно недавно, и испытание временем он еще не прошел.

Плюсы:

— Гладкая и мягкая поверхность с мелкой фактурой.

— Имеет бело-кремовый оттенок.

— При хорошей натяжке удобен в работе.

— Стоит не так дорого, как лен.

Минусы:

— Легко впитывает влагу, может стать домиком для плесени.

— Со временем и из-за перепада температур может провисать.

— Если долго находится на подрамнике, то может деформироваться.

— По прочности уступает льняному холсту.

Хлопковые холсты предназначены в основном для ученических и любительских работ.

Льняной холст

Льняные холсты считаются классикой и предназначены для профессиональных работ. Их используют в живописи столетиями. После такого испытания временем они зарекомендовали себя с наилучшей стороны. Холсты делают из волокон стебля льна, и потому они имеют характерный серый или желтоватый оттенок. Лен – очень прочный материал, устойчивый к деформации и механическим повреждениям, отлично сохраняет фактуру и форму, поэтому качество рисунка никак не страдает.

Плюсы:

— холст не впитывает влагу и не плесневеет;

— не провисает;

— хорошо сохраняет первоначальную зернистость.

Минусы:

— стоит дороже, чем другие виды холста;

— весит больше, чем хлопок или синтетика, что неудобно, если картины много путешествуют по выставкам.

Льняные холсты нужно уметь выбирать, и здесь новички могут попасть впросак. Дело в том, что полотно ткут как из длинного волокна, так из отходов обработки пряжи – короткого волокна и очеса.

— Нити пряжи длинного волокна имеют одинаковую толщину по всей длине и образуют плотное равномерное переплетение.

— Нити из коротких волокон и очеса очень неровные, на них встречаются узелки, растительные частицы.

Суровое и театральное полотно изготавливают как раз из коротких волокон и очеса, они имеют очень низкое качество, поэтому их лучше для живописи не использовать. Это технические ткани.

Синтетический холст

Холсты из искусственного волокна (100% полиэстер) появились не так давно, и о том, насколько они надежны и смогут ли обеспечить картине долгую жизнь, пока говорить рано.

Плюсы:

— Материал не впитывает влагу, не подвержен гниению и образованию плесени.

— Небольшой вес.

— Холст не деформируется под воздействием температуры.

Минусом синтетических холстов считается их малое использование, то есть они еще не проверены временем, а потому профессиональные художники выбирают их редко.

Смесовые ткани

Это холсты, которые сотканы из нитей разных видов. Наиболее популярна комбинация хлопка и льна. Полотно объединяет плюсы обоих материалов:

— гладкая плотная поверхность;

— высокая прочность;

— относительно невысокая стоимость.

Существенным минусом является высокая способность материала впитывать влагу. Холст, состоящий из хлопковых и полиэстеровых (лавсановых) нитей, отличается идеальной ровной и гладкой поверхностью, практически без фактурной зернистости

Плюсы:

— высокая устойчивость к изменению влажностно-температурного режима;

— более прочный холст, по сравнению с хлопком;

— подходит для масляной живописи.

Минусы: в различных условиях и хлопок, и синтетика будут вести себя по-разному, кроме того, смесовые ткани используются сравнительно недавно, и как долго картина сохранит свое первоначальное состояние, не скажет никто.

Опытные художники советуют выбирать холсты известных производителей и тщательно изучать состав полотна.

Зернистость холста

Это еще одна важная характеристика живописной основы, на которую нужно обратить внимание при покупке. Зернистость также называют фактурой. Говоря простыми словами, это толщина нити, из которой соткан материал. У негрунтованного качественного холста фактура одинакова с лицевой и изнаночной стороны.

— Мелкозернистое полотно (плотность 200-300 г/м2) имеет почти гладкую поверхность. Оно подходит для создания портретов, миниатюр и работ в других жанрах, где требуются тончайшие цветовые переходы и детальная прорисовка. Также оно удобно для лессировки, когда краска наносится полупрозрачными слоями.

— Среднезернистый холст (плотность 300-400г/м2) – универсальный вариант, поскольку подходит для большинства работ разных форматов. Отличный выбор для начинающих живописцев.

— Крупнозернистые холсты (плотность 500-600 г/м2) – основа для больших работ, написанных густыми красками, поскольку они хорошо держат толстый красочный слой. На них удобно работать мастихином. Учтите, что их фактура будет видна через краску.

Существуют и специфические виды холстов, например:

— репинский – из длинноволокнистой рогожки с переплетением 4 на 4 нити, имеет очень рельефную крупную фактуру;

— этюдный – с эмульсионным грунтом, подходит для всех техник;

— живописный – для масляных красок. Выдерживает толстый красочный слой, но не подходит для акриловых и темперных красок, так как пропускает воду.

Переплетение холста должно быть или полотняным (для льна), или миткалевым (для хлопка). Это означает, что нити утка и основы переплетаются в ткани последовательно, образуя равномерное плетение.

Холст обязан строго соответствовать выбранной технике письма. Так, для гладкой живописи тонкими слоями следует выбирать мелкую или среднюю фактуру. Для пастозной живописи необходимо крупнозернистое полотно. Редкое переплетение не выдержит тяжести красок в любом случае.

Как выбрать правильный грунт? Виды грунта

Грунт – это специальный материал, который наносится на холст для того, чтобы создать прочную связь между основой и краской. Также он необходим для получения какой-то определенной фактуры или фона, которые предполагает задумка художника. Как правило, грунт наносится на основу в несколько слоев.

Многие холсты продаются уже грунтованными, то есть они полностью готовы к живописи, на них нанесены соответствующие проклейка и грунт. Это оптимальное решение для новичков, правда, и здесь есть свои нюансы при выборе, о них мы скажем чуть позже. Также встречаются грунтованный картон и бумага.

Опытные художники предпочитают самостоятельно готовить основу к работе и приобретают негрунтованные холсты в рулонах или на подрамниках. От вида грунта зависит, насколько прочным будет красочный слой.

— Клеевой грунт – идеальный выбор для масляной живописи, подходит для всех видов основы. Масляные краски хорошо себя ведут себя на клеевом грунте, сохнут относительно быстро, без образования трещин.

— Эмульсионный грунт подходит для любой основы и всех техник живописи. Он не растворяется в воде, поэтому на нем можно писать не только маслом, но и акриловыми и темперными красками.

— Масляный грунт предназначен для всех основ, но его предпочитают далеко не все художники. Используется только для тонкой масляной живописи, если вы пишете пастозно, то стоит выбрать другой вариант. Если вы решили самостоятельно нанести масляный грунт, учтите, что он полностью высыхает в течение 10-12 месяцев.

— Акриловый грунт подходит для масляной, акриловой, темперной живописи, его можно наносить на любые основы. Рекомендуется для самостоятельной грунтовки полотна, так как он очень пластичный и не склонен к растрескиванию.

Как проверить качество грунтованной основы?

— На поверхности не должно быть никаких зазоров, точек, ниток и т. д. Фактура может проступать только у крупнозернистого холста.

— Нанесите на натянутый холст живописное льняное масло. Если грунт качественный, то ничего не изменится. Холст сохранит первоначальный цвет и гладкость, хотя весь будет покрыт тонким слоем масла. Если на холсте появились темные пятна, там, где масло через микротрещины проникло внутрь и впиталось в основу, то рисовать на нем нельзя. На готовой картине появятся некрасивые матовые пятна, причем убрать их лаком не получится.

Именно поэтому готовые грунтованные холсты никогда не лишне доработать, то есть покрыть либо готовым акриловым грунтом, либо желатиновым клеем в 1-2 слоя.

Можно ли самостоятельно загрунтовать холст?

Этот вопрос волнует многих новичков. Да, можно, но для этого нужны определенная сноровка, терпение и время.

Самый популярный рецепт грунтовки холста:

Возьмите желатин (желательно насыщенного желтого цвета) и разведите его по инструкции производителя.
Когда желатин остынет, шпателем нанесите его на натянутый холст, тщательно втирая в нитки и отверстия между ними. После просыхания первого слоя нанесите еще один, дайте высохнуть.
Теперь нанесите на холст белую фасадную краску, если вы хотите получить цветной фон, добавьте соответствующий краситель. Краска должна иметь консистенцию жидкой сметаны. Нанесите ее в два слоя широкой щетинной кистью, давая просохнуть каждому покрытию.
В завершение холст покрывают прозрачной фасадной глубинной пропиткой в один слой. Примерно через 5-7 дней холст будет полностью сухим и готовым к работе. Некоторые художники добавляют прямо в желатин истолченный мел или сухие цинковые белила, тогда нанесение белой фасадной краски не нужно.

Какие инструменты нужны?

Жидкие клеевые составы наносят жесткой и широкой кистью, например, малярной, или щеткой, студенистые — распределяют, используя мастихин, линейку или нож. Для разравнивания слоя и удаления лишнего клей может использоваться резиновый шпатель, нож или другой удобный предмет.

Как правильно сушить холст?

Просушка проводится после нанесения каждого слоя. На этом этапе не стоит торопиться, т. к. нарушение технологии ухудшит качество поверхности.

Время зависит от используемых смесей. Клеевые грунты сохнут в среднем до 5 дней, эмульсии – 1–2 недели, составы, содержащие масла, – от нескольких месяцев до года. Время между нанесениями слоев клея обычно составляет 12 часов.

Поверхность должна сохнуть равномерно при комнатной температуре. Нельзя выносить полотно на солнце, ставить у батареи, в местах со сквозняком.

Решение проблем с холстом

Если вы начинающий художник, обязательно прислушайтесь к советам опытных товарищей. Итак, что делать, если…

…холст провис?

Подоткните клинья-колышки в свободные пазы, и полотно выровняется.

…на холсте образовалась вмятина?

Такое случается при неправильном хранении (см. Правила хранения и содержания картин), когда на картину опираются подрамником работы меньшего формата. В этом случае сбрызнете полотно с обратной стороны водой из пульверизатора. При высыхании холст снова натянется без изъянов.

Подрамник, холст, грунтовка: Как правильно выбрать холст? Читать дальше »

Диего Веласкес: «Золотой век» Испании и придворного живописца короля Филиппа IV

Наследие Веласкеса – это гордость «золотого века» испанского искусства и предмет восхищения многих мировых мастеров от живописи. XVI–XVII века – время исторического величия Испании и расцвета всех областей культуры. В общеевропейском масштабе период называют эпохой барокко. Испания была самой традиционной из всех европейских монархий, хранительницей «старого порядка» и апологетом католического богословия.

Богатство и признание нашли Веласкеса не сразу. Диего появился на свет 6 июня 1599 г. в Севилье в семье мелкого чиновника. Имя, данное ему при рождении, звучало как Диего Родригес де Сильва и Веласкес. В десятилетнем возрасте он уже приступил к обучению живописи в мастерской Франсиско Эрреры, а в 1611 г. его учителем становится известный живописец того времени – Франсиско Пачеко. Кстати, дочь Пачеко стала женой Веласкеса, — они обвенчались в 1618 г.

С помощью Пачеко, который водил дружбу с королевским капелланом, Веласкес был замечен при дворе недавно вступившего на трон Филиппа IV. При новом короле все больший вес набирает граф Оливарес, всесильный временщик, ставший покровителем Веласкеса и одним из главных героев его живописи. Веласкес становится придворным живописцем и пребывает на этой должности до конца своих дней.

Веласкес серьезно интересовался литературой, архитектурой, астрономией, историей, математикой и философией, но сильнее всего его манила живопись. Веласкес обожал живописать быт. Он стремился изображать настоящую, живую Испанию, и этот интерес к жизни простого народа сопровождал мастера всю жизнь. Однако, по иронии судьбы, именно этому художнику выпала честь писать портреты высшей аристократии, двора и самого монарха.

Диего Веласкес проникал в характер модели, при этом он обладал обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. По утверждению ранних биографов, он схватывал все буквально на лету, очень рано научился читать и уже в детстве начал собирать библиотеку, которая к концу жизни художника выросла в собрание, поражавшее современников своей величиной и универсальностью.

Так же немалую пользу в жизни художника принесла встреча с Рубенсом, в качестве дипломата в 1628 году прибывшим в Мадрид. На протяжении девяти месяцев великие живописцы интенсивно общались. Видимо, именно Рубенс посоветовал Веласкесу посетить Италию. Вскоре после отъезда Рубенса Веласкес упросил короля дать ему разрешение на эту поездку, длившуюся с августа 1629 года по январь 1631 года. Итальянское путешествие Веласкеса значительно меняет стиль и технику работы живописца. Тенебризм сменяется все более частым использованием светлой палитры, намечаются более четкие формы и появляется детализация. Меняются и сюжеты картин – все чаще испанец обращается к мифологии и библейским темам («Кузница Вулкана», «Одеяние Иосифа»).

Диего Веласкес. Кузница Вулкана. 1630 г.

Веласкес написал десятки портретов монарха, членов его семьи, придворных и представителей церкви. Он же создавал картины для украшения дворца и, надо сказать, пользовался большой свободой в выборе тем. Он писал портреты не только знати, но и придворных шутов, которые были призваны забавлять королевский двор. Он сумел подчеркнуть характеры этих шутов: скромную сдержанность умного карлика Эль Примо, трагическую напряженность калеки Моро. Портреты всех этих шутов были написаны художником в 1640 — х г. и хранятся они в музее Прадо.

При дворе Веласкес создает серию батальных картин, отражающих значимые победы эпохи Филиппа IV. Самая известная из них – картина «Взятие Бреды».

Веласкес мастерски передавал фигуры и характеры людей, и многие его картины отличаются сложной композицией. Ярким примером служит одно из самых известных полотен «Менины», где в числе прочих героев художник изобразил и самого себя.

Как к придворному живописцу отношение современников к Веласкесу было противоречивым. При дворе, где царили официоз и «засилье стереотипов», считалось, что любой труд – недостойное дело для дворянина, даже если этот труд – творчество. Он был художником, который своим творчеством и трудом зарабатывал на жизнь.В то же время художественное сообщество видело в Веласкесе «государственного служащего», любимчика графа Оливареса и потому также относилось к нему неоднозначно.

Лишь за год до смерти Диего Веласкес был посвящен в кавалеры ордена Сантьяго. Испанский художник умер в 1660 году после болезни, сильно обострившейся во время подготовки свадьбы наследника испанского престола с дочерью самого знаменитого французского монарха «короля-солнца» Людовика XIV. Это было последнее мероприятие испанского двора, в котором художник принимал активное участие.

Диего Веласкес: «Золотой век» Испании и придворного живописца короля Филиппа IV Читать дальше »

Василий Верещагин: Неутомимый исследователь и суровый проповедник, учитель жизни

Верещагин — художник легендарной судьбы и славы. Для современников — и на родине, и в Европе — он не только выдающийся живописец, но и отчаянный революционер, порывающий с общепринятым в жизни и творчестве. Выдающийся талант и выдающаяся натура — быть может, как натура он даже значительнее и грандиознее, чем как талант. «Верещагин не просто только художник, а нечто большее», — записал Крамской после первого знакомства с его живописью и спустя несколько лет вновь заметил: «Несмотря на интерес его картинных собраний, сам автор во сто раз интереснее и поучительнее».

«Апофеоз войны» 1871 г. Холст, масло. 127×197 см. Государственная Третьяковская галерея

Безжалостная трезвость суждений и взглядов сочетается в нем с утопической верой в действенность нравственной проповеди средствами искусства. Принятая на себя миссия «учителя жизни» нередко приходит в столкновение с эгоцентризмом натуры и высокомерным третированием «толпы», равно как призыв к милосердию, сочувствие к чужому страданию — с пристрастием наблюдать и показывать жизнь в ее жестоких подробностях. Но при всех крайностях и контрастах этой сложной русской души в Верещагине неизменно ощутимы оригинальность, смелость и высота натуры, та своеобразная грандиозность личности, которая побудила Репина в траурной речи о художнике назвать его «сверхчеловеком». Какие бы критические суждения ни высказывали о Верещагине современники, не возникало сомнений, что в его лице русское искусство имеет одного из самых самобытных своих деятелей. Чем далее идет время, тем явственнее масштаб этой личности. Художественный мир Верещагина не тускнеет, а многие из его идей, которые казались современникам отвлеченными и парадоксальными, мир без войн, грядущая трагедия социализма, колонизационная политика России и межнациональные конфликты, могущие возникнуть на этой почве, решение споров между государствами на уровне мирового сообщества — пожалуй, только теперь могут быть оценены в своей провидческой сущности.

Для него как будто не существует границ: он живет в Петербурге, Ташкенте, Мюнхене, Париже, в конце жизни — в Москве. Предпринимает длительные путешествия — на Кавказ и в Туркестан, в Индию и Палестину, по Европе и России, на Филиппины и Кубу, в Америку и Японию. Как офицер, он принимает участие во всех военных действиях, которые ведет русская армия, — в Средней Азии, на Балканах, в Японии. Это человек громадной энергии, несокрушимой воли, незаурядной отваги и мужества, разнообразных умений, «бывалый человек», привычно и уверенно чувствующий себя и за мольбертом, и в седле, и в походной палатке, и во фронтовом окопе.

Верещагин никогда не писал по заказу, не склонялся на просьбы и увещевания, исходили ли они от властей, от критики или от публики. Человек обостренного до болезненности чувства достоинства, он более всего боялся потери независимости, того, что «последует, когда мне заткнут глотку деньгами», как он однажды выразился. Он не искал поддержки власть имущих, вообще избегал «писания и говорения с важными людьми», поскольку знал за собою особенность быть дерзким и даже грубым против воли. В официальных кругах ему платили тем же: относились недоброжелательно, находили сюжеты его картин тенденциозно-мрачными, а его самого готовы были числить главой нигилизма в русском искусстве. «Я буду всегда делать то и только то, что сам нахожу хорошим, и так, как сам нахожу это нужным», — Верещагин всю жизнь верен этому принципу и в творчестве, и в убеждениях, и в отношениях с окружающими. В русском искусстве он стоит особняком. У него нет непосредственных учителей и прямых последователей. Он не связывает себя приверженностью ни к какому художественному объединению, стоит вне партий и кружков, не ищет и не принимает ничьих наград. В 1874 году Верещагин публично отказывается от предложенного ему звания профессора Академии художеств, мотивируя это тем, что считает «все чины и отличия в искусстве безусловно вредными». Этот поступок получает широкий резонанс: по существу, Верещагин первый из русских художников, кто решается гласно, открыто, демонстративно поставить себя вне традиционных порядков, — делает то, «что мы все знаем, думаем и даже, может быть, желаем; но у нас не хватает смелости, характера, а иногда и честности поступить так же», — как прокомментировал его поступок Крамской.

Мир в представлении Верещагина существует как живое нераздельное целое, где все объединено безусловной внутренней связью, перед которой становятся относительными перегородки между учеными разных специальностей, не говоря уже о рамках, разделяющих художников на «историков, жанристов, баталистов, пейзажистов, а также новейшее разделение на импрессионистов, символистов и др.». Он воспринимает природу как единство, народы мира как сообщество, а Землю как общий дом человечества.

«Торжествуют» 1872 г. Холст, масло. 195,5×257 см. Государственная Третьяковская галерея. Цикл «Варвары», Туркестанская серия

На площади перед величественным медресе Шердор в Самарканде собралась толпа. Одетый в белое мулла в центре читает проповедь. Люди празднуют, но что? Ответ становится очевидным, если приглядеться получше. На шестах торчат головы солдат — почетный трофей армии эмира, выставленный на всеобщее обозрение. Их можно было бы совсем не заметить на фоне разноцветных орнаментов, залитых ярким солнцем. И все же они здесь, наблюдают за толпой, которая пиршествует буквально на костях. На раме надпись: «Так повелевает Бог! Нет Бога, кроме Бога».

История человечества есть прежде всего история цивилизации — все более широкого, углубляющегося, благотворного воздействия на мир и жизнь людей достижений научного и технического прогресса. Верещагин стоит на европоцентристской позиции, он убежден в высокой цивилизаторской миссии Европы и России по отношению к странам Востока и Азии. В то же время пренебрежение цивилизованного общества ко всему тому, что находится на «низшей ступени развития», по его убеждению, глубоко ошибочно, ибо тем самым человечество недопустимо ограничивает свой жизненный опыт. И в быте туземных народов, и даже в мире животных, во всем, что живет не по законам разума, но руководствуясь «инстинктом», кроется гигантский, во многом еще не освоенный жизненный опыт, «веками нажитый и передаваемый от поколения к поколению разум». Поэтому столь важным представляется Верещагину изучение всех человеческих цивилизаций под всеми широтами мира.

В то же время «воспроизведение вещей реальным образом» для Верещагина не самоцель. Это необходимое условие реализма, но недостаточное. Верещагин — один из наиболее убежденных поборников «тенденции» в искусстве. Отсутствие в картине идеи, мысли, морали или недостаточно яркая их выраженность грозит, по его суровому приговору, низвести картину «до фешенебельной мебели»: «Каждая моя картина должна что-либо сказать, по крайней мере только для этого я их и пишу». По свойствам своей натуры Верещагин в такой же мере неутомимый исследователь, как и суровый проповедник, учитель жизни, едва ли не «судья человечества». В его искусстве парадоксально соединяются две, казалось бы, противоположные тенденции — к документальному воспроизведению конкретного факта и к широкому всеобъемлющему обобщению.

«Побежденные. Панихида» 1879 г. Холст, масло. 179,7×300,4 см. Государственная Третьяковская галерея

Верещагин наделен удивительной, по его выражению, «прямо страшной памятью прошлого», прочно удерживавшей малейшие подробности виденного и позволявшей возвращаться к ним спустя много лет. Перебравшись в Мюнхен, он продолжает писать туркестанские этюды и картины. Он работает с натурщиками, сверяет каждую подробность с подлинными костюмами, оружием, утварью, привезенными из Туркестана, однако очень многое делает по памяти. Художник ничего не привносит «от себя». Его задача — достигнуть адекватности между тем, что он пишет, и тем, что предстает его внутреннему взору, не допустить «двоедушия», по стасовскому выражению, между реальностью, как она живет в его памяти, и живописным изображением…

Василий Верещагин: Неутомимый исследователь и суровый проповедник, учитель жизни Читать дальше »

Николай Ибраев: Мятежный дух в поиске сакрального

Неординарный и своеобразный художник Николай Ибраев, мятежный дух которого постоянно находится в поиске сакрального.

Родился в 1987 году в г. Москве. Окончил Йошкар-олинское художественное училище, затем продолжил обучение в академии им. А.Л. Штиглица. Участвовал в региональных и всероссийских выставках, проводимых Союзом художников России. В настоящее время основной деятельностью является роспись стен в Москве, Петербурге и других регионах России. Занимается преподавательской деятельностью в Канаде (г. Монреаль), России (г. Санкт-Петербург): живопись, рисунок, композиция, история искусств, технологии старых мастеров.

Николай Ибраев молодой петербургский художник, которого уже заметили галеристы. Его творчество и видение неоднозначное: от черного к белому, темное — светлое. Тем самым получается интересные работы: КинкПанк, Тяжесть и сталь, Молчаливая литургия, Интерьер святой Анны, Мы — тлен, Андрей Рублев, Садко, Благоверный князь Александр Невский и т.д. Если посмотреть на галерею картин Николая, то начинаешь задумываться о бренности и чистоте бытия.

«Поистине видимое есть образ невидимого.»

Научившись расшифровывать художественные послания, можно найти многие ключи к пониманию бытия, не только самого художника, но и своей жизни и поиска вечного сакрального, поскольку все образы взаимосвязаны со всеми элементами существования.

Согласно Библии, черный был первым и единственным цветом на земле, но в конце концов появился свет, который ознаменовал появление жизни. Так черный был определен как безжизненный, и на долгие годы за ним закрепилась дурная слава цвета смерти.

Белый цвет использовалась в тех магических ритуалах первобытных людей, в которых они апеллировали к силам добра и жизни или защищались от воздействия злых духов и божеств. Белый цвет притягивал добрых богов и отпугивал злых. Наиболее важными из этих ритуалов были те, которые посвящены рождению, инициации, браку и смерти. Именно белый защищал от сглаза и порчи. И использование его в ритуалах, связанных с похоронами тоже было логичным: он давал надежду на новую загробную жизнь.

Художник находится в постоянном поиске и временной трансформации: черное — это хорошо или плохо!? белое — это трагедия или праздник!?

Надеюсь, вы теперь понимаете сложность и душевную мятежность в картинах Николая Ибраева, только истинные ценители искусства смогут погрузиться и понять творческие метания, но в тоже время, и жизненную силу картин художника.

Николай Ибраев: Мятежный дух в поиске сакрального Читать дальше »

Марк Шагал: Долгая жизнь и смерть в полёте

Самая странная и загадочная картина художника-авангардиста Марка Шагала носит название «Над городом». На ней изображена пара — мужчина и женщина, которые обнявшись, летят в небе над небольшим провинциальным Витебском… Марк Шагал прожил долгую, полную событий жизнь, и умер в 97 лет в полёте, как и предсказала ему цыганка.

Любой, кто хотя бы немного знаком с творчеством Шагала, мгновенно угадывает самого художника и его невесту — Беллу (Берту Розенфельд). Нет сомнений, влюблённые встретились после долгой разлуки. Они вновь охвачены любовью и счастьем и позабыли обо всём на свете. Чувства подняли их высоко в небо и они наслаждаются и свободой.

Детали картины — здания на земле, безликий и скучный город, лица главных персонажей, — как это часто наблюдается у Шагала, выписаны схематично. Реально выглядят лишь мужик со спущенными штанами у дощатого забора и нагло гуляющий козёл.

У мужчины и женщины по одной руке. По всей видимости, по задумке автора это должно показать, что каждый из них является дополнением другого и по отдельности они ничего не значат. Зато вместе они — сила! Счастливые влюблённые летят, обнявшись, над городом, где Марк Шагал разрисовал торцы домов уникальными граффити, посвятив их годовщине Октябрьской революции…

Женские образы списаны с первой жены

Надо сказать, что люди на картинах Шагала летают довольно часто. Это могут быть счастливые влюблённые, цирковые акробаты, обнажённая женщина, еврей…

Видимо, художнику очень хотелось воплотить в реальность выражение «летать от счастья». Ведь самому Шагалу наверняка было известно это удивительное чувство полёта.

Интересно, что Марк Шагал, хотя и был несколько раз женат, оказался однолюбом. Практически на всех полотнах легко можно узнать только одну даму, его жену Беллу, с которой познакомился в 1909 году. С многих полотен на нас смотрят её «выпуклые чёрные глаза», а её черты узнаваемы в лицах почти всех изображённых им женщин.

Потом Марк Шагал напишет в своей книге «Моя жизнь»: «С ней должен быть я — вдруг озаряет меня! Она молчит, я тоже. Она смотрит — о, её глаза! — я тоже. Как будто мы давным-давно знакомы, и она знает обо мне всё: моё детство, мою теперешнюю жизнь, и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел её в первый раз. И я понял: это моя жена. На бледном лице сияют глаза. Большие, выпуклые, чёрные! Это мои глаза, моя душа».

В тот момент они с Беллой состояли в браке и растили ребёнка. Но было в их отношениях нечто такое, что по-прежнему позволяло взлетать над серой обыденностью и поднять художника, который прожил почти 100 лет, над окружающим его миром.

Выставка в Лувре

Своим творчеством Марк Шагал, а правильнее Мовша Хацкелевич Сегал (впоследствии Моисей Хацкелевич и Марк Захарович) смог добиться такого признания и авторитета, что в конце 1970-х в Лувре была устроена выставка работ художника, приуроченная к его 90-летию…

При этом необходимо знать — этот музей никогда до этого не выставлял работы при жизни автора.

Вообще, Франция, куда он переехал в начале 1920-х годов, была к нему очень благосклонна. В отличие от других своих коллег по творческому цеху жизнь в эмиграции у Шагала шла крайне успешно.

Более того, он сумел не только найти новые жанры для выражения идейных замыслов, но и заработать приличное состояние, и кроме того сменить несколько жён после смерти незабвенной Беллы.

Интересные факты: в 1964 году по заказу президента Франции Шарля де Голля Шагал расписал плафон знаменитой во всем мире парижской оперы — Гранд Опера. В 1966 году создал для Метрополитен-опера в Нью-Йорке два панно, а в Чикаго украсил здание Национального банка мозаикой «Четыре времени года».

В 1977 году Марк Шагал был удостоен высшей награды Франции — Большого креста Почётного легиона…

Семейное счастье

Две революции — февральскую и Великую Октябрьскую; две войны — Гражданскую и Первую мировую; бедность и богатство; частые переезды — Белла Розенфельд, верная муза и жена Марка Шагала, всегда находилась рядом с ним. Это семейное счастье длилось почти 30 лет.

Жена понимала Шагала как никто другой, и принимала его таким, каким он был. Ни одна картина не была закончена без её одобрения. Художник слушал и поклонялся только ей и любил её так, как никого в жизни…

Разница в возрасте между Марком и Беллой составляла всего два года. Марк Шагал родился 7 июля 1887 года, а Белла — 14 декабря 1889-го. Они оба росли в Витебске, названном художником Ильёй Репиным «русским Толедо».

Разные сословия

Семья Сегалов жила на бедной окраине в районе Песковатики среди кособоких деревянных домишек и разгуливающих там кур и коз. А семья торговцев ювелирными украшениям Розенфельдов в центре города. Детей родители обожали и безмерно баловали. Особенно это касалось маленького Мойши, который был в семье первенцем.

В гимназии, куда его устроила за взятку мать, Шагал был первым только по двум предметам — геометрии и рисованию. Именно последнее и послужило причиной тому, что своё дальнейшее образование он продолжил в художественной школе Юделя Пэна. Педагог сразу увидел в своём ученике талант и перестал брать плату за обучение.

Тем временем Белла, в семье она родилась восьмым ребёнком, прилежно осваивала французский и немецкий языки в Алексеевской гимназии для девочек, которую закончила с серебряной медалью. Это давало девушке возможность продолжить обучение в Москве или Санкт-Петербурге.

После небольшого раздумья она вместе с подругой Таубой Брахман выбирает Московские высшие женские курсы, которые также назывались «курсы Герье» — по фамилии их основателя и директора, историка, профессора Московского университета Владимира Ивановича Герье. Стоило обучение 100 рублей в год. Родители Баси могли себе позволить такие расходы…

Встреча

Однако встреча с будущей женой случилась не в Москве и не в Санкт-Петербурге, а всё в том же Витебске, куда Марк Шагал приехал в 1909 году на побывку. Местом знакомства стал дом их общей подруги Теи Брахман. Это была любовь с первого взгляда. Через год они стали женихом и невестой.

Родители Беллы категорически выступали против этого союза и открыто говорили — Шагалы с их небольшой лавкой не ровня купцам с двумя магазинами! И вообще, он щёки румянит и занятие у него сомнительное. Подумаешь, странные картины рисует.

Но Белла упорно стояла на своём и приводила в пример старшую сестру Хану, социал-демократку, которая вышла замуж за большевика… Словом, отложив дела «на потом», Марк уезжает в Санкт-Петербург — учиться у Леона Бакста, а оттуда — в Париж.

Белла вернулась в Москву. Помимо Высших женских курсов она поступила на актёрские курсы в студию Станиславского. А свои литературные амбиции удовлетворяет тем, что сотрудничает с московской газетой «Утро России».

Все эти годы Марк и Белла переписывались. Встретились лишь в 1914 году, когда Шагал приезжает в Витебск на свадьбу сестры. Чувства вспыхнули с новой силой и через год с небольшим, 25 июля 1915 года, они женятся. А через год у них родится дочка Ида.

Сердце рвётся в Париж

Первые годы совместной жизни Шагалов стали, что называется, борьбой за выживание в сумасшедшем, скачкообразном движении Первой мировой войны и череде русских революций.

Родственники Беллы помогли Марку уехать в Петербург и избежать воинской службы. В 1918 году Шагала назначили Уполномоченным по делам искусства в Витебской губернии. Художник доволен — он снова дома. И, стараясь оправдать доверие, начинает с того, что в канун первой годовщины Октябрьской революции с размахом украшает родной город. Затем открывает Школу искусств и даёт своим ученикам свободу раскрывать собственный талант…

Но тут между ним и Казимиром Малевичем начинается противостояние, в котором последний выходит победителем и Шагалам приходится переехать в Москву. Живут они скромно, если не сказать бедно. Белле даже приходится продавать свои драгоценности — ведь маленькой Идочке надо хорошо питаться.

Шагал берётся за любую работу, даже преподает в детских колониях. В этот же период он создаёт знаменитые декорации для Еврейского театра, которые впоследствии спас Соломон Михоэлс…

Но в творчестве Шагал себя по-прежнему не находит. Вроде как пишет картины, но их никто не признаёт. Его сердце рвётся в Париж, где когда-то его оценили. Поэтому с семьей отправляется в Берлин, где открылась выставка его работ, а оттуда переезжает в Париж.

В Париже

Только в Париже Шагал чувствовал себя легко и свободно. Его, правда, огорчает потеря всех работ, которые остались на родине. Но что это против того, как они с Беллочкой так замечательно устроились!

Он увлёкся иллюстрацией и иллюстрирует для Амбруаза Воллара книгу Николая Гоголя «Мёртвые души», по памяти восстанавливает некоторые утраченные картины…

Заказы есть, следовательно, есть деньги. Семья путешествует по Франции, в 1931 году едет в Палестину — землю своих предков, своей веры. По возвращению Шагал приступает к иллюстрированию Библии. Всё заканчивается с приходом к власти Гитлера. И в 1941 году Шагалы решаются уехать в США. Делают это вовремя — ещё бы немного и их постигла участь многих евреев.

В Америке удача вновь на стороне Марка Шагала. Он работает в мастерской сына Матисса — Пьера, заканчивает работы, которые начал ещё в Париже. Делает декорации для балета «Алеко» в постановке Леонида Мясина, сражается с Пикассо за заказ для спектакля Баланчина «Жар-птица». Победа остаётся за испанцем, однако эскизы костюмов рисует Шагал.

Дочь помогла

В конце августа 1944 года Шагалы получают радостную весть — Париж освобождён. Теперь все мысли только о возвращении, но тут приходит беда.

Внезапно Белла заболела. Сейчас уже сложно сказать, действительно ли ей, как еврейке, отказали в помощи, как потом рассказывал художник. Но нужное лекарство больной привезли поздно.

«Когда Белла ушла из жизни, 2 сентября 1944 года в шесть часов вечера, громыхнула грозовая буря и непрерывный дождь излился на землю. В глазах моих потемнело»… — писал потом художник, который постоянно корил себя за медлительность. На 30-й день после смерти Беллы Шагал Комитет еврейских писателей, художников и учёных организовал в Карнеги-Холле траурный вечер её памяти, на котором присутствовало около двухсот друзей и знакомых семьи Шагал.

Но успокоиться он не мог очень долго, долгих девять месяцев не брал кистей и развернул все холсты лицом к стене. Если бы не дочь, вероятно, ему бы так и не удалось преодолеть тоску.

Жизнь после Беллы

После ухода Беллы у Марка Шагала были женщины. Одна из них — Вирджиния Хаггард стала матерью единственного сына Шагала, Дэвида МакНила, писателя и музыканта, но ушла от него к фотографу. Другая — дочь фабриканта Валентина Бродская, он её называл ласково Вава, официально стала супругой. О роли этих женщин в жизни мастера много спорят. Но никто не отрицает, любил мастер только Беллу…

Говорят, что цыганка предсказала Марку долгую жизнь и смерть в полёте. Она оказалась права.

Марк Шагал действительно прожил долгую жизнь и умер в возрасте 97 лет от сердечного приступа, это произошло 28 марта 1985 года. Он поднимался в лифте из мастерской на второй этаж своего дома в Сен-Поль-де-Ванс во Франции. Его сердце остановилось в таком авангардном полёте. Вава, хотя и была наполовину еврейкой, не разрешила главному раввину Ниццы похоронить его на еврейском кладбище, и останки художника обрели покой в Сен-Поль-де-Вансе.

Марк Шагал: Долгая жизнь и смерть в полёте Читать дальше »

Жан Батист: Живописец цветов, плодов и характерных сюжетов

Портретами, натюрмортами и жанровыми сценами Жана Батиста Симеона Шардена гордятся знаменитые музеи всего мира, но сам художник за 80 лет жизни ни разу не выезжал за пределы Парижа. Сильные мира сего от Людовика ХV до Екатерины II с удовольствием давали Шардену заказы на картины, но настоящее признание он получил за то, что воспевал достоинства и благодетели «третьего сословия».

Шарден и сам не мог похвастаться знатностью происхождения. Он родился в патриархальной семье краснодеревщика, специалиста по выделке биллиардов и мебели. Отец рано отдал сына в подмастерья сначала к художнику Жану-Пьеру Казу, а потом – к Никола Куапелю. В мастерской последнего Жан Батист должен был выписывать на картинах наставника мелкие детали. Выходило прекрасно, и, вероятно, отсюда идёт любовь Шардена к жанру натюрморта. От Куапеля Шарден уходит учиться к мастеру рангом повыше – Луи Мишелю Ван Лоо, реставрировать росписи в королевской резиденции в Фонтенбло.

Тут бы, казалось, Шардену и развернуться. Но парадная живопись на мифологические темы оставляет его совершенно равнодушным. А что увлекает? Увлекают сюжеты, которые позднее стали называть реалистическими, бытовые сценки не из античности, а из наблюдаемой каждый день действительности. Его первый успех – это вывеска хирурга. В ХVIII в. под вывеской понимали полноценную большую картину, то, что сейчас мы бы назвали наружной рекламой. Такую «рекламу» с парижской разношерстной толпой, глазеющей на раненого, которому хирург, разумеется, оказывает квалифицированную помощь, Шарден и написал. Так он нащупал своё второе после натюрморта призвание – жанровые сцены.

Чего Шарден действительно терпеть не мог – так это браться за популярные в его время парадные портреты. Помпезность идеализированной «парсуны» эпохи рококо вызывала у него глухое неприятие. Шарден предпочитает совершенствоваться в жанре, который тогда не считался ни высоким, ни престижным: подражая на первых порах фламандцам и голландцам, но очень быстро находя собственную манеру, он пишет натюрморты.

Именно натюрморт открывает Шардену двери в мир французского истеблишмента. Картины «Скат» и «Буфет» делают его известным. В жанрах, считавшихся низкими, Шарден достиг такого совершенства, что его принимают в закрытую Королевскую академию живописи и ваяния, причем с замечательной формулировкой «живописец цветов, плодов и характерных сюжетов».

В Академии уравновешенный и глубоко порядочный Шарден сделает карьеру: в разные годы он получал хорошие должности – советника, казначея. Но на путь академического искусства Шарден так и не встал. От натюрморта он переходит к жанровым сценам и портретам и именно этим, пожалуй, обессмертит своё имя в искусстве. Впервые благодаря Шардену на сцену французской живописи выходит мелкая буржуазия, «третье сословие». И не просто выходит – а громко заявляет свое законное право на признание.

Еще недавно это было немыслимо. Изобразительное искусство превозносило гедонистический быт аристократии, популярностью пользовались идеализированные портреты вельмож и великосветских красавиц. А Шарден пишет тех, кто до него особого интереса для искусства не представлял. «Рукодельница» и «Прачка», «Вернувшаяся с рынка» и «Трудолюбивая мать», «Мойщица посуды» и «Женщина, чистящая овощи» — все они вызывают у Шардена не только жадный интерес художника, но и живую человеческую симпатию. И кто сказал, что интимный быт придворной прелестницы интереснее того, как кухарка чистит томаты? «Кто сказал, что художник пишет красками? – однажды заметит Шарден своему оппоненту. – Красками мы пользуемся, а пишем — чувством».

Личная жизнь Шардена не была безоблачной. Он дважды был женат. Трагически потерял первую жену и дочку, оставшись с маленьким сыном на руках (позднее сын также станет художником). Второй раз Шарден женился на Маргарите Пуже – портрет постаревшей добродетельной Маргариты, выполненный в технике пастели, станет одним из последних шедевров мастера. В этом браке тоже родится дочь, которая проживёт совсем мало. А когда Шардену будет за 70, его настигнет еще один удар: сын-художник отправится путешествовать по Италии и без вести исчезнет. Но живописная семейная тема у Шардена никогда не окрасится трагизмом. Дети и женщины – центральные персонажи в его творчестве («Мальчик с волчком», «Карточный домик», «Заботливая няня», «Молитва перед обедом») – выглядят благополучными и вполне счастливыми. Жанровые сценки Шардена из домашней жизни проникнуты лиризмом и теплотой. Высокая «поэзия обыденности», пожалуй, прославила его имя не меньше, чем тончайшее мастерство колориста.

Дени Дидро, один из главных властителей дум от Парижа до Петербурга в XVIII веке, утверждал, что никто не сравнится с Шарденом в умении воспроизводить правду жизни: «Так бы и схватил одну из его бутылок за горлышко, если бы захотелось пить…»

Жан Батист: Живописец цветов, плодов и характерных сюжетов Читать дальше »

Карл Брюллов: Автор жанровых и исторических полотен

Брюллов — единственный русский художник, удостоенный при жизни лаврового венка и бриллиантового перстня из рук императора. За «Последний день Помпеи» его назвали «первой кистью государства». Брюллов создал более 200 парадных и камерных портретов и расписал купол Исаакиевского собора площадью 800 квадратных метров.
Более подробно можно прочитать на сайте культура.рф о Карле Брюллове

Карл Брюллов: Автор жанровых и исторических полотен Читать дальше »

Вадим Куров: Костюмированные страсти без иллюзий

Что вы знаете о Вадиме Курове!? Если очень кратко, то Вадим Куров родился в 1947 году в Казани. Окончил Казанское художественное училище и художественно-промышленное училище им. В. М. Мухиной. Член Союза Художников России и Международной ассоциации художников. Многократный экспонент российских и зарубежных выставок. Живет и работает в Санкт-Петербурге.Работы находятся в собраниях Музея театрального и музыкального искусства Санкт-Петербурга, Министерства культуры РФ, Дирекции музеев Санкт-Петербурга, Государственного музея изобразительных искусств Казани (Татарстан), Музея Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Культурного центра Лос-Анджелеса (Калифорния, США), Музея современного искусства (Майами, США), Музея Советского и Русского искусства (Шанхай, Китай).Выставки: Друо-Ришелье, Париж, Франция (1989-1990); Нурланд, Норвегия (1991); Монреаль, Канада (1992): Лос-Анжелес, США (1999); Майами, США (2000); Санта-Моника, США (2003); Хельсинки, Финляндия (1994-1995); Бремен, Германия (1995, 1996).

Основные темы творчества художника: театральные композиции, мир балета, фантастический портрет, пейзаж и философский натюрморт.

Вадим Куров: Костюмированные страсти без иллюзий Читать дальше »

Винсент Виллем Ван Гог: Феномен или убийца искусства?

Ван Гог везде. Его работы выставляются в галереях, репродукции в арт-кластерах, о нём снимают фильмы, его картины оживляют в мультимедийных кинотеатрах, его портреты печатаются на одежде, его письма к брату читают люди, его мочка – это легенда, его видение – это новаторство, о нём говорят, его копируют, его любят, его обожают. Ван Гог самый популярный и узнаваемый художник современности. Но что же стоит за всей любовью масс к Винсенту Ван Гогу и почему Ван Гог убивает искусство?

Сможете ли вы называть хоть одну картину Ван Гога, кроме, очевидно, всех автопортретов художника, ирисов, подсолнухов и Звёздной ночи? После минуты ваших раздумий, я уверен, что большинство читателей этой статьи впадут в некое состояние фрустрации, ведь многие из вас считают, что достаточно хорошо ознакомлены с творчеством художника. Но, к сожалению, это не так. За небольшим исключением, знание о той или иной работе Ван-Гога получено вовсе не из порыва собственной воли к тому, чтобы узнать о ключевых картинах художника. Вовсе нет, наоборот, люди лишь стали жертвами массовой культуры, в которой культивируется образ Ван Гога и его эстетических работ. Скорее всего, вы видели ключевые работы художника в социальных сетях, в группах, в которых выкладываются совершенно одинаковые картины Винсента, которые, по мнению многих, уже стали классикой. Но большинство из тех, кто восторгается звёздными ночами Ван-Гога, восторгается ими не потому, что они считают эту картину апофеозом гения постимпрессионизма, а лишь по той причине, что эта картина обожаема другими. Проблема заключается в том, что все те, кто признаётся, что его любимый художник – это Ван Гог, даже не знают о существовании “Звёздное небо над Роной”, “Едоки картофеля”, которые были написаны в самом начале пути Ван-Гога, как художника, или знаменитая картина “Комната в Арле”. Звёздные ночи – это то, что чётко характеризуют всю любовь общественности к Ван Гогу. Не символические образы, не инновационный подход к искусству, а лишь тот навязанный эстетический образ, который стал символом массовости. Конечно, все гениальные работы, будь то работы Сезанна, Гогена, Моне, Мане, любого другого импрессиониста или постимпрессиониста, все они в следствии становится популярными и массовыми. Но работы Винсента Виллема Ван Гога перешли все возможные черты. Они начали порождать невежество.

Возможно, вы возразите, сказав, что картины Ван Гога – это лишь дополнение к личности безумного, но бесконечно свободного художника. Но тут же появляется вопрос, что вы на самом деле знаете о Ван Гоге? То, что он бомжевал? Все вы, как мною ранее было сказано, слышали про мочку уха. Хотя, уверен, что вы слышали, что сам он отрезал целое ухо, но не суть. Но знаете ли вы причину? Знаете ли причём здесь вообще проститутка или Поль Гоген? Поль Гоген, один и зачинателей постимпрессионизма, был приглашён Винсентом творить вместе в одном доме и создать небольшой артель художников. Вскоре, Поль переехал к знаменитому автору, что стало, по его мнению, ошибкой. Постоянные припадки Винсента лишь мешали, а не помогали обоим художникам творить. По этой причине Гоген решил уехать от Ван Гога, чем вызвал его гнев. Затем Поль бежит от сожителя, оставляя Ван Гона одного. Последний решается отрезать мочку своего уха, а затем подарить его проститутке. Конец. В жизни Ван Гога существует множество других интереснейших фактов. И, по-моему мнению, если вы утверждаете, что Ван Гог ваш любимый художник, то стоит ознакомиться с ними.

Не зная хотя бы ¼ картин художника, зная лишь поверхностные факты о его жизни, люди утверждают, что любят его, не только лишь из-за того, что сам Ван Гог чрезвычайно эстетичен и его картины можно приклеить на кружку или футболку, а любят за всё то, что он делал при своей жизни. Задаюсь уже этим вопросом не первый раз, знаете ли вы о нём что-то, кроме поверхностных фактов, которые вы прочитали где-то в какой-то группе? И уверены ли вы, что ваша любовь – это не продукт конформизма, выражающегося в потребности любить то, что другие считают высоким? Задайте себе вопрос, ваше отношение к этого художнику не может обуславливать любовью к массовому образу художника, а не к самим работам мастера? Если ответ положительный, то я бы хотел привести вас к тому, что называется “феномен Ван Гога”.

Почему же этот пресловутый феномен убивает искусство? Многие люди, услышав поверхностную информацию о том или ином культурном явлении, начинают эту информацию аккумулировать, создавать некий образ, который нередко бывает ошибочным, по той причине, что знание о самом культурном явлении неполное. Эти образы ведут к невежеству. Когда человек перестаёт капать, думая, что имеющее у него знание полное, он обрекает себя на то, что само знание будет неполным. Но как это связано с Ван Гогом и искусством вообще? Все мы постоянно слышим о роли Ван Гога в мировом искусстве, о его гении, его личности, о его вкладе в Нидерландскую культуру. Когда мы видим вещи с его портретами, книги о нём, у нас складывается некий образ самого искусного деятеля культуры.

Вот он, Ван Гог. Он апофеоз искусства. Конечно, я не отрицаю гениальность художника, но проблема заключается в том, что Ван Гог не является никаким апофеозом. Вообще, в искусстве нет никакого апофеоза, да, у искусства есть уровни, но нет предела. Из этого вытекает проблема, что знание о Ван Гоне не делает вас ценителем прекрасного, ценителем живописи. Знание о Ван Гоге делает вас лишь человеком, который знает о Ван Гоге. К моей надежде, если вы изучили несколько картин, посмотрели фильм о художнике, изучили его биографию или сделали хоть какое-то минимальное усилие, чтобы понять, каким был знаменитый художник, то тогда вы можете называть себя ценителем Ван Гога, а не всего искусства в целом. Вокруг него не крутится всё мировое искусство. А из этого вытекает уже вторая проблема. Массовое культивирование образа художника приводит к культурной стагнации и отказу от принятия других форм искусства, ранее незнакомых и отличных от тех, которые представляет нам Ван Гог.

Но, к сожалению, многие люди не решаются даже подкапнуть и узнать о личности Автора “Подсолнухов” что-то больше, чем то, что им и были нарисованы эти “Подсолнухи”. Тем самым, думая, что поняли на чём стоит искусство, люди считают, что дальнейшее погружение в тему бессмысленно. Им комфортно думать, что ничего лучше Ван Гона быть уже не может, ведь недаром все же так восхваляют автором. Но чем быстрее эта идея будет распространяться, чем быстрее невежество и поверхностное знание о предмете речи будет становится нормой, тем быстрее люди начнут забывать про другие шедевры, менее массовые и более элитарные. Феномен Винсента Ван Гога страшен тем, что благодаря ему люди погружаются в ощущение знания, когда это знание ограничено, оно искажено. Именно поэтому, не останавливайтесь на Винсенте Ван Гоге. Продолжите с Гогена, с Густава Климта, с Шиле, идите к Мунку, к любым другим художникам. Мы должны разрушить феномен Ван Гога. Только вы являетесь теми, кто способен это сделать, поэтому узнавайте о других художниках, не покупайте паспортные обложки со всеми надоевшими “Звёздными ночами”, не ограничивайте себя и прославляйте искусство.

Винсент Виллем Ван Гог: Феномен или убийца искусства? Читать дальше »